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Juan Usle
LINEA DOLCA 2008 – 2018
IRREFRENABLE
20 / 09 / 2018 - 16 / 11 / 2018
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LINEA DOLCA 2008 – 2018
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HABITACIÓN. Pedro G. Romero El Archivo F.X., las chekas psicotécnicas de Laurencic y la función del arte
20/09/2018
19:00 h CONVERSACIÓN Y PRESENTACIÓN DEL PROYECTO. SALA MATILDE SALVADOR 20:00 h ACTO INAUGUR19:00 h CONVERSACIÓN Y PRESENTACIÓN DEL PROYECTO. SALA MATILDE SALVADOR 20:00 h ACTO INAUGURAL. CLAUSTRO Y SALA ACADEMIA Proyecto: Pedro G. Romero Comisariado: Ángel Calvo Ulloa, Nuria Enguita Mayo Colaboradores: Álvaro Perdices (Madrid), Lola Lasurt (Barcelona) Patricia Gómez y Mª Jesús González (València). Pedro G. Romero. El Archivo F.X., las Chekas psicotécnicas de Laurencic y la función del arte  es una muestra creada a partir del Archivo F.X., que desde finales de los años noventa trabaja sobre las chekas psicotécnicas que Alfonso Laurencic construyó para en el convento Santa Úrsula de Valencia y las iglesias de las calles de Vallmajor y Zaragoza de Barcelona entre 1937 y 1939. El proyecto explora los desengaños de la ampliación psicotrópica de la percepción, las necesarias crisis de la visión utópica y los límites mismos del arte. +info...
Humberto Rivas en la Fundación Mapfre
Humberto Rivas at Fundación Mapfre
29/08/2018
Sala Fundación MAPFRE Bárbara de Braganza (Madrid) Comisario: Pep Benlloch Sala Fundación MAPFRE Bárbara de Braganza (Madrid)
Comisario: Pep Benlloch

Nacido en Buenos Aires en 1937, Humberto Rivas se trasladó a Barcelona junto a su familia en el año 1976 tras el golpe militar en Argentina, donde permaneció hasta su muerte en 2009. En la Ciudad Condal, en los años setenta, su obra resultó imprescindible para el reconocimiento de la fotografía como soporte de creación artística. Situada en aquellos momentos en una situación de marginalidad con respecto a otras disciplinas, la fotografía encontró otra manera de documentar gracias a la obra de Rivas, que se interesa por el paso del tiempo, la huella de la cultura y la memoria.

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Fundación MAPFRE Bárbara de Braganza Room (Madrid) Curator:

Fundación MAPFRE Bárbara de Braganza Room (Madrid) Curator: Pep Benlloch Born in Buenos Aires in 1937, Humberto Rivas moved to Barcelona with his family in 1976 after the military coup in Argentina, where he remained until his death in 2009. In the Ciudad Condal, in the seventies, his work was essential for the recognition of photography as a support for artistic creation. Located at that time in a situation of marginality with respect to other disciplines, photography found another way to document thanks to the work of Rivas, who is interested in the passage of time, the imprint of culture and memory.

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Mulheres radicais: arte latino-americana, 1960-1985
Radical Women: Latin American Art, 1960-1985
La Pinacoteca de São Paulo, museo de la Secretaría de la Cult

La Pinacoteca de São Paulo, museo de la Secretaría de la Cultura del Estado de São Paulo, presenta, del 18 de agosto al 19 de noviembre de 2018, la gran exposición colectiva Mujeres radicales: arte latinoamericano, 1960-1985, en el primer piso de la Pinacoteca. La muestra tiene curaduría de la historiadora de arte británica venezolana Cecilia Fajardo-Hill y de la investigadora argentina italiana Andrea Giunta. Es la primera exposición en la historia que lleva al público un significativo mapeo de las prácticas artísticas experimentales realizadas por artistas latinas y su influencia en la producción internacional. Quince países estarán representados por cerca de 120 artistas, reuniendo más de 280 trabajos en fotografía, video, pintura y otros soportes.  La presentación en la capital paulista cierra la itinerancia y cuenta con la colaboración de Valéria Piccoli, curadora jefe de la Pinacoteca.

Mujeres radicales aborda una laguna en la historia del arte al dar visibilidad a la sorprendente producción llevada a cabo entre 1960 y 1985, de esas mujeres residentes en países de Latinoamérica, además de latinas y chicanas nacidas en los EUA. Entre ellas, figuran en la muestra algunas de las artistas más influyentes del siglo XX — como Lygia Pape, Cecilia Vicuña, Ana Mendieta, Anna Maria Maiolino, Beatriz González y Marta Minujín — al lado de nombres menos conocidos – como la artista de performance mexicana Maria Eugenia Chellet,la escultora colombiana Feliza Bursztyn y las brasileñas Leticia Parente, una de las pioneras del videoarte, y Teresinha Soares, escultora y pintora minera[1] que recientemente viene recibiendo atención internacional.

El recorte cronológico de la colectiva se considera decisivo tanto en la historia de Latinoamérica como en la construcción del arte contemporáneo y en las transformaciones acerca de la representación simbólica y figurativa del cuerpo femenino. A lo largo de ese periodo, estas artistas pioneras partieron de la noción del cuerpo como un campo político y se embarcaron en investigaciones radicales y poéticas para desafiar las clasificaciones dominantes y los cánones del arte establecido. “Este nuevo enfoque ha instituido una investigación sobre el cuerpo como redescubrimiento del sujeto, algo que, más tarde, vendríamos a entender como un cambio radical en la iconografía del cuerpo”, cuentan las curadoras. Dichas investigaciones, según ellas, acabaron por favorecer la aparición de nuevas iconografías en los campos de la fotografía, de la pintura, de la performance, del video y del arte conceptual.

El enfoque de las artistas latinoamericanas fue una forma de enfrentar la densa atmósfera política y social de un periodo fuertemente marcado por el poder político (de los EUA) y por las atrocidades de la dictaduras apoyadas por aquel país (en Centroamérica y América del Sur), que reprimieron esos cuerpos, incluso los de las mujeres, resultando en trabajos que denunciaban la violencia social, cultural y política de la época. “Las vidas y las obras de esas artistas están imbricadas con las experiencias de la dictadura, del aprisionamiento, del exilio, tortura, violencia, censura y represión, pero también con la emergencia de una nueva sensibilidad”, añade Fajardo-Hill.

Para Giunta, temas como lo poético y lo político son explorados, en la exposición, “en autorretratos, en la relación entre cuerpo y paisaje, en el mapeo del cuerpo y sus inscripciones sociales, en las referencias al erotismo, al poder de las palabras y al cuerpo performático, la resistencia a la dominación, en los feminismos y en los lugares sociales”. Y complementa: “Estos temas cruzaron fronteras y surgieron en obras de artistas que venían trabajando en condiciones culturales muy distintas”. No es en vano que, la muestra se estructura en el espacio expositivo en torno a temas en lugar de categorías geográficas. La curadora de la Pinacoteca, Valéria Piccoli, destaca la importancia de la representatividad de las brasileñas dentro de la muestra: “además de los nombres que participaron de las exposiciones en el Hammer y en el Brooklyn Museum, asimismo vamos a incluir obras de Wilma Martins, Yolanda Freyre, Maria do Carmo Secco y Nelly Gutmacher en la presentación en São Paulo”, revela.

Latinoamérica conserva una fuerte historia de militancia feminista que –a excepción de México y algunos casos aislados en otros países en las décadas de 1970 y 1980 — no fue ampliamente reflejada en las artes. Mujeres radicales propone consolidar, internacionalmente, ese patrimonio estético creado por mujeres que partieron del propio cuerpo para aludir — de manera indirecta, encubierta o explícita –- a las distintas dimensiones de la existencia femenina. Para ello, las curadoras vienen realizando una intensa investigación, desde 2010, que incluye viajes, entrevistas, análisis de publicaciones en las bibliotecas de Getty Foundation, de la Universidad de Texas en Austin entre otras.

El argumento central de la exposición muestra que, aunque buena parte de esas artistas hayan sido figuras decisivas para la expansión y diversificación de la expresión artística en nuestro continente, aún no habían recibido el debido reconocimiento. “La exposición surgió de nuestra convicción compartida de que el amplio conjunto de obras producidas por artistas latinoamericanas y latinas ha sido marginado y sofocado por una historia del arte dominante, canónica y patriarcal”, definen las curadoras.  Según el director de la Pinacoteca, Jochen Volz, “fueron, principalmente, artistas mujeres las pioneras que experimentaron nuevas formas de expresión, como performance y video, entre otras. De esta suerte, la itinerancia de la muestra Mujeres radicales para Brasil es de gran relevancia para la investigación contemporánea artística y académica y también para el público en general”.

Este rico conjunto de trabajos, así como los archivos de investigación, recolectados para la concepción de la exposición, llegan finalmente al público paulista, por lo que contribuye a abrir nuevos caminos para  la investigación y la comprensión acerca de la historia latinoamericana. “El tema ahora forma parte de una dirección amplia y al mismo tiempo urgente. Mientras tanto, aún hay mucho trabajo por hacer y tenemos plena conciencia de que este es solo el comienzo”, finalizan las curadoras.

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From August 18 to November 19, 2018, the Pina

From August 18 to November 19, 2018, the Pinacoteca de São Paulo, a museum of the Secretariat of Culture of the State of São Paulo, presents the major group exhibition Radical Women: Latin American Art, 1960-1985, on display on the first floor of the Pinacoteca. Curated by British Venezuelan art historian and curator Cecilia Fajardo-Hill and Italian Argentine researcher Andrea Giunta, the show is the first in history to bring to the public an extensive and notable mapping of the experimental artistic practices by Latin women artists and their influence on international art production. In total, around 120 artists will represent fifteen countries, bringing together more than 280 works in a variety of techniques and on different supports, such as photography, video, painting and others. It´s presentation in São Paulo closes the itinerary and counts with the collaboration of the Pinacoteca’s Chief Curator Valéria Piccoli.


By giving visibility to a remarkable artistic production created between 1960 and 1985 by women who lived in Latin American countries, and by Latina and Chicana women born in the United States, Radical Women addresses a lacuna in the history of art. Among them, the exhibition presents works by some of the most influential artists of the 20th century, – such as Lygia Pape, Cecilia Vicuña, Ana Mendieta, Anna Maria Maiolino, Beatriz Gonzalez and Marta Minujín – alongside that of less well-known such as the performance Mexican artist Maria Eugenia Chellet, the Colombian Feliza Bursztyn and the Brazilians Leticia Parente, one of the pioneers of video art, and Teresinha Soares, a Minas Gerais-born sculptor and painter who has recently been attracting international attention.
The chronological segment of this group show is considered decisive both for the history of Latin America, and for the construction of contemporary art and the transformations concerning the symbolic and figurative of the female body. During this period, these pioneering artists set out to explore the notion of the body as political field and embarked on radical poetic investigations so as to defy the dominant classifications and the established art canons. “This new approach laid the foundations of a research on the body as a rediscovery of the subject, which in turn would later be regarded as a radical change in the iconography of the body,” affirm the curators. According to them, these researches eventually fostered the emergence of new directions within the fields of photography, painting, performance art, video art, as well as conceptual art.
The approach adopted by these Latin American artists was a form of dealing with the dense political and social atmosphere of a period that was deeply marked by patriarchal power (in the United States) and by the atrocities of the dictatorships of the time supported by the former (in Central America and in South America), which repressed these bodies, especially those of women, resulting in works that denounced the social, cultural and political violence of the time. ”The lives and the works of these artists are interwoven with the experiences of dictatorship, of imprisonment, of exile, torture, violence, censorship and repression, but also with the emergence of a new sensibility,” says Fajardo-Hill.
For Giunta, topics such as the poetic and the political are explored in the show “through self-portraits, through the relationship between body and landscape, through the mapping of the body and its social inscriptions, feminisms and social places.” As she goes on to say, “These themes crossed borders, arising in works by artists that had been working in radically different cultural conditions.” It is not by chance that the exhibition space is structured around themes instead of around geographic characteristics. The Pinacoteca’s curator Valéria Piccoli highlights the importance of the representativeness of the Brazilian artists in the show: “in addition to the names that participated in the exhibitions at the Hammer and Brooklyn Museums, we also included works by Wilma Martins, Yolanda Freyre, Maria do Carmo Secco and Nelly Gutmacher in the São Paulo exhibition”, she reveals.
Latin America preserves a strong history of feminist militancy that — with the exception of Mexico and in some isolated cases a few other countries in the 1970s e 1980s – was not widely reflected in the arts. Radical Women proposes to consolidate internationally this aesthetic heritage created by women who center on their own body to allude — in a veiled manner, indirectly or explicitly – to the distinct dimensions of the female existence. For such, the curators have carried out an extensive research since 2010, which includes trips, interviews, and analyses of publications found in the libraries of the Getty Foundation, Texas University, among several others.
The central argument of the exhibition shows that even though a large part of these artists were decisive figures in the expansion and diversification of the artistic expression in our continent, they nonetheless have not received due recognition. As the curators define, “The show stemmed from our common conviction that a vast group of works produced by Latin American and Latina artists has been marginalized and by a dominant, canonical and patriarchal art history. ”According to the Director of the Pinacoteca, Jochen Volz, “it was mainly women artists who pioneered experimentation with new forms of expression, like performance and video art, among others. Thus, the exhibition Radical Women’s itinerancy across Brazil is of great relevance for contemporary artistic and academic research and for the audience of the museum.
This outstanding ensemble of works, as well as the research archives brought together for the conception of the exhibition finally reach spectators in São Paulo, contributing to open new investigative paths and understandings about Latin American history. “The topic is now part of a wider and at the same time urgent agenda. Yet there is still a lot of work to be done and we are fully aware that this is just the beginning,” say the curators.

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OSWALDO MACIÁ – ‘The Opera of Cross-pollination’ olfactory-acoustic composition presented at the first Riga Biennale June 2018
31/07/2018
1st Riga Biennial EVERYTHING WAS 1st Riga Biennial

EVERYTHING WAS FOREVER UNTIL IT WAS NO MORE

Speed is the form of ecstasy the technical revolution has bestowed on man… He is caught in a fragment of time cut off from both the past and the future; he is wrenched from the continuity of time; he is outside time…                           

Milan Kundera, Slowness, 1996

Change is a constant and imperceptible process. Nothing remains the same and yet it often feels as if things are fixed, solid certainties. Change operates in strange ways. ‘Ta panta rhei’ (everything flows), the ancient Greek philosopher Heraclitus pointed out, meaning that: everything is constantly changing, from the smallest organic particle to the whole universe. According to him, every seemingly stable object is ultimately a figment of one’s imagination; only change itself is real, being constant and in eternal flux, like the continuous flow of the river, which always renews itself and only appearsto remain the same over time. Until recently – and excluding those rarer radical moments of personal, social or political transformation – change has appeared to creep up on us slowly. But then it sometimes happens that one day we ‘wake up’ and experience a sudden break in consciousness. It abruptly dawns on us that our world has changed beyond recognition. We feel as if we have been thrust into the future, unwittingly. In recent years, and particularly since the advent of the technological revolution, it seems that even the Heraclitan constant flow of things has turned into a torrent. Our world seems to be ever accelerating. As James Gleick argues in Faster: The Acceleration of Just About Everything: “We have reached the epoch of the nanosecond. This is the heyday of speed”. The 1st Riga Biennial will reflect on the phenomenon of change – how it is anticipated, experienced, grasped, assimilated and dealt with at this time of accelerated transitions and the increasing speeding up of our lives.

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