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espacio #1 - galería
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ANA AMORIM
31052019 - 5,160 - 215 - 62 / 13092019 - 2,640 - 110 - 63
31 / 05 / 2019 - 13 / 09 / 2019
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ANA AMORIM
31052019 - 5,160 - 215 - 62 / 13092019 - 2,640 - 110 - 63
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espacio #2 / #3 - escaparate
space #2 / #3 - showcase
Bérénice Lefebvre
Screen Savers
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Mesuras
26/07/2019
28/07/2019 - 128/07/2019 - 17/11/2019 Fundación Cerezañes Antonio y Cinia www.fundacioncerezalesantoninoycinia.org Mesurar:
  1. tr. Infundir mesura.
  2. tr. desus. Determinar la dimensión, medir. U. en Ec.
  3. tr. desus. considerar (‖ pensar sobre algo analizándolo).
  4. prnl. Contenerse, moderarse.
  Hay todo un territorio callado que pide y necesita su propia forma de ser medido por métodos poéticos (también políticos) y que las herramientas de medición comunes no alcanzan a detectar. De ahí que el arte entre en juego en la mesura de lo intocable, de lo que se sabe y conoce pero se escapa de las manos. Las obras y artefactos que se han elegido para esta muestra son mesuras, siempre cercanas al verbo mesurar y con las listas poéticas como referencia, pues ellas son las que miden lo que no se puede medir. Mesura, por su polisemia, es un término sugerente para comenzar cualquier iniciativa cultural ya que implica tanto medida como cuidado. Mesurar es también pensar sobre algo analizándolo. Este matiz de significado, prácticamente en desuso, se trae a este montaje con toda la intención como uno de los ejercicios básicos de la práctica artística y de las prácticas que se mueven en sus cercanías. En el libro El vértigo de las listas de Umberto Eco se habla de las listas poéticas y el porqué de su existencia: “porque no se puede enumerar algo que escapa a nuestro control y denominación”. Esta es la lista de este proyecto: Las cartas topográficas al óleo del Archivo de la Real Chancillería de Valladolid. El trabajo de Alberto Baraya con sus herbarios de plantas artificiales y sus expediciones. La obra desarrollada por Asunción Molinos Gordo que nos trae el trabajo de un zahorí sobre documentos y leyes. La acotación y medida del territorio aparecen en los catastros y el plano aéreo: formas de medir y acotar y por lo tanto de mesurar. Lara Almarcegui y un descampado en la ribera del Ebro donde se acota un espacio mediante contrato y burocracia. El trabajo de Jorge Ribalta propone otra forma de mesurar fotografía a fotografía y que, como el propio autor afirma: “se trata de mostrar el trabajo de producción y reproducción del monumento, de utilizar la fotografía como instrumento de análisis y observación que permite la inmovilización temporal de los acontecimientos…”. La Leyenda del Coll del Pall, de Enrique Carbó, nos lleva a los recorridos y andares soñados y reales. Nicu Ilfoveanu aporta una selección de su proyecto Series. Multiples. Realisms., en la que los protagonistas son monumentos de mediano tamaño y escala extraña en paisajes de Rumania. La película [Shelter] de Lúa Coderch: varios fragmentos en los que va construyendo refugios en la naturaleza, acotando un lugar, mientras una voz va leyendo diferentes cartas. La técnica fotográfica, el cianotipo, de Rosell Meseguer, tras la que se esconden narrativas no sospechadas. El proyecto de Pep Vidal alrededor de un árbol de diecinueve metros. La película L’Avenir de Claudio Zulian, donde practica una manera dinámica de hacer retrato. Las partituras de Llorenç Barber -seleccionadas por Juan Naranjo -hechas para ser interpretadas pero que aquí se encuentran expuestas a la mirada del público. La máquina de medir el tiempo que propone Clara Montoya y que da cuerpo al imaginario humano a este respecto en un espacio entre lo científico y lo narrativo. El paisaje fragmentado de una zona llamada a desaparecer que presenta Javier Ayarza. Los materiales diversos en torno a la mesura del sonido elegidos por Luis Martínez Campo. La mesuras de la montaña de Lluís Hortalà. Los mapas bordados de Ana Amorim. Los inventarios de pleitos de la Real Chancillería de Valladolid nos dan una pista de lo que era contar posesiones hacia el siglo XVIII. Todos son procesos que hablan del verbo mesurar y del sustantivo mesura de una manera u otra, alejados de las normalizaciones de nuestro tiempo, y más cercanos a lo peculiar ya sea en sí mismos o por el paso de los años. El extrañamiento es un lenguaje bien cercano a este trabajo que se basa en gran medida en materiales de las prácticas artísticas llevados a un lugar intermedio que no acaba de definirse como arte contemporáneo sino como la construcción de otro tipo de diálogo donde se cruzan muchos senderos. Los del arte, sí, pero también los de la cultura y los de una cierta idea de ecología que atiende a la complejidad del lugar y a la necesidad de acercarnos a nuevas maneras de percibir donde no siempre el ser humano haya de fijar el fiel de la balanza: un diálogo quizás aún por definir. Artistas y instituciones participantes: Rosell Meseguer, Ana Amorim, Lara Almarcegui, Alberto Baraya, Clara Montoya, Llorenç Barber, Lluís Hortalà, Enrique Carbó, Jorge Ribalta, Nicu Ilfoveanu, Javier Ayarza, Pep Vidal, Lúa Coderch, Asunción Molinos Gordo, Claudio Zulian, Documentación iconográfica del Archivo de la Real Chancillería de Valladolid, Inventarios de pleitos del Archivo de la Real Chancillería de Valladolid, Marqués de la Ensenada, Verificación de las especies, calidades y productos
de Vegas del Condado. Archivo Histórico Provincial de León, Selección de documentos catastrales. Archivo Histórico Provincial de León, Materiales diversos en torno a la mesura del sonido de Luis Martínez Campo Comisariado: Jorge Blasco Gallardo
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Fundación Cerezañes Antonio y Cinia Fundación Cerezañes Antonio y Cinia www.fundacioncerezalesantoninoycinia.org   To measure:
  1. Ascertain the size, amount, or degree of (something) by using an instrument or device marked in standard units.
  2. Assess the importance, effect, or value of (something)
  3. archaic Travel over (a certain distance or area)
There is a whole silent territory that asks for its own way of being measured by poetic (also political) methods, a way that the common measurement tools can not detect. Hence, art comes into play for the moderation of the untouchable, of what is known but escapes from the hands. In the book The vertigo of the lists* speaks of “the visual lists” referring to those images that show clusters or lists of things or people that in a virtual way continue out of the frame and continue to manifest beyond the frontier of itself. Leaving the painted picture to the exhibition space, where artifacts are displayed or close to them, we should say that the organization of these in a certain way could also be taken as one of those endless visual lists. They are narrative and essayistic lists that tend to infinity. There are many things that can not be measured positively and that need to be immersed in a special poetics or context of meaning that allows interpreting what they measure and how they are measured: not everything is measurable in the same way, even more when measuring is also thinking about something analyzing it. This nuance of meaning, practically in disuse, is brought to this montage with all the intention as one of the basic exercises of artistic practice and the practices that move in its vicinity. Going back, in The vertigo of the lists Umberto Eco explains the “poetic lists” and the reason for their existence: “because you can not list something that is beyond our control and denomination”. This is the list of this project. Real Chancillería de Valladolid Archive; herbaria of artificial plants by Alberto Baraya; the work of Asunción Molinos Gordo; cadastres and others; Lara Almarcegui and a wasteland on the banks of the Ebro; the work Scrambling by Jorge Ribalta; The Legend of Coll del Pall, by Enrique Carbó; a selection of the work of Nicu Ilfoveanu Series. Multiple. Realisms; The film Shelters by Lúa Coderch; the blueprints of Rosell Meseguer; Pep Vidal’s project around a nineteen-meter tree; the film L’Avenir by Claudio Zulian; the paths sewed by Ana Amorim; inventories of lawsuits from the Real Chancillería de Valladolid Archive; the scores of Llorenç Barbé; the machine to measure the time proposed by Clara Montoya; The fragmented landscape presented by Javier Ayarza; the mesures of the Lluís Hortalà mountain. All processes that speak -expressed or not- about the verb to measure and about the substantive measure, in one way or another, far from the normalizations of our time, and closer to the peculiar, whether in themselves or by the passing of the years. A certain form of estrangement is the language of this work that is based on materials from artistic and similar practices taken to an intermediate place that has not just been defined as contemporary art but as the construction of another type of dialogue where many paths cross. Those from art, yes, but also those from culture and those from a certain idea of ​​ecology that attends to the complexity of the place: a dialogue perhaps still to be defined. *Eco, Umberto. The infinity of lists, Random House Mondadori, Barcelona 2009
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¡FEMINISMOS!
FEMINISMS!
25/06/2019
19/07/2019 - 01/12/2019 CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona 19/07/2019 - 01/12/2019 CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona www.cccb.org ¡FEMINISMOS! reúne las exposiciones «La Vanguardia Feminista de los años 70. Obras de la VERBUND COLLECTION, Viena» y «Coreografías del género» y un extenso programa de actividades para poner de manifiesto el diálogo, las continuidades y las rupturas entre el feminismo radical de los años setenta y los feminismos actuales. Los años setenta marcaron un punto de inflexión en el movimiento feminista. Una nueva generación irrumpió en la vida pública para dar la vuelta al mundo y sacudir el orden simbólico establecido a través de múltiples prácticas y representaciones culturales. El arte que surgió entonces fue rompedor, tanto por el uso de los lenguajes y las formas como por su desafío de las construcciones de género, la reivindicación del derecho a decidir sobre el propio cuerpo y la denuncia de las violencias machistas, o el descubrimiento crucial de que lo personal también es político. La explosión de libertad y creatividad del feminismo de los setenta ha sido una fuente de inspiración constante para los feminismos actuales, que han estallado en una riqueza y pluralidad sin precedentes, pero también para muchos otros movimientos de emancipación colectiva. En el contexto actual de auge del conservadurismo y de regresión de los derechos, el proyecto ¡FEMINISMOS! quiere reivindicar la aportación capital de las luchas por la igualdad y la diversidad de los feminismos que han cambiado definitivamente nuestra manera de entender el mundo.

«La Vanguardia Feminista de los años 70. Obras de la VERBUND COLLECTION, Viena»

La exposición destaca los hitos de la Vanguardia Feminista que, en la década de los setenta, reescribió el canon de la historia del arte. Muestra más de doscientas obras de 73 artistas como Cindy Sherman, Helena Almeida, Ana Mendieta, Judy Chicago, VALIE EXPORT, Birgit Jürgenssen, Ketty La Rocca, ORLAN, Gina Pane, Martha Rosler Martha Wilson. El CCCB ha incorporado a la exposición siete artistas locales: Pilar Aymerich, Mari Chordà, Eulàlia Grau, Fina Miralles, Angels Ribé, Eugènia Balcells y Marisa González. También forma parte de este grupo Dorothée Selz, nacida en París pero que vivió y trabajó en Barcelona en los años 70. Mediante el uso de lenguajes y técnicas como la fotografía, el cine, el vídeo, la performance y los happenings, estas artistas deconstruyeron los condicionantes culturales y sociales represivos de la época, así como los mecanismos y automatismos de la opresión a las mujeres. Por primera vez en la historia del arte, las artistas empezaban, como colectivo, a tomar la iniciativa en la «representación de la mujer» mediante la creación de una pluralidad de identidades femeninas determinadas por sí mismas.

«Coreografías del género»

Los feminismos actuales son demasiado plurales para recogerlos en un solo relato. En los casi cincuenta años que han pasado desde 1970, se ha abierto el sujeto del feminismo y se ha impuesto el término «género» para indicar que la diferencia sexual (hombres/mujeres, masculino/femenino) no es «natural», sino que está condicionada por la cultura, y que las combinatorias pueden ir más allá de esos polos opuestos. Además, el movimiento feminista se ha combinado cada vez más con otras luchas contra las desigualdades: el sexismo no se puede desligar de otras formas de dominación como el racismo, la homofobia y la transfobia, el especismo, el desprecio hacia las personas pobres o las consideradas discapacitadas o extranjeras. «Coreografías del género» desea reflejar algunas figuras y movimientos de la danza de los géneros, de entre las muchas posibles. Los focos temáticos que la orientan complementan y enriquecen la visión de los años setenta, desde Cataluña y el Estado español, con voces de artistas que no estaban presentes todavía en la escena artística de aquella época. Presenta la obra de las artistas Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Lucía Egaña, Nuria Güell, ideadestroyingmuros, María Llopis, Jesús Martínez Oliva, Julia Montilla, O.R.G.I.A, Daniela Ortiz, Linda Porn, María Ruido, Anna Irina Russell i Txe Roimeser, Mireia Sallarès, Toxic Lesbian y Eulàlia Valldosera.

«Un espacio de documentación»

Completa el recorrido un espacio con documentación histórica y un apartado sobre cómic y feminismo, “El cuerpo como conflicto”, comisariado por Marika Vila. Con obras originales de Montse Clavé, Laura Pérez Vernetti, Núria Pompeia, Mariel Soria y Marika Vila.
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FEMINISMS! brings together the exhibition "The Feminist Avant-Garde of the 1970s. Works from thFEMINISMS! brings together the exhibition "The Feminist Avant-Garde of the 1970s. Works from the VERBUND COLLECTION, Vienna" and "Choreographies of Gender" with an extensive programme of activities to highlight the dialogue, continuities and divergences between the radical feminism of the seventies and today’s various forms of feminism. The seventies marked a turning point in the feminist movement. A new generation took to the public stage, turning the world around and shaking up the established symbolic order by means of multiple practices and cultural representations. The resulting art was ground-breaking, both for its use of languages and forms, and for its defiance of gender constructs, the exercise of women’s right to decide about their bodies and the condemnation of gender violence, and the crucial discovery that the personal is also political. The explosion of freedom and creativity of feminism in the seventies has been a constant source of inspiration for feminisms today that erupted in unprecedented richness and diversity that also affected many other collective emancipation movements. In the present-day context of the rise of conservatism and the cutting back of rights, the FEMINISMS! project sets out to highlight the crucial contributions of the fight for equality and diversity of feminisms that have definitively changed the way we see the world.  

"The Feminist Avant-Garde of the 1970s. Works from the VERBUND COLLECTION, Vienna"

The exhibition highlights the milestones of the Avant-Garde Feminism which, in the seventies, rewrote the canon of the history of art. It presents over 200 works by 73 women artists such as Cindy Sherman, Helena Almeida, Ana Mendieta, Judy Chicago, VALIE EXPORT, Birgit Jürgenssen, Ketty La Rocca, ORLAN, Gina Pane, Martha Rosler and Martha Wilson. By means of languages and techniques such as photography, cinema, video, performance and happenings, these artists deconstructed the repressive cultural and social constraints of the time, as well as the mechanisms and automatisms of oppression of women. For the first time in the history of art, women artists began, as a group, to take the initiative in the “representation of women” by creating a plurality of feminine identities that they determined. The CCCB has  incorporated seven local artists: Pilar Aymerich, Mari Chordà, Eulàlia Grau, Fina Miralles, Angels Ribé, Eugènia Balcells,  and Marisa González, as well as Dorothée Selz, who was born in Paris but who lived and worked in Barcelona in the seventies.  

"Choreographies of Gender"

Today’s feminisms are too plural to fit into a single narrative. In the almost fifty years that have gone by since the seventies, the subject of feminism has been opened up and the term “gender” introduced to indicate that sexual difference (men/women, masculine/feminine) is not natural but conditioned by culture, and that possible manifestations go beyond these opposing poles. The feminist movement has also increasingly joined forces with other fights against inequality: sexism cannot be taken apart from other forms of domination such as racism, homophobia and transphobia, speciesism, and disrespect for poor people or people who are considered disabled or foreign. “Choreographies of Gender” aims to reflect some of the many possible figures and movements in the dance of genders. It is based on thematic focuses that complement and enrich the view of the seventies, from a Catalan and Spanish viewpoint, with the voice of artists who were not yet present on the artistic scene at that time. The show presents the works of the artists Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Lucía Egaña, Nuria Güell, ideadestroyingmuros, María Llopis, Jesús Martínez Oliva, Julia Montilla, O.R.G.I.A, Daniela Ortiz, Linda Porn, María Ruido, Anna Irina Russell and Txe Roimeser, Mireia Sallarès, Toxic Lesbian and Eulàlia Valldosera.  

"A space of documentation"

The route ends with a space dedicated to historial documentation and a section on comics and feminism, "The body as a conflict", curated by Marika Vila. With orginal works by Montse Clavé, Laura Pérez Vernetti, Núria Pompeia, Mariel Soria and Marika Vila.  
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Nil Yalter: Exile Is a Hard Job
07/06/2019
22/06/2019 – 13/10/2019 Hessel Museum of Art 22/06/2019 – 13/10/2019 Hessel Museum of Art www.ccs.bard.edu Curadora/ Curator: Lauren Cornell  ...
  Exile Is a Hard Job will be the first solo U.S. museum exhibition of work b  Exile Is a Hard Job will be the first solo U.S. museum exhibition of work by Nil Yalter (b. 1938, Cairo), who has been a pioneer of socially engaged art since the 1970s. Born in Cairo, the artist grew up in Istanbul and has been living in Paris since 1965. Exile Is a Hard Job presents the diversity of her work, from previously little-known paintings to her groundbreaking early videos and multimedia installations in which she combines photography, video, drawings, and sculpture into collages. Exile Is a Hard Job originates at the Museum Ludwig in Cologne as Yalter’s first major retrospective, opening March 8, 2019. At the Hessel Museum of Art, the exhibition will focus on her prolific period from the late ’60s to the early ’80s, and will include over twenty of her most significant projects from this time. Nil Yalter’s work emerges from current political situations such as daily life in a women’s prison and the living conditions of immigrant workers. Using a quasi-anthropological methodology, she reflects the lives of these individuals and makes marginalized groups visible. Exile Is a Hard Job charts a path from her early abstract paintings through her pivotal socially engaged works and experiments with video and performance. The show will feature her first video piece, a performance for the camera titled Headless Woman or The Belly Dance (1974), as well as the video and photographic project Le Chevalier d’Eon (1978)—described in Artforum as the “first work on transgender identity from a Middle Eastern context”—and the eleven-channel video installation Pyramis ou le Voyage d’Eudore(1987), which represents her expanded media projects from the 1980s. The exhibition will also include multiple large-scale collages and installations, such as Temporary Dwellings (1974–77), a representation of immigrants living in Parisian suburbs that is told through assemblage and video testimony, and La Roquette, Prison for Women (1974), a video and photographic portrait of an inmate at a women’s prison in Paris that focuses on the physical and spiritual isolation of female prisoners. Many of the issues at the heart of Yalter’s projects—displacement, discrimination, exploitation—define our present. Her pioneering work began to focus on these topics at an earlier moment and stands today as an example of art that creates connection across experiential and subjective difference. The exhibition will be accompanied by a catalogue edited by Rita Kersting, with a preface by Yilmaz Dziewior and Tom Eccles, and including essays by Lauren Cornell, Fabienne Dumont, and Övül Durmusoglu, as well as an interview with Nil Yalter by Kersting. In German and English, Verlag der Buchhandlung Walther König, Cologne. The exhibition is organized by the Museum Ludwig in cooperation with the Center for Curatorial Studies, Hessel Museum, Bard College, Annandale-on-Hudson, New York. The exhibition is curated at the Museum Ludwig by Rita Kersting and at the Hessel Museum of Art by Lauren Cornell, Chief Curator and Director of the Graduate Program. Exhibitions at CCS Bard are made possible with support from the Marieluise Hessel Foundation, the Audrey and Sydney Irmas Foundation, the Robert Mapplethorpe Foundation, the Board of Governors of the Center for Curatorial Studies, the CCS Bard Arts Council, and the Center’s Patrons, Supporters, and Friends. Major support for Nil Yalter: Exile is a Hard Job provided by Lonti Ebers....
HUMBERTO RIVAS 1937-2009
14/05/2019
23/05/2019 - 15/09/2019 Centro Cultural La Nau Sala Academia y Sala Estudio General Orga23/05/2019 - 15/09/2019 Centro Cultural La Nau Sala Academia y Sala Estudio General Organiza: Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València Centre Cultural La Nau de la Universitat de València Fundación Mapfre Comisariado:Pep Benlloch La exposición de Humberto Rivas aborda el trabajo del artista a lo largo de toda su trayectoria, que comprende desde los años sesenta del siglo XX al año 2005. Rivas es un autor fundamental para el desarrollo de la fotografía en España a partir de la primera mitad de los años setenta, cuando llega a Barcelona procedente de Argentina, pues con él se produce una renovación de la fotografía, que entra en el campo de las prácticas artísticas. Se presenta cronológicamente una parte de su producción procedente del Archivo Humberto Rivas (Barcelona) así como de las principales colecciones y museos del Estado Español que albergan obras en sus fondos: MNAC (Museu Nacional d’Art de Catalunya), IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), Fundación Foto Colectania, etc. Rivas tuvo siempre tuvo una visión de futuro para su obra: cada vez que seleccionaba una de las fotografías hecha con su cámara tenía la costumbre de positivar inmediatamente varias imágenes. Esto nos permite contar para la exposición con copias originales de época hechas por el artista. La producción fotográfica de Humberto Rivas se enmarcaría en diferentes géneros fotográficos, según la historiografía de la época, aunque él nunca se sometió a esta clasificación, y es de esta concepción de donde arranca su aportación a la renovación de la fotografía española. Sus personajes que, de igual modo que los paisajes de la ciudad, según le gustaba decir, “me eligen para ser registrados por mi cámara”, atienden a una particular contradicción. Paisajes sin personas y personas sin paisaje; o lo uno o lo otro: nunca juntos en una misma imagen. Somos nosotros, al mostrar su obra, los que insertamos unos en los otros porque parece ineludible esta unidad que él trata siempre de separar. Por ello la exposición muestra un resumen de sus planteamientos conceptuales sobre el sujeto y sobre la ciudad en un continuo que se parece más a lo que captamos en nuestro deambular por la vida. Sus fotografías ofrecen un trabajo extremadamente descriptivo, pero a la vez extremadamente analítico y sin embargo, muy misterioso. En su trabajo no hay lugar para la anécdota o el incidente. Para Rivas la poesía era el arte más cercano a la fotografía; así, su obra se alía con el sentimiento de soledad produciendo un desconcierto que seduce al espectador. En sus imágenes sobre la ciudad nos muestra ésta más como estructura que como teatro de la escena humana. Se detiene en los espacios habitados por las sombras: son sus preferidos, porque constituyen ausencias muy presentes en su particular disección de la ciudad. A su vez, lleva hasta el límite el arte del retrato. La obsesión por determinados personajes, algunos totalmente desconocidos, que se le aparecían como modelos de su obra, le llevaba a acercarse a ellos de manera casi compulsiva hasta conseguir su retrato, su fotografía, de la forma en que él ya la había imaginado interiormente. Como consecuencia, en sus retratos encontramos también un tiempo acumulado: no hay instante decisivo. La exposición incluye en torno a doscientas fotografías. Los formatos van desde el que era su formato más tradicional, 26 cm x 26 cm, hasta los polípticos compuestos de 9 fotografías de 38,3 cm x 38,3 cm cada una....
The Humberto Rivas exhibition tackles the work of the artist along his trajectory, from the 196The Humberto Rivas exhibition tackles the work of the artist along his trajectory, from the 1960s until 2005. Rivas was a fundamental author in the growth of photography in Spain from the first half of the 1970s, when he arrived to Barcelona from Argentina. It is due to him that there is a renovation of photography and it enters the field of art. The exhibition chronologically shows part of his production from the Archivo Humberto Rivas (Barcelona), as well as from the main collections and museums of the country which contain his artwork MNAC, Museu Nacional d’Art de Catañunya; IVAM, Institut Valencià d’Art Modern; MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Fundación Foto Colectania…). Rivas was a visionary in relation to his artwork: each time he selected one of the photographies taken with his camera he would immediately develop several images. This allows us to have original copies made by the artist in the exhibition. The photographic production of Humberto Rivas would fall into different photographic genres according to the historiography of the time. However, Rivas never accepted this classification and it is precisely from this point of view that his contribution to the renovation of Spanish photographic begins. His characters, as well as the city scenery, which, as he liked to say, “are chosen to be registered by the camera”, present a particular contradiction. Landscapes without people and people without landscapes – one or the other, never together in the same photography. It is us who, by showing his artwork, are inserting one inside the other as it is inescapable. Therefore, our exhibition shows the highlights of his conceptual approaches about the subject and the city in a continuous which resembles to what we capture wandering around life. His photographies offer an extremely descriptive work, but also awfully analytical and yet mysterious. There is no place in his work for anecdotes or incidents. In the eyes of Rivas, poetry was the closest art to photography, and as such his artwork is sided with the feeling of loneliness which causes a seductive uncertainty in the spectator. In his photographies of the cities Rivas shows it to us rather as a structure than a theatre of humanity. He halts in the spaces inhabited by the shadows, his favourite, as they comprise ever present absences in his particular dissection of the city. He also pushes the limits of portrait to the limit. His obsession for certain characters, some completely unknown, which appeared as models in his artwork, brought him to approaching them in an almost compulsive manner until he got their portrait, one which he had already imagined. As a consequence of his portraits, we find a conglomerate of time – there is no decisive moment. The exhibition includes around 200 photographies. The formats go from his most traditional format, 26 X 26 cm, until the polyptych collages of 9 photographies of 38,3 X 38,3 cm each. ...