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POÉTICA Y POLÍTICA II
POETICS AND POLITICS II
Estrategias artísticas en la neovanguardia húngara
Artistic Strategies in the Hungarian Neo-Avantgarde
24 / 06 / 2016 - 16 / 09 / 2016
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POÉTICA Y POLÍTICA II
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“LOST IN TRANSLATION” CABELLO / CARCELLER EN EL IVAM.
21/09/2016
LOST IN TRANSITION _un poema performativo Cabello/Carcel

LOST IN TRANSITION _un poema performativo Cabello/Carceller

29 de septiembre, 2016– 15 de enero, 2017

Galería 6. IVAM, Centre Julio González

Comisariado: Cabello/ Carceller

Inauguración : 29 de septiembre a las 20 horas.

A las 19 horas: Charla con Helena Cabello , Ana Carceller y Alba Braza

 

Lost in Transition _un poema performativo es un proyecto site-specific de Cabello/Carceller, ideado específicamente para un espacio concreto, la Galería 6 del IVAM, acerca de la construcción de las identidades y los géneros, un tema muy presente en los trabajos de las artistas.

Apela al espacio expositivo como lugar abierto a narrativas transicionales. Para ello fija su mirada en la escalera que comunica las dos plantas de dicha galería del museo, a priori un elemento arquitectónico ajeno a la función expositiva misma.

Como vínculo entre dos espacios, la escalera prevé un uso secundario. Sin embargo, en este proyecto ha sido elegida como eje conceptual. Perpetuo lugar de transición, pasa a ser el escenario central ideal, metáfora de las zonas intermedias, del continuo movimiento y el cambio.

 La tradición teatral y cinematográfica o el espectáculo han otorgado a la escalera un papel esencial para la presentación/introducción de sus protagonistas. El espacio entre un lugar y otro activa en el contexto de Lost in Transition la percepción de la ambigüedad, transitoriedad y variabilidad de los géneros.

Será la cuarta muestra, dentro de la línea de exposiciones iniciada en el 2015, en la que las artistas elaboran un proyecto específico para el museo, son sus propias comisarias, y son asimismo autoras de una publicación, que estará más cerca de un libro de artista que de un catálogo al uso.

CABELLO/CARCELLER

Equipo formado en 1992 por Helena Cabello y Ana Carceller (París, 1963 / Madrid, 1964). Viven y trabajan en Madrid. Actualmente son profesoras en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, UCLM, España.

Cabello/Carceller inician su colaboración a principios de los noventa y desde entonces desarrollan un trabajo interdisciplinar que utiliza diferentes medios de expresión –instalación, performance, vídeo, escritura, dibujo...– con la intención de interrogar los modos de representación hegemónicos en las prácticas visuales y proponer alternativas críticas. Partiendo de un enfoque conceptual, políticamente comprometido, usan estrategias como la apropiación, la performance o el relato de ficción para cuestionar las narrativas modernistas que ignoran a las minorías políticas mientras fingen recurrentemente acudir a ellas.

En un intento por desvelar estas contradicciones, buscan colaboradores externos, normalmente amateurs, aunque ocasionalmente también profesionales, para confrontarlos con situaciones o textos extraños o dislocados –que podrían calificarse como queer–. Aislados y fuera de contexto, estos protagonistas experimentan un desajuste creado alrededor suyo, un dislocamiento que es potenciado por la narración y las estructuras narrativas en las que esta se apoya, y que contribuye frecuentemente a activar o expandir los significados establecidos. Estos proyectos colaborativos subrayan la importancia de construir o reescribir las poéticas colectivas desde posiciones divergentes, recordando la necesidad de estudiar las experiencias intersticiales y alternativas, revisando las políticas sexuales y de género, aplicadas incluso al espacio y el diseño arquitectónico, y de cuestionar las narrativas propagandísticas de las ficciones cinematográficas más convencionales a través de las que se promocionan las políticas neoliberales y sus modos de relación social.

Su trabajo ha sido incluido en “Art and Queer Culture”, una revisión histórica publicada por Phaidon Press y escrita por Catherine Lord y Richard Meyer. También ha sido analizado por Judith/Jack Halberstam en “The Queer Art of Failure”, publicado en Duke University Press, así como en el prólogo de la versión española de “Female Masculinity” (“Masculinidad femenina”) de la misma autora.

Algunas exposiciones colectivas: “Los sujetos”, Pabellón español 56 Bienal de Venecia; “Global Feminisms”, en Brooklyn Museum, New York y Davis Museum, Wellesley College, Massachusetts, EEUU – “Fiction and Reality”, MMOMA, Moscu Museum of Modern Art, Moscú - BB4 Bucharest Biennale: On Producing Possibilities, Bucarest, Rumanía – Bienal Latinoamericana de Artes Visuales, Curitiba, Brasil – “re.act feminism. A Performing Archive”, Akademie der Künste, Berlín, e “itinerancias - Nuevas Historias. A New View of Spanish Photography and Video”, Stenersen Museum, Oslo, Noruega / Kuntsi Museum of Modern Art, Vaasa, Finlandia / Kulturhuset, Stockholm, Suecia / Royal Library, Dinamarca – “Genealogías Feministas”, MUSAC, León (España) – “The Screen Eye or The New Image”, Casino Luxembourg, Luxemburgo – “Cooling Out”, Lewis Glucksman Gallery, Cork, Irlanda, “En todas partes”, CGAC, Santiago de Compostela (España).

Exposiciones individuales: “Borrador para una exposición sin título”, en MARCO de Vigo; “ Rapear Filosofía: Foucault, Sontag, Butler, Mbembe" en Galeria Elba Benitez; MicroPolíticas, MicroPoéticas”, en Sala La Patriótica/CCEBA Buenos Aires, Argentina - Off Escena; “Si yo fuera...”, Abierto X Obras, en Matadero Madrid, España - Archivo: Drag Modelos, Galería Joan Prats, en Barcelona y CAAM, Las Palmas de Gran Canaria, España - Suite Rivolta, Galería Elba Benítez, Madrid, España o A/O (Caso Céspedes), CAAC Sevilla, España.

Más información: Instituto Valencia de Arte Moderno.

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JOAN FONTCUBERTA EN LA EXPOSICIÓN COLECTIVA
19/09/2016
10 Septiembre - 12 Novembre 2016

10 Septiembre - 12 Novembre 2016

Pol Bury, Christiane Feser ,Joan Fontcuberta, Alain Fleischer, Julien Lombardi, Vera Lutter, Laurent Millet, Isabelle Le Minh, Abelardo Morell, Catherine Rebois, Eric Rondepierre et les Robots de la NASA.

Commissaire : Catherine Rebois

L’image fixe, l’image unique en d’autres termes, l’Image photographique, se suffit elle encore à elle même aujourd’hui ?

Toutes les théories ont été soulevées, étudiées, l’assujettissement de l’image photographique au réel n’est plus … si on peut le résumer aussi vite et si c’est vrai. Le réel est quoi qu’il en soit une donnée composite de la dimension photographique. La photographie ne reproduit pas, mais travaille avec, avec le réel, quel que soit son genre, généré par des sels d’argent ou par pixélisation. L’image photographique se sert d’un mécanisme, d’une boite, d’un peu de chimie ou d’informatique, elle est déjà dans sa propre réalité, celle de sa génération. Mais l’image de l’image, ce qu’elle donne à voir au-delà de sa matérialité n’a rien de réel.

C’est une reconstitution, une représentation une mise en scène du réel. Déconstruire permet de faire émerger de nouveaux enjeux. Déconstruire, c’est isoler les problèmes afin de pouvoir les traiter et revenir aux origines. Dans le cas d’une perception fragmentée, le sujet, alors, n’est plus unifié.

La fragmentation c’est des petits bouts mis bout à bout qui forment un nouveau tout. La perception de la vie n’est-elle pas une succession de fragmentation ? La question qui se pose alors, pourrait être, comment les rassembler ? Quoi faire de ces informations qui semblent disséminées.

Le fragment n’a pas seulement un rapport à sa forme, mais pose un certain nombre de questions dans son rapport perceptif au monde qu’il entretient.

Combiner plusieurs images entre elles, oblige notre regard à passer de l’une à l’autre et de l’une sans l’autre, créant un dialogue. Ce dialogue est fait de mouvements et de manques. L’image devient séquence et la séquence devient narrative. La notion de continuité ne se trouve plus dans l’image elle-même, mais dans ce vide que représente l’intervalle entre les images, dans les faux raccords, comme l’exprime Gilles Deleuze, faux raccords qui sont la condition de l’Ouvert.

Les artistes Joan Fontcuberta, Vera Lutter, Eric Rondepierre, Isabelle Le Minh, Laurent Millet, Alain Fleischer, Christiane Feser, Pol Bury, Catherine Rebois, Julien Lombardi et les robots de la Nasa, chacun à sa manière, et c’est bien là tout le sens de cette exposition, envisage cette déconstruction et ces retournements de façon singulière qui soulèvent bien des interrogations.

C’est à l’américain Eadweard Muybridge et au français Étienne Jules Marey que revient l’invention de la séquence photographique. C’est donc à la science et a la recherche sur la représentation de la durée et du temps que l’on doit les premières publications connues sous le titre “La Machine animale” en 1873 d’Étienne Jules Marey. C’est en 1881, Eadweard Muybridge publie un album de reproduction photographique intitulé “The Attitudes of animals in motion”, qui fait la somme de ces recherches sur la décomposition.

Une chronologie qui n’est pas sans évoquer celle du défilement cinématographique et qui sera nommée chronophotographie.

Les artistes, qui présentent ici leur travail, portent un écho contemporain sur cette question qu’est la déconstruction et la fragmentation. Elle est en lien avec leurs sujets, bien sur, et la forme accompagne ce souci réflexif propre à la photographie et sur la photographie elle même.

Leurs œuvres nous interpellent car elles re-jouent l’histoire.

Catherine Rebois

Extrait du catalogue de l’exposition « Déconstruction photographique » 1- Gilles Deleuze, L’image-mouvement, Paris, Minuit, 1983, p.45.

Topographie de l’art 15 rue de Thorigny 75003 Paris

Joan Fontcuberta, “Googlegramme: Homeless”, 2005, 10000 images d’internet,120 x 160 cm. Courtesy de l’artiste.

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ELENA DEL RIVERO. MY FRIENDS AND OTHER ANIMALS. ESTHER FERRER Y ÁNGELES MARCO EN TRAVESIA CUATRO.
14/09/2016
Elena del Rivero My friends and other

Elena del Rivero My friends and other animals en colaboración con Travesía Cuatro

 Del 15 de septiembre al 5 de noviembre de 2016

Kiki Bauer, John Coplans, Esther Ferrer, Janice Guy, María Lozano, Angeles Marco, Freya Powell, Tere Recarens, Kiki Smith y Lily van der Stokker.

Cuando hace unos meses comencé mi relación con Travesía Cuatro, volví a considerar la idea de una exposición en la que llevaba tiempo meditando. Y es así como propuse que mi presentación como artista de la galería no fuera con una muestra individual, sino reuniendo a algunas de las amistades y relaciones que han conformado tanto mi vida personal como mi trabajo. Silvia e Inés inmediatamente aceptaron el reto.

El origen de este proyecto se encuentra en mi amistad con Assumpta Bassas, y en las numerosas conversaciones que tuvimos, en ocasiones concluyendo en desacuerdo, sobre el lenguaje simbólico de la relación, las prácticas del feminismo y de la diferencia sexual.

Como artistas, nuestro reto constante radica en cómo utilizar, transformar y alterar los símbolos que existen a nuestro alrededor; la creación de metáforas. El paso del tiempo, la condición ineludible de cómo he sido engendrada, y una economía de medios, han sido algunos de las herramientas que he utilizado para hilvanar mi trabajo. Todas las artistas en la muestra, Coplans incluido, compartimos preocupaciones similares, partiendo de la crítica inherente que conlleva la práctica artística.

La selección de las artistas, Coplans incluido, y la colaboración con Travesía Cuatro funcionan como los catalizadores que me han permitido investigar la dimensión semántica del lenguaje simbólico de la relación. He seleccionado obras que al ser mostradas en conjunto y considerando su potencia metafórica, operasen como la sintaxis de un diálogo abierto. Mi propósito ha sido revelar el espacio poético que genera cada obra individual y desvelar las consecuentes interconexiones con las demás piezas. Finalmente, he incluido mi propio trabajo en esta mise-en-scène como el agente común de estas relaciones sociales.

La motivación detrás de este trabajo es lúdica, y no existe ninguna pretensión utópica de confrontar el paradigma moderno, ni de problematizar los nuevos lenguajes y formas de intercambio que han surgido a partir de las redes sociales. Además del carácter de urgencia presente en las obras seleccionadas, me vi atraída por su impacto visual, las alegorías que desencadenan; y por su clasicismo.

Mi relación con las artistas ha variado desde ser vecinas hasta grandes amistades; algunas han sido mentoras, otras colaboradoras; incluso una de ellas fue objeto de mi admiración durante mucho tiempo hasta que recientemente la conocí en persona. Y las relaciones continúan, como una ventana abierta que favorece el diálogo.

El título de la muestra adapta el de Gerald Durrell My Family and Other Animals, un libro que disfruté leyendo en mi juventud. Elena del Rivero, Nueva York, Mayo, 2016 Travesía Cuatro y Elena del Rivero agradecen a las artistas su participación en esta muestra y la colaboración de Maria Silvestre Marco, espaivisor de Valencia, Nordenhake de Berlin, Kauffman Repetto de Milán y Universal Limited Art Editions, de Nueva York.

Ángeles Marco (Valencia, España, 1947 – 2008) fue catedrática del Departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia. Enfocó su obra escultórica a entender profundamente la materialidad del hierro, pero también trabajó con caucho, cristal, cera y diversos textiles, siendo precursora en el uso de estos materiales en la escultura española contemporánea. Su forma de argumentar, su filosofía detrás del uso de los materiales y la profundidad conceptual que logró hilar con la formalidad de la escultura, influyeron fuertemente en sus alumnos. Obtuvo gran reconocimiento en la España de la Transición gracias al apoyo incondicional del gran galerista Manolo Montenegro. Su interés en la dimensión espiritual la llevó, al final de su vida, a investigar sobre el uso del péndulo, aplicando sus resultados a su práctica artística tardía.

Esther Ferrer (San Sebastian, España, 1937) es una artista multicisciplinar y está considerada como una de las artistas claves de su generación en España. Ferrer recibió el Premio Velázquez en 2014, además de otros reconocimientos. Esther representó a España en la Bienal de Venecia de 1999. Su producción incluye también objetos, fotografías y sistemas a partir del estudio de los números primos. Como describió su obra en una entrevista con Sylvie Ferré, “es un minimalismo muy particular basado en el rigor del absurdo". Sus performances se han visto en espacios como: The Kitchen en Nueva York; el Walker Art Center en Minneapolis, Minneapolis, EE.UU., y en instituciones ubicadas en países como Japón, Polonia y Alemanía, en ocasiones colaborando con el grupo ZAJ, integrado por Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. La artista vive y trabaja en París.

Más información: Travesía Cuatro. Madrid.

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PATRICIA GÓMEZ Y MA. JESÚS GONZÁLEZ – LA CASA ENA
13/09/2016
Sara Álvarez Sarrat. La casa Ena Beca Ramón Acín, 2016 Del

Sara Álvarez Sarrat. La casa Ena Beca Ramón Acín, 2016 Del 17 de septiembre al 23 de octubre de 2016

Sara Álvarez obtuvo la Beca Ramón Acín con la propuesta La casa Ena, un proyecto colectivo y multidisciplinar de carácter autobiográfico que trata de investigar las huellas de la memoria en torno a la historia de la casa donde el abuelo de Sara Álvarez, José Sarrat, tuvo durante años el almacén de juguetes. La casa tenía que ser reparada y era necesario vaciarla de objetos acumulados a lo largo de los años. La casa ha sido edificio señorial, domicilio familiar, almacén de juguetes y fue también residencia del artista anarcosindicalista y pedagogo Ramón Acín Aquilué, hasta que fue sacado de su hogar para ser fusilado.

Sara Álvarez reconstruye la memoria de la casa mediante el análisis y la reinterpretación de los restos y huellas congelados en el espacio y el tiempo. Tanto la exposición como la publicación recoge parte de la extensa investigación y de la documentación compilada a lo largo del proyecto: lecturas, películas, imágenes, fotografías, planos y documentos. Durante el proceso, todos estos materiales se han reunido en un tablero de Pinterest en el que surgen nuevas asociaciones, más allá de las detectadas a priori. El recorrido narrativo nos traslada a tres momentos vitales de su historia: el almacén, cuando fue custodio de juguetes (1973), la piel, la casa vacía(2016), y la herida, el lugar en el que Ramón Acín permaneció escondido hasta ser arrancado por la fuerza (1936).

La casa Ena ahonda en el concepto de archivo y registro, para rescatar a través de los vestigios de la casa las memorias familiares, conectando lo público y lo privado. Del mismo modo, las técnicas utilizadas en el proyecto –vídeo, fotografía, décollage, animación, frottage, arranque mural– nos remiten al significado profundo del lugar: arrancar, grabar, frotar, registrar, archivar, conservar. Estas tareas, bajo la dirección de Sara Álvarez, han implicado a un equipo conformado por artistas con experiencia en diferentes ámbitos relacionados con las líneas de investigación, trabajando de manera coral sobre la memoria, el registro, el archivo y la autobiografía. El equipo ha estado formado por Orencio Boix, Mª Jesús González, Patricia Gómez y Martí Guillem, junto con otros colaboradores.

La exposición se acompaña de una publicación que recoge parte de la extensa investigación llevada a cabo para el desarrollo del proyecto, con textos de Miguel Corella, Ricardo Forriols, Carlos Mas y de la propia artista.

Sara Álvarez Sarrat es profesora Titular de Universidad en la Facultad Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València. Obtuvo el título de Doctora en 2002, desarrollando parte de su investigación en el Magazine online Animation World Network, Los Angeles (California, EEUU). La investigación teórica realizada a lo largo de su trayectoria le ha llevado a presentar ponencias en congresos internacionales (Nueva York, Atenas o Córdoba, Argentina), a publicar artículos en libros y revistas especializadas (Animation Studies Journal, Hispanic Research Journal, Con A de animación) o a colaborar en la 39ª edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, en la publicación Raoul Servais. Integral de cortometrajes. Un año después, comisarió la exposición Surviving Life: Collages de la película de Jan Svankmajer, en la sala Josep Renau de la UPV, en colaboración con la Filmoteca de Valencia y el centro Checo de Madrid.

Su trabajo transita entre la animación, la pintura y el dibujo, y ha participado en exposiciones colectivas e individuales, como Mujeres: arte y universidad, en Las Atarazanas (Valencia, 2013), Impresiones Urbanas(Valencia - Buenos Aires, 2007), Ciudad Invadida / Cidade Invadida (España – Brasil, 2006) o Amuebladas, en el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí (Valencia, 2007).

+ info: http://www.dphuesca.es/oferta-cultural/exposicion-sala-dph/-/publicador/exposicion-sara-alvarez-beca-ramon-acin-2016/Wl2Bry594pBV?p_p_auth=pS0Qv7oe&p_p_state=maximized

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