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El ruido de las cosas al caer
The sound of things falling
28/11/2017
Le bruit des choses qui tombent (El ruido de las cosas al caer)* Curaduría : Albertine de G...Le bruit des choses qui tombent (El ruido de las cosas al caer)* Curaduría : Albertine de Galbert FRAC PACA (Marsella, Francia) //Del 2 de diciembre de 2017 al 18 de febrero de 2018//

Realizada en el marco del año Francia-Colombia esta exposición presenta obras de artistas colombianos en diálogo con obras de la colección del FRAC PACA.

¿Qué tememos? ¿Cuáles son los objetos y los efectos del miedo? ¿Cómo representarlo? ¿Cómo usarlo? ¿Qué dice el miedo de nosotros? De nuestra relación con el mundo y nuestra relación con el otro? ¿Debemos dejar de tener miedo? ¿Cómo podríamos conjurarlo? ¿Cómo domesticarlo, entenderlo? ¿Cómo “sorprender la catástrofe”? El psiquiatra Boris Cyrulnik afirmaba recientemente en una conferencia que la función del arte es probablemente “remodelar el sufrimiento inevitable de la condición humana”. No se trata entonces de anihilar el miedo sino de confrontarlo, de asimilarlo para poder desactivarlo. A las imágenes manipuladoras y a veces paralizantes de los medios se oponen las obras presentadas en la exposición con un tiempo narrativo diferente. Experiencias visuales e sensoriales, inmersivas o fugaces diversas, responden cada una a contextos espacio-temporales distintos, y nos ofrecen algunas pistas para desarmar el miedo a través del entendimiento, del humor o de la atención.

Artistas: Jürgen Albrecht, Ever Asturillo, Alberto Baraya, Berdaguer&Péjus, Johanna Calle, Santiago Cárdenas, Arnaud Claass, Tony Cragg, Francis Gomila, Beatriz González, Rodney Graham, Laurent Grasso, Leonardo David Herrera, Fabrice Hyber, Paulo Licona, Norman Mejía, Ana María Millán, Oscar Muñoz, Alex Rodriguez, Miguel Ángel Rojas, Maria Isabel Rueda, Doris Salcedo, Edwin Sánchez, Jean Luc Verna, Martin Walde

*Esta exposición toma su título de la novela del escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez publicada en 2011.
Curator: Albertine de Galbert, with Elena Lespes Muñoz FRAC PACA (Marseille, France) //from ...Curator: Albertine de Galbert, with Elena Lespes Muñoz FRAC PACA (Marseille, France) //from December 2, 2017 to February 18, 2018//

« There is a faltering scream, or something that sounds like a scream. There is a sound that I cannot and never have been able to identify: a sound that is not human, or is more than human, the sound of lives being extinguished but also the sound of mate-rial things breaking. It’s the sound of things falling from on high, an interrupted and somehow also eternal sound, a sound that didn’t ever end, that kept ringing in my head from that very afternoon and still shows no sign of wanting to leave it. » Juan Gabriel Vásquez

« Better to have your nightmares on your walls than in your head. » Daddy

As part of the France-Colombia year celebrated in France in 2017, the Frac presents an exhibition which brings together works of fifteen Colombian artists and pieces selected from the Frac’s permanent collection. The subject is fear. This fundamental and timeless affect that no human being can escape has a blinding power. As Stephen King wrote, it can plunge us into “complete darkness” and leave us “as helpless as children unable to find the light switch.” As a primary manifestation of our relation to the world, fear is an active element in its construction, as well as in shaping our inner selves. Its ritual and initiatory role in children’s development makes it a driving force in our experience and acquisition of knowledge of the world. It also represents a threshold that must be crossed so that it is finally resolved and dissipated. Fear is at the root of our survival instinct and ability to act. What are we afraid of? What are the objects and effects of fear? How can it be represented? Further, how can it be used? What does fear say about us, about our relationship to the other and the real? Darkness, shapelessness, void, collapse, fragmentation, separation, suffocation, intrusion… primal fears violently reactivated in a world suffering from its inability to take a definite shape, a liquid world, to borrow sociologist Zygmunt Bauman’s metaphor, where human ties are weakened. Some people take advantage of this fragility and transform fear into a powerful manipulative tool, a technique, using its mechanisms to impose their authority in the public and private spheres. As fear becomes a public issue and the source of a social order based on the affective modulation of our daily lives – a phenomenon discussed by Patrick Boucheron and Corey Robin in a recent dialogue – it seems necessary to also point out the importance and foundatio-nal part this emotion plays in the process of our emancipation as individuals. How to take catastrophe by surprise? How not to repress fear, but instead turn a sterile, paralyzing state of mind into a reflexive element unleashing action, reaching out and knowledge? This exhibition at the Frac revolves around these notions: the objects of fear, the mechanisms of its intrumentalization, and the means to conquer it. Paintings, sculptures, installations (some site-specific for this show), photos and videos will dialogue with one another over the museum’s two floors and in its auditorium. Like a provocation in the face of the unrepresentability of anxiety and the shapelessness always associated with fear, art opens up a space for representation, interpretation and speaking out.

Artists:  Absalon | Ever Astudillo | Alberto Baraya | Jean Bellissen | Christophe Berdaguer et Marie Péjus | Bruno Botella | Pedro Cabrita Reis | Santiago Cárdenas | Arnaud Claass | Tony Cragg | Francis Gomila | Beatriz González | Rodney Graham | Laurent Grasso | Leonardo David Herrera | Fabrice Hyber | Paulo Licona | Norman Mejía | Ana María Millán | Oscar Muñoz | Alex Rodríguez | Miguel Ángel Rojas | María Isabel Rueda | Doris Salcedo | Edwin Sánchez | Jean-Luc Verna | Martin Walde *This exhibition takes it’s title from a novel by the Colombian writer Juan Gabriel Vásquez published in 2011.  
Le bruit des choses qui tombent (El ruido de las cosas al caer)* Curaduría : Albertine de Galbert FRAC PACA (Marsella, Francia) //Del 2 de diciembre de 2017 al 18 de febrero de 2018//

Realizada en el marco del año Francia-Colombia esta exposición presenta obras de artistas colombianos en diálogo con obras de la colección del FRAC PACA.

¿Qué tememos? ¿Cuáles son los objetos y los efectos del miedo? ¿Cómo representarlo? ¿Cómo usarlo? ¿Qué dice el miedo de nosotros? De nuestra relación con el mundo y nuestra relación con el otro? ¿Debemos dejar de tener miedo? ¿Cómo podríamos conjurarlo? ¿Cómo domesticarlo, entenderlo? ¿Cómo “sorprender la catástrofe”? El psiquiatra Boris Cyrulnik afirmaba recientemente en una conferencia que la función del arte es probablemente “remodelar el sufrimiento inevitable de la condición humana”. No se trata entonces de anihilar el miedo sino de confrontarlo, de asimilarlo para poder desactivarlo. A las imágenes manipuladoras y a veces paralizantes de los medios se oponen las obras presentadas en la exposición con un tiempo narrativo diferente. Experiencias visuales e sensoriales, inmersivas o fugaces diversas, responden cada una a contextos espacio-temporales distintos, y nos ofrecen algunas pistas para desarmar el miedo a través del entendimiento, del humor o de la atención.

Artistas: Jürgen Albrecht, Ever Asturillo, Alberto Baraya, Berdaguer&Péjus, Johanna Calle, Santiago Cárdenas, Arnaud Claass, Tony Cragg, Francis Gomila, Beatriz González, Rodney Graham, Laurent Grasso, Leonardo David Herrera, Fabrice Hyber, Paulo Licona, Norman Mejía, Ana María Millán, Oscar Muñoz, Alex Rodriguez, Miguel Ángel Rojas, Maria Isabel Rueda, Doris Salcedo, Edwin Sánchez, Jean Luc Verna, Martin Walde

*Esta exposición toma su título de la novela del escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez publicada en 2011.
Curator: Albertine de Galbert, with Elena Lespes Muñoz FRAC PACA (Marseille, France) //from December 2, 2017 to February 18, 2018//

« There is a faltering scream, or something that sounds like a scream. There is a sound that I cannot and never have been able to identify: a sound that is not human, or is more than human, the sound of lives being extinguished but also the sound of mate-rial things breaking. It’s the sound of things falling from on high, an interrupted and somehow also eternal sound, a sound that didn’t ever end, that kept ringing in my head from that very afternoon and still shows no sign of wanting to leave it. » Juan Gabriel Vásquez

« Better to have your nightmares on your walls than in your head. » Daddy

As part of the France-Colombia year celebrated in France in 2017, the Frac presents an exhibition which brings together works of fifteen Colombian artists and pieces selected from the Frac’s permanent collection. The subject is fear. This fundamental and timeless affect that no human being can escape has a blinding power. As Stephen King wrote, it can plunge us into “complete darkness” and leave us “as helpless as children unable to find the light switch.” As a primary manifestation of our relation to the world, fear is an active element in its construction, as well as in shaping our inner selves. Its ritual and initiatory role in children’s development makes it a driving force in our experience and acquisition of knowledge of the world. It also represents a threshold that must be crossed so that it is finally resolved and dissipated. Fear is at the root of our survival instinct and ability to act. What are we afraid of? What are the objects and effects of fear? How can it be represented? Further, how can it be used? What does fear say about us, about our relationship to the other and the real? Darkness, shapelessness, void, collapse, fragmentation, separation, suffocation, intrusion… primal fears violently reactivated in a world suffering from its inability to take a definite shape, a liquid world, to borrow sociologist Zygmunt Bauman’s metaphor, where human ties are weakened. Some people take advantage of this fragility and transform fear into a powerful manipulative tool, a technique, using its mechanisms to impose their authority in the public and private spheres. As fear becomes a public issue and the source of a social order based on the affective modulation of our daily lives – a phenomenon discussed by Patrick Boucheron and Corey Robin in a recent dialogue – it seems necessary to also point out the importance and foundatio-nal part this emotion plays in the process of our emancipation as individuals. How to take catastrophe by surprise? How not to repress fear, but instead turn a sterile, paralyzing state of mind into a reflexive element unleashing action, reaching out and knowledge? This exhibition at the Frac revolves around these notions: the objects of fear, the mechanisms of its intrumentalization, and the means to conquer it. Paintings, sculptures, installations (some site-specific for this show), photos and videos will dialogue with one another over the museum’s two floors and in its auditorium. Like a provocation in the face of the unrepresentability of anxiety and the shapelessness always associated with fear, art opens up a space for representation, interpretation and speaking out.

Artists:  Absalon | Ever Astudillo | Alberto Baraya | Jean Bellissen | Christophe Berdaguer et Marie Péjus | Bruno Botella | Pedro Cabrita Reis | Santiago Cárdenas | Arnaud Claass | Tony Cragg | Francis Gomila | Beatriz González | Rodney Graham | Laurent Grasso | Leonardo David Herrera | Fabrice Hyber | Paulo Licona | Norman Mejía | Ana María Millán | Oscar Muñoz | Alex Rodríguez | Miguel Ángel Rojas | María Isabel Rueda | Doris Salcedo | Edwin Sánchez | Jean-Luc Verna | Martin Walde *This exhibition takes it’s title from a novel by the Colombian writer Juan Gabriel Vásquez published in 2011.  
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Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet
Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet
17/10/2017
Nuit Blanche 2017  ...

Nuit Blanche 2017 

 Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet

Edición 2017 de la Noche en Blanco el sábado, 7 de Octubre-

Se organizó una proyección de una obra de la artista turca Nil Yalter (nacido en 1938), frente al café La Perle.

El Café La Perle es una de las direcciones más famosas en el distrito de Marais; vecino el Museo Carnavalet, el café está vinculado a la escena cultural gracias a sus actividades eclécticas (y, por cierto, a las estrellas y creadores que pueblan la terraza).

El café alberga un evento especialmente emocionante: una obra firmada por Yalter, se proyectará al artista feminista famoso por su trabajo en torno al exilio de gran formato en la intersección de la antigua rue du Temple y la rue des Quatre Fils, antes del café.

Titulado París Ciudad de la Luz (1974) y totalmente digitalizada por museos de París, la obra consiste en una serie de signos de veinte dibujadas, impresas sobre tela, que representan a cada distrito de París. Durante toda la noche, pueden venir a ver este trabajo. ¡No se lo puede perder!

Más información:

https://www.sortiraparis.com/arts-culture/exposition/articles/149310-nuit-blanche-2017-nil-yalter-au-cafe-la-perle-par-le-musee-carnavalet#SmTxhmJx89WylXt7.99

Nuit Blanche 2017  ...

Nuit Blanche 2017 

 Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet

2017 White Night Edition on Saturday, October 7

A screening of a work by the Turkish artist Nil Yalter (born in 1938), in front of the cafe La Perle, was organized.

Café La Perle is one of the most famous addresses in the Marais district; next to the Carnavalet Museum, coffee is linked to the cultural scene thanks to its eclectic activities (and, of course, the stars and creators that populate the terrace).

The café hosts an especially exciting event: a work signed by Yalter, will be projected to the feminist artist famous for his work around the large format exile at the intersection of the old rue du Temple and the rue des Quatre Fils, before coffee.

Titled Paris City of Light (1974) and completely digitized by museums in Paris, the work consists of a series of signs of twenty drawn, printed on cloth, representing each district of Paris. Throughout the night, you can come and see this work. You can not miss it!

More information:

https://www.sortiraparis.com/arts-culture/exposition/articles/149310-nuit-blanche-2017-nil-yalter-au-cafe-la-perle-par-le-musee-carnavalet#SmTxhmJx89WylXt7.99

Nuit Blanche 2017 

 Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet

Edición 2017 de la Noche en Blanco el sábado, 7 de Octubre-

Se organizó una proyección de una obra de la artista turca Nil Yalter (nacido en 1938), frente al café La Perle.

El Café La Perle es una de las direcciones más famosas en el distrito de Marais; vecino el Museo Carnavalet, el café está vinculado a la escena cultural gracias a sus actividades eclécticas (y, por cierto, a las estrellas y creadores que pueblan la terraza).

El café alberga un evento especialmente emocionante: una obra firmada por Yalter, se proyectará al artista feminista famoso por su trabajo en torno al exilio de gran formato en la intersección de la antigua rue du Temple y la rue des Quatre Fils, antes del café.

Titulado París Ciudad de la Luz (1974) y totalmente digitalizada por museos de París, la obra consiste en una serie de signos de veinte dibujadas, impresas sobre tela, que representan a cada distrito de París. Durante toda la noche, pueden venir a ver este trabajo. ¡No se lo puede perder!

Más información:

https://www.sortiraparis.com/arts-culture/exposition/articles/149310-nuit-blanche-2017-nil-yalter-au-cafe-la-perle-par-le-musee-carnavalet#SmTxhmJx89WylXt7.99

Nuit Blanche 2017 

 Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet

2017 White Night Edition on Saturday, October 7

A screening of a work by the Turkish artist Nil Yalter (born in 1938), in front of the cafe La Perle, was organized.

Café La Perle is one of the most famous addresses in the Marais district; next to the Carnavalet Museum, coffee is linked to the cultural scene thanks to its eclectic activities (and, of course, the stars and creators that populate the terrace).

The café hosts an especially exciting event: a work signed by Yalter, will be projected to the feminist artist famous for his work around the large format exile at the intersection of the old rue du Temple and the rue des Quatre Fils, before coffee.

Titled Paris City of Light (1974) and completely digitized by museums in Paris, the work consists of a series of signs of twenty drawn, printed on cloth, representing each district of Paris. Throughout the night, you can come and see this work. You can not miss it!

More information:

https://www.sortiraparis.com/arts-culture/exposition/articles/149310-nuit-blanche-2017-nil-yalter-au-cafe-la-perle-par-le-musee-carnavalet#SmTxhmJx89WylXt7.99

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ESTHER FERRER |Todas las variaciones son válidas, incluida esta.
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ESTHER FERRER Todas las variaciones son válidas, incluida esta.

26 octubre, 2017 - 25 febrero, 2018 / Palacio de Velázquez
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Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.

Ferrer otorga a la repetición y al azar la capacidad de potenciar la obra, generando múltiples variaciones que dan paso a la alteridad y lo imprevisible. La muestra que presenta el Museo Reina Sofía, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, recoge estas cuestiones y reflexiona sobre otros aspectos clave de su práctica, como la visibilización del proceso creativo en el tiempo/espacio, y la movilización y transformación del cuerpo. Buscando reforzar y experimentar con las ideas de continuidad y la dimensión performativa del trabajo de Ferrer, la exposición incorpora la activación de ciertas piezas así como un discurso no cronológico que permite conexiones inesperadas y acercamientos cambiantes a su trayectoria. La selección de obras incluye performances e instalaciones, así como una serie de proyectos plásticos, tanto trabajos preparatorios como series acabadas, y documentación de las principales acciones (fotografías y vídeos).

En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas. El catálogo que acompaña la muestra presenta una selección de estos textos.

A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas.

 
Organización: 
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisariado: 
Mar Villaespesa y Laurence Rassel
Artistas:
Esther Ferrer
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Más información:

ESTHER FERRER Todas las variaciones son válidas, incluida esta.

26 octubre, 2017 - 25 febrero, 2018 / Palacio de Velázquez
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Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.

Ferrer otorga a la repetición y al azar la capacidad de potenciar la obra, generando múltiples variaciones que dan paso a la alteridad y lo imprevisible. La muestra que presenta el Museo Reina Sofía, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, recoge estas cuestiones y reflexiona sobre otros aspectos clave de su práctica, como la visibilización del proceso creativo en el tiempo/espacio, y la movilización y transformación del cuerpo. Buscando reforzar y experimentar con las ideas de continuidad y la dimensión performativa del trabajo de Ferrer, la exposición incorpora la activación de ciertas piezas así como un discurso no cronológico que permite conexiones inesperadas y acercamientos cambiantes a su trayectoria. La selección de obras incluye performances e instalaciones, así como una serie de proyectos plásticos, tanto trabajos preparatorios como series acabadas, y documentación de las principales acciones (fotografías y vídeos).

En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas. El catálogo que acompaña la muestra presenta una selección de estos textos.

A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas.

 
Organización: 
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisariado: 
Mar Villaespesa y Laurence Rassel
Artistas:
Esther Ferrer
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Más información:
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JUAN FERNANDO HERRÁN
JUAN FERNANDO HERRÁN
18/09/2017
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LAPIERRE ET LA POUSSIÈRE

« La Pierre et la Poussière » [Piedra y polvo]
Exhibición desde el 16 de Septiembre al 26 de Noviembre de 2917,    Inauguración el viernes 15 Septiembre a las 7pm Curador: Marc Bembekoff, Director of Centre d’art contemporain La Halle des bouchers

o

Del sábado, 16 de septiembre de 2017 al domingo, 26 de noviembre de 2017 Para su primera exposición individual en una institución europea, Juan Fernando Herrán (nacido en 1963, vive y trabaja en Bogotá) prevé los carniceros Centro de Arte Contemporáneo La Halle una instalación inspirada en la sedimentación secular propia en la ciudad de Viena.

Si el estudio de los materiales y objetos arqueológicos es la clave para interpretar el pasado, también revela y atestigua la forma en que el presente está arraigado en la historia. Las obras de Juan Fernando Herrán abordan temas que cruzan contextos culturales con temas sociales que no siempre son visibles a primera vista. Para su proyecto en Viena, el artista estaba interesado en trazar y cuestionar el material arqueológico y patrimonial de la ciudad, y cómo la sedimentación formó su historia.

Esta investigación ha alimentado así un proyecto de instalación - reagrupación de la escultura, la fotografía y el vídeo - que toma forma con el espacio del Centro de Arte Contemporáneo La Halle des Bouchers.

Tomado de: cac-lahalledesbouchers.fr

LAPIERRE ET LA POUSSIÈRE ...

LAPIERRE ET LA POUSSIÈRE

7

« La Pierre et la Poussière » [Stone and Dust]   Exhibition from September 16 to November 26 2017   Opening on Friday September 15 at 7pm   Curator: Marc Bembekoff, Director of Centre d’art contemporain La Halle des bouchers

o

From Saturday, September 16, 2017 to Sunday, November 26, 2017 Juan Fernando Herrán (born in 1963, lives and works in Bogotá), for his first solo exhibition in a European institution, proposes for the Contemporary Art Center La Halle des Bouchers an installation inspired by the centuries-old sedimentation of the city of Vienna.

If the study of archaeological materials and objects is the key to interpreting the past, it also reveals and testifies to the way in which the present is rooted in history. The works of Juan Fernando Herrán address issues that cross cultural contexts with societal subjects that are not always visible at first glance. For his project in Vienna, the artist was interested in tracing and questioning the archaeological and patrimonial material of the city, and how sedimentation shaped its history.

This research has thus fed a project of installation - regrouping sculpture, photography and video - which takes shape with the space of the Contemporary Art Center La Halle des Bouchers.

Taken from cac-lahalledesbouchers.fr

LAPIERRE ET LA POUSSIÈRE

« La Pierre et la Poussière » [Piedra y polvo]
Exhibición desde el 16 de Septiembre al 26 de Noviembre de 2917,    Inauguración el viernes 15 Septiembre a las 7pm Curador: Marc Bembekoff, Director of Centre d’art contemporain La Halle des bouchers

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Del sábado, 16 de septiembre de 2017 al domingo, 26 de noviembre de 2017 Para su primera exposición individual en una institución europea, Juan Fernando Herrán (nacido en 1963, vive y trabaja en Bogotá) prevé los carniceros Centro de Arte Contemporáneo La Halle una instalación inspirada en la sedimentación secular propia en la ciudad de Viena.

Si el estudio de los materiales y objetos arqueológicos es la clave para interpretar el pasado, también revela y atestigua la forma en que el presente está arraigado en la historia. Las obras de Juan Fernando Herrán abordan temas que cruzan contextos culturales con temas sociales que no siempre son visibles a primera vista. Para su proyecto en Viena, el artista estaba interesado en trazar y cuestionar el material arqueológico y patrimonial de la ciudad, y cómo la sedimentación formó su historia.

Esta investigación ha alimentado así un proyecto de instalación - reagrupación de la escultura, la fotografía y el vídeo - que toma forma con el espacio del Centro de Arte Contemporáneo La Halle des Bouchers.

Tomado de: cac-lahalledesbouchers.fr

LAPIERRE ET LA POUSSIÈRE

7

« La Pierre et la Poussière » [Stone and Dust]   Exhibition from September 16 to November 26 2017   Opening on Friday September 15 at 7pm   Curator: Marc Bembekoff, Director of Centre d’art contemporain La Halle des bouchers

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From Saturday, September 16, 2017 to Sunday, November 26, 2017 Juan Fernando Herrán (born in 1963, lives and works in Bogotá), for his first solo exhibition in a European institution, proposes for the Contemporary Art Center La Halle des Bouchers an installation inspired by the centuries-old sedimentation of the city of Vienna.

If the study of archaeological materials and objects is the key to interpreting the past, it also reveals and testifies to the way in which the present is rooted in history. The works of Juan Fernando Herrán address issues that cross cultural contexts with societal subjects that are not always visible at first glance. For his project in Vienna, the artist was interested in tracing and questioning the archaeological and patrimonial material of the city, and how sedimentation shaped its history.

This research has thus fed a project of installation - regrouping sculpture, photography and video - which takes shape with the space of the Contemporary Art Center La Halle des Bouchers.

Taken from cac-lahalledesbouchers.fr

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BLEDA Y ROSA AT “TURBULENCE” IN LISBOA. WORKS FROM LA CAIXA CONTEMPORARY ART COLLECTION
06/09/2017
Exposición...
Exposición
Torreão Nascente da Cordoaria Nacional - Lisboa

Turbulencias

Obras de la Colección de Arte Contemporáneo ”la Caixa”

Del 8 de septiembre al 3 de diciembre de 2017

El arte constantemente plantea interrogantes sobre el mundo en que vivimos y, actualmente, son especialmente significativas aquellas obras capaces de provocar una conciencia crítica ante nuestro presente social, político y cultural. Esta exposición está compuesta por obras de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo, que en los últimos años ha incorporado el trabajo de un buen número de artistas de distintos entornos geopolíticos con una gran capacidad para procesar de forma estética la realidad en la que vivimos.

Con el título Turbulencias, la exposición destaca la variedad de voces poéticas y relatos sobre un mundo que ya no se comprende desde ópticas únicas o dominantes. También se hace eco de la sensibilización del arte por la agitación que provocan las contradicciones de la globalización, que, aunque nos ha conectado a todos, también ha agudizado las desigualdades sociales, el populismo, el racismo y los movimientos migratorios masivos de un número creciente de desposeídos que aspiran a alcanzar el modo de vida occidental de bienestar y consumo.

Pero las turbulencias de las últimas décadas no impiden que el mundo siga abierto a la conexión colectiva, a los diálogos interculturales y a la libre expresión. Quizás el arte contribuya a estrechar lazos y a generar una mayor conciencia del entorno social, al otorgarle otra visibilidad. La mirada crítica del artista se ejerce a través de lo simbólico, lo imaginario y lo poético, y trata de que seamos nosotros, los espectadores de sus obras, los que demos sentido a su trabajo y a sus reflexiones.

Nota de prensa de Galeria do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional

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Exhibition
Torreão Nascente da Cordoaria Nacional

Turbulence

Works from the "la Caixa" contemporary art collection

 8th September - 3rd December 2017

Art constantly poses questions regarding the world in which we live. Nowadays, those works capable of provoking critical awareness of our social, political and cultural present are particularly significant. This exhibition is made up of works from the “la Caixa” Contemporary Art Collection, which in recent years has acquired the work of a good number of artists from a wide range of geopolitical contexts and with a great capacity for processing the reality in which we live in an aesthetic form.

Going under the title Turbulence, the exhibition highlights the multiplicity of poetic voices and narratives relating to a world which is no longer understood from unique or dominant perspectives. It also reflects the rising awareness of art as a result of the unrest brought on by the contradictions of globalisation which, despite having connected us all, has also heightened social inequalities, populism, racism and the mass migratory movement of a growing number of dispossessed individuals aspiring to attain a Western lifestyle of wellbeing and consumption.

But the turbulence of recent decades do not stop the world from continuing to be open to collective connections, to inter-cultural dialogues and free speech. Perhaps art can contribute to strengthening ties and to generating a greater awareness of the social environment, by lending it a heightened visibility. The critical gaze of the artist is exercised through the symbolic, the imaginary and the poetic, and their intention is for it to be us, those viewing the works, to give meaning to their work and their reflections.

Press release from Galeria do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional

Exposición
Torreão Nascente da Cordoaria Nacional - Lisboa

Turbulencias

Obras de la Colección de Arte Contemporáneo ”la Caixa”

Del 8 de septiembre al 3 de diciembre de 2017

El arte constantemente plantea interrogantes sobre el mundo en que vivimos y, actualmente, son especialmente significativas aquellas obras capaces de provocar una conciencia crítica ante nuestro presente social, político y cultural. Esta exposición está compuesta por obras de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo, que en los últimos años ha incorporado el trabajo de un buen número de artistas de distintos entornos geopolíticos con una gran capacidad para procesar de forma estética la realidad en la que vivimos.

Con el título Turbulencias, la exposición destaca la variedad de voces poéticas y relatos sobre un mundo que ya no se comprende desde ópticas únicas o dominantes. También se hace eco de la sensibilización del arte por la agitación que provocan las contradicciones de la globalización, que, aunque nos ha conectado a todos, también ha agudizado las desigualdades sociales, el populismo, el racismo y los movimientos migratorios masivos de un número creciente de desposeídos que aspiran a alcanzar el modo de vida occidental de bienestar y consumo.

Pero las turbulencias de las últimas décadas no impiden que el mundo siga abierto a la conexión colectiva, a los diálogos interculturales y a la libre expresión. Quizás el arte contribuya a estrechar lazos y a generar una mayor conciencia del entorno social, al otorgarle otra visibilidad. La mirada crítica del artista se ejerce a través de lo simbólico, lo imaginario y lo poético, y trata de que seamos nosotros, los espectadores de sus obras, los que demos sentido a su trabajo y a sus reflexiones.

Nota de prensa de Galeria do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional

Exhibition
Torreão Nascente da Cordoaria Nacional

Turbulence

Works from the "la Caixa" contemporary art collection

 8th September - 3rd December 2017

Art constantly poses questions regarding the world in which we live. Nowadays, those works capable of provoking critical awareness of our social, political and cultural present are particularly significant. This exhibition is made up of works from the “la Caixa” Contemporary Art Collection, which in recent years has acquired the work of a good number of artists from a wide range of geopolitical contexts and with a great capacity for processing the reality in which we live in an aesthetic form.

Going under the title Turbulence, the exhibition highlights the multiplicity of poetic voices and narratives relating to a world which is no longer understood from unique or dominant perspectives. It also reflects the rising awareness of art as a result of the unrest brought on by the contradictions of globalisation which, despite having connected us all, has also heightened social inequalities, populism, racism and the mass migratory movement of a growing number of dispossessed individuals aspiring to attain a Western lifestyle of wellbeing and consumption.

But the turbulence of recent decades do not stop the world from continuing to be open to collective connections, to inter-cultural dialogues and free speech. Perhaps art can contribute to strengthening ties and to generating a greater awareness of the social environment, by lending it a heightened visibility. The critical gaze of the artist is exercised through the symbolic, the imaginary and the poetic, and their intention is for it to be us, those viewing the works, to give meaning to their work and their reflections.

Press release from Galeria do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional

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Horario agosto
25/07/2017
Durante el mes de agosto, espaivisor estará abierto solo por las mañanas. De lunes a viern...Durante el mes de agosto, espaivisor estará abierto solo por las mañanas. De lunes a viernes de 10 a 14 horas. Del 12 al 27 de agosto permanecerá cerrado por vacaciones. ¡Gracias!  
Durante el mes de agosto, espaivisor estará abierto solo por las mañanas. De lunes a viernes de 10 a 14 horas. Del 12 al 27 de agosto permanecerá cerrado por vacaciones. ¡Gracias!  
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Desenmascarado el último `fake´de Joan Fontcuberta
Unmasked Joan Fontcuberta´s recent `fake´
20/07/2017
En la tarde de ayer durante la presentación del libro fotográ...

En la tarde de ayer durante la presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Ximo Berenguer en la Fundació Foto Colectania se ha desenmascarado la verdad.

Joan Fontcuberta se pronunciaba como creador del personaje y autor de las fotografías que tienen fascinados a los grandes expertos del arte en España. Después de más de un año de la muestra en la Galería Espaivisor y la gira de lanzamiento del libro, se desvela este secreto guardado entre pocos y que ayer se revelaba recordando a los trabajos anteriores de Fontcuberta como Sputnik.

El misterio de este Viviane Maier local como lo llamaba Martin Parr creo gran interés por sus imágenes de gran impacto real del Molino y su trágica y corta vida del personaje. Con este fake o engaño transitorio Fontcuberta pone en evidencia la facilidad con la que se puede engañar al público, así mismo invitando a la reflexión sobre el mercado del arte y como este se va pareciendo cada vez más a la política, donde lo importante es la explotación del beneficio propio y el prestigio por encima del valor artístico.

Tras  ser revelada la verdad no se puede negar que las fotografías junto con los textos que son parte de “A chupar del bote” forman un gran archivo que recuerda a los tantos Ximo Berenguer que sacaron a la luz esa España transitoria que hoy por hoy nos sigue sorprendiendo.

Foto cortesía: Fundació Foto Colectania

Yesterday during the presentation of the photographic book "A c...

Yesterday during the presentation of the photographic book "A chupar del bote" by Ximo Berenguer at the Fundació Foto Colectania the truth was unmasked.Joan Fontcuberta pronounced himself as the creator of the character and author of the photographs that have fascinated experts of photography in Spain.

After more than a year of the exhibition in Espaivisor and the launching tour of the book that include text by other characters created by Fontcuberta, this secret, only known among few, revealed itself reminding us of previous works like Sputnik.

The mystery of this Spanish Viviane Maier, as he was called by Martin Parr, create a great interest for his images of high impact showing the reality of the Music Hall El Molino, and the tragic and short life of the character.

With this fake or transient deception Fontcuberta reveals the ease with which the public can be deceived, as well to question the roll of the art market  and how it increasingly resembles politics where what is important is the exploitation of personal gain and prestige over artistic value.

After the truth has been revealed we can not deny that the photographs along with the texts that are part of "A chupar del bote" form a great file that reminds the many unknown Ximo Berenguer that brought to light that transitory Spain that even today still keeps on surprising.

Photo courtesy: Fundació Foto Colectania

En la tarde de ayer durante la presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Ximo Berenguer en la Fundació Foto Colectania se ha desenmascarado la verdad.

Joan Fontcuberta se pronunciaba como creador del personaje y autor de las fotografías que tienen fascinados a los grandes expertos del arte en España. Después de más de un año de la muestra en la Galería Espaivisor y la gira de lanzamiento del libro, se desvela este secreto guardado entre pocos y que ayer se revelaba recordando a los trabajos anteriores de Fontcuberta como Sputnik.

El misterio de este Viviane Maier local como lo llamaba Martin Parr creo gran interés por sus imágenes de gran impacto real del Molino y su trágica y corta vida del personaje. Con este fake o engaño transitorio Fontcuberta pone en evidencia la facilidad con la que se puede engañar al público, así mismo invitando a la reflexión sobre el mercado del arte y como este se va pareciendo cada vez más a la política, donde lo importante es la explotación del beneficio propio y el prestigio por encima del valor artístico.

Tras  ser revelada la verdad no se puede negar que las fotografías junto con los textos que son parte de “A chupar del bote” forman un gran archivo que recuerda a los tantos Ximo Berenguer que sacaron a la luz esa España transitoria que hoy por hoy nos sigue sorprendiendo.

Foto cortesía: Fundació Foto Colectania

Yesterday during the presentation of the photographic book "A chupar del bote" by Ximo Berenguer at the Fundació Foto Colectania the truth was unmasked.Joan Fontcuberta pronounced himself as the creator of the character and author of the photographs that have fascinated experts of photography in Spain.

After more than a year of the exhibition in Espaivisor and the launching tour of the book that include text by other characters created by Fontcuberta, this secret, only known among few, revealed itself reminding us of previous works like Sputnik.

The mystery of this Spanish Viviane Maier, as he was called by Martin Parr, create a great interest for his images of high impact showing the reality of the Music Hall El Molino, and the tragic and short life of the character.

With this fake or transient deception Fontcuberta reveals the ease with which the public can be deceived, as well to question the roll of the art market  and how it increasingly resembles politics where what is important is the exploitation of personal gain and prestige over artistic value.

After the truth has been revealed we can not deny that the photographs along with the texts that are part of "A chupar del bote" form a great file that reminds the many unknown Ximo Berenguer that brought to light that transitory Spain that even today still keeps on surprising.

Photo courtesy: Fundació Foto Colectania

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Presentación del libro “A chupar del bote” de Ximo Berenguer.
11/07/2017
Presentación del libro fotográfico “A chupar del bot...

Presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Ximo Berenguer. Editorial RM.

Miércoles, 12 de julio de 19:00h en el IVAM. SALA IVAMLAB

El IVAM incorporó a su colección el pasado año 2016 seis fotografías de Ximo Berenguer (Picanya, 1946) de la serie “El Molino” realizadas entre los años 1974 y 1976 en el local de variedades barcelonés. Este trabajo documental ofrece una visión descarnada de los personajes que frecuentaban ese espacio de reunión social, política y cultural.

En la presentación intervendrán:

Mira Bernabeu, artista y director de la Galería Espaivisor de Valencia, comisario de la exposición de Ximo Berenguer realizada en la Galería centrada en la serie “A chupar del bote”.

Fernando Castro, crítico y profesor universitario.

Este libro encumbra la recuperación para la historia de la fotografía española del legado de Ximo Berenguer, autor fallecido prematuramente en 1978 a los 32 años de edad. Valenciano de nacimiento y barcelonés de adopción, Berenguer fue un testigo excepcional del proceso de transición política, que documentó desde las trincheras de la izquierda clandestina, de la cultura marginal y, particularmente, del Movimiento Español de Liberación Homosexual. Su obra, reducida pero intensa, ha sido equiparada a la de Anders Petersen en su Café Lehmitz: un humanismo quebrado entre la ternura y el desgarro.

Para este proyecto Berenguer focalizó su reportaje en El Molino, el popular music hall del Paralelo barcelonés, famoso por la participación del público reclamando diversión y libertad a golpe de coplas, risas y destape. Desde una perspectiva sociológica El Molino reflejó la evolución de la sociedad española, que, liberada del corsé franquista, aspiraba a la normalización democrática.

El texto viene firmado por Manolo de la Mancha, pseudónimo de un escritor o grupo de escritores cuya identidad se desconoce, pero cuyo tono incisivo e irónico parece cercano al estilo de las plumas que nos deleitaron desde las revistas satíricas “Hermano Lobo” o “Por Favor”.

La publicación ha respetado escrupulosamente la maqueta original que Berenguer dejó terminada en 1978 y que finalmente ha podido salir del armario y ver la luz. En una separata encartada, el historiador del arte Horacio Fernández traza la crónica de esta obra póstuma que completa la histórica colección “Palabra e Imagen” con un título que había quedado pendiente.

Nota de prensa del IVAM.

IVAM. CALLE GUILLEM DE CASTRO 118, 46003 VALENCIA

Presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Ximo Berenguer. Editorial RM.

Miércoles, 12 de julio de 19:00h en el IVAM. SALA IVAMLAB

El IVAM incorporó a su colección el pasado año 2016 seis fotografías de Ximo Berenguer (Picanya, 1946) de la serie “El Molino” realizadas entre los años 1974 y 1976 en el local de variedades barcelonés. Este trabajo documental ofrece una visión descarnada de los personajes que frecuentaban ese espacio de reunión social, política y cultural.

En la presentación intervendrán:

Mira Bernabeu, artista y director de la Galería Espaivisor de Valencia, comisario de la exposición de Ximo Berenguer realizada en la Galería centrada en la serie “A chupar del bote”.

Fernando Castro, crítico y profesor universitario.

Este libro encumbra la recuperación para la historia de la fotografía española del legado de Ximo Berenguer, autor fallecido prematuramente en 1978 a los 32 años de edad. Valenciano de nacimiento y barcelonés de adopción, Berenguer fue un testigo excepcional del proceso de transición política, que documentó desde las trincheras de la izquierda clandestina, de la cultura marginal y, particularmente, del Movimiento Español de Liberación Homosexual. Su obra, reducida pero intensa, ha sido equiparada a la de Anders Petersen en su Café Lehmitz: un humanismo quebrado entre la ternura y el desgarro.

Para este proyecto Berenguer focalizó su reportaje en El Molino, el popular music hall del Paralelo barcelonés, famoso por la participación del público reclamando diversión y libertad a golpe de coplas, risas y destape. Desde una perspectiva sociológica El Molino reflejó la evolución de la sociedad española, que, liberada del corsé franquista, aspiraba a la normalización democrática.

El texto viene firmado por Manolo de la Mancha, pseudónimo de un escritor o grupo de escritores cuya identidad se desconoce, pero cuyo tono incisivo e irónico parece cercano al estilo de las plumas que nos deleitaron desde las revistas satíricas “Hermano Lobo” o “Por Favor”.

La publicación ha respetado escrupulosamente la maqueta original que Berenguer dejó terminada en 1978 y que finalmente ha podido salir del armario y ver la luz. En una separata encartada, el historiador del arte Horacio Fernández traza la crónica de esta obra póstuma que completa la histórica colección “Palabra e Imagen” con un título que había quedado pendiente.

Nota de prensa del IVAM.

IVAM. CALLE GUILLEM DE CASTRO 118, 46003 VALENCIA

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BLEDA Y ROSA INAUGURAN EL ESPACIO DE BOMBAS GENS.
30/06/2017
Bleda y Rosa. Geografía del tiempo ...

Bleda y Rosa. Geografía del tiempo

08.07.2017 - 19.11.2017

Bleda y Rosa. Geografía del tiempo reúne veinticinco años del trabajo fotográfico de María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) articulándolo en torno a la serie Campos de batalla: un proyecto iniciado en 1994 y finalizado recientemente que se muestra al completo por primera vez. La muestra se abre con Campos de futbol (1992-1995), el primer proyecto que obtuvo reconocimiento público, una serie que, estableciendo una dialéctica entre lugar, tiempo y memoria, anuncia los ejes conceptuales en torno a los que posteriormente girará su trabajo. La exposición se completa con obras pertenecientes a las series Origen (2003-) y Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).

Bleda y Rosa, que recibieron en 2008 el Premio nacional de fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España, son una de las referencias más destacadas de la fotografía española contemporánea. Su trabajo propone, desde una excelente factura formal, una interrogación crítica sobre las imágenes y la historia, sobre la relación entre el pasado y el presente, y sobre los discursos y visiones que atraviesa esa relación.

Más información en Bombas Gens. Centre d ´Art

Bleda y Rosa. Geografía del tiempo

08.07.2017 - 19.11.2017

Bleda y Rosa. Geografía del tiempo reúne veinticinco años del trabajo fotográfico de María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) articulándolo en torno a la serie Campos de batalla: un proyecto iniciado en 1994 y finalizado recientemente que se muestra al completo por primera vez. La muestra se abre con Campos de futbol (1992-1995), el primer proyecto que obtuvo reconocimiento público, una serie que, estableciendo una dialéctica entre lugar, tiempo y memoria, anuncia los ejes conceptuales en torno a los que posteriormente girará su trabajo. La exposición se completa con obras pertenecientes a las series Origen (2003-) y Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).

Bleda y Rosa, que recibieron en 2008 el Premio nacional de fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España, son una de las referencias más destacadas de la fotografía española contemporánea. Su trabajo propone, desde una excelente factura formal, una interrogación crítica sobre las imágenes y la historia, sobre la relación entre el pasado y el presente, y sobre los discursos y visiones que atraviesa esa relación.

Más información en Bombas Gens. Centre d ´Art

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HAMISH FULTON EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES DE CHILE
27/06/2017
Exposición colectiva ...

Exposición colectiva

MOVIMIENTOS DE TIERRA. ARTE Y NATURALEZA

Desde el 7 de julio hasta el 3 de septiembre.

Las experiencias de los artistas chilenos Cecilia Vicuña, Catalina Correa, Patrick Steeger, Cristián Velasco, José Délano y del británico Hamish Fulton, tras su exploración desde el Altiplano a la Patagonia.

Más información: MNBA Chile 

Exposición colectiva

MOVIMIENTOS DE TIERRA. ARTE Y NATURALEZA

Desde el 7 de julio hasta el 3 de septiembre.

Las experiencias de los artistas chilenos Cecilia Vicuña, Catalina Correa, Patrick Steeger, Cristián Velasco, José Délano y del británico Hamish Fulton, tras su exploración desde el Altiplano a la Patagonia.

Más información: MNBA Chile 

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All our love to Françoise´s family and friends
23/06/2017
We are sad to tell you that Françoise Janicot passed away last...

We are sad to tell you that Françoise Janicot passed away last Sunday, 18th June.

We send all our love to family and friends.

Espaivisor will continue working to spread her  magnificent artwork.  

Nos entristece comunicaros que Françoise Janicot nos dejó el pasado domingo, 18 de junio.

Mandamos todo nuestro cariño a familia y amigos.

 Desde espaivisor seguiremos trabajando para difundir su magnífica obra.

We are sad to tell you that Françoise Janicot passed away last Sunday, 18th June.

We send all our love to family and friends.

Espaivisor will continue working to spread her  magnificent artwork.  

Nos entristece comunicaros que Françoise Janicot nos dejó el pasado domingo, 18 de junio.

Mandamos todo nuestro cariño a familia y amigos.

 Desde espaivisor seguiremos trabajando para difundir su magnífica obra.

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CONGRATULATIONS
19/06/2017
Congratulations to Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, ...

Congratulations to Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio Zevallos and Gabriele Basilico  for participating in the art exposition Documenta this 2017 in Atenas and Kassel, Mladen Stilinović may also be mentioned for participating in the Biennale 2017 of art in Venice.

espaivisor team.

Felicidades a Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio...

Felicidades a Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio Zevallos and Gabriele Basilico  por participar en la exposición de arte  Documenta este 2017 en Atenas y Kassel, Támbien mencionar a Mladen Stilinović  por participar en la Biennale 2017 de arte de Venenecia.

Equipo espaivisor.

Documenta 14th / 2017   Biennale di venezia 57th / 2017 

Congratulations to Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio Zevallos and Gabriele Basilico  for participating in the art exposition Documenta this 2017 in Atenas and Kassel, Mladen Stilinović may also be mentioned for participating in the Biennale 2017 of art in Venice.

espaivisor team.

Felicidades a Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio Zevallos and Gabriele Basilico  por participar en la exposición de arte  Documenta este 2017 en Atenas y Kassel, Támbien mencionar a Mladen Stilinović  por participar en la Biennale 2017 de arte de Venenecia.

Equipo espaivisor.

Documenta 14th / 2017   Biennale di venezia 57th / 2017 
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PRESENTACIÓN DEL LIBRO “A CHUPAR DEL BOTE” DE XIMO BERENGUER. PHOTOESPAÑA 2017
14/06/2017
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Después del éxito de la exposición de Ximo Berenguer en nuestra galería, espaivisor se complace en invitarles a la presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Editorial RM y al subsiguiente cóctel para dar la bienvenida a esta naciente publicación. El acto tendrá lugar el próximo jueves 15 de junio a las 13h en el Salón de Juntas del Círculo de Bellas Artes de Madrid, dentro del programa oficial de PhotoEspaña 2017.

Intervendrán el crítico y profesor universitario Fernando Castro, el editor y diseñador Joaquín Gallego, y el artista y director de espaivisor de Valencia, que ha actuado como comisario de la exposición de Ximo Berenguer centrada en la serie “A chupar del bote”.

Este libro encumbra la recuperación para la historia de la fotografía española del legado de Ximo Berenguer, autor fallecido prematuramente en 1978 a los 32 años de edad. Valenciano de nacimiento y barcelonés de adopción, Berenguer fue un testigo excepcional del proceso de transición política, que documentó desde las trincheras de la izquierda clandestina, de la cultura marginal y, particularmente, del Movimiento Español de Liberación Homosexual. Su obra, reducida pero intensa, ha sido equiparada a la de Anders Petersen en su Café Lehmitz: un humanismo quebrado entre la ternura y el desgarro.

Para este proyecto Berenguer focalizó su reportaje en El Molino, el popular music hall del Paralelo barcelonés, famoso por la participación del público reclamando diversión y libertad a golpe de coplas, risas y destape. Desde una perspectiva sociológica El Molino reflejó la evolución de la sociedad española, que, liberada del corsé franquista, aspiraba a la normalización democrática.

El texto viene firmado por Manolo de la Mancha, pseudónimo de un escritor o grupo de escritores cuya identidad se desconoce, pero cuyo tono incisivo e irónico parece cercano al estilo de las plumas que nos deleitaron desde las revistas satíricas “Hermano Lobo” o “Por Favor”.

La publicación ha respetado escrupulosamente la maqueta original que Berenguer dejó terminada en 1978 y que finalmente ha podido salir del armario y ver la luz. En una separata encartada, el historiador del arte Horacio Fernández traza la crónica de esta obra póstuma que completa la histórica colección “Palabra e Imagen” con un título que había quedado pendiente.

Para más información: Galería Fernando Pradilla

 

Después del éxito de la exposición de Ximo Berenguer en nuestra galería, espaivisor se complace en invitarles a la presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Editorial RM y al subsiguiente cóctel para dar la bienvenida a esta naciente publicación. El acto tendrá lugar el próximo jueves 15 de junio a las 13h en el Salón de Juntas del Círculo de Bellas Artes de Madrid, dentro del programa oficial de PhotoEspaña 2017.

Intervendrán el crítico y profesor universitario Fernando Castro, el editor y diseñador Joaquín Gallego, y el artista y director de espaivisor de Valencia, que ha actuado como comisario de la exposición de Ximo Berenguer centrada en la serie “A chupar del bote”.

Este libro encumbra la recuperación para la historia de la fotografía española del legado de Ximo Berenguer, autor fallecido prematuramente en 1978 a los 32 años de edad. Valenciano de nacimiento y barcelonés de adopción, Berenguer fue un testigo excepcional del proceso de transición política, que documentó desde las trincheras de la izquierda clandestina, de la cultura marginal y, particularmente, del Movimiento Español de Liberación Homosexual. Su obra, reducida pero intensa, ha sido equiparada a la de Anders Petersen en su Café Lehmitz: un humanismo quebrado entre la ternura y el desgarro.

Para este proyecto Berenguer focalizó su reportaje en El Molino, el popular music hall del Paralelo barcelonés, famoso por la participación del público reclamando diversión y libertad a golpe de coplas, risas y destape. Desde una perspectiva sociológica El Molino reflejó la evolución de la sociedad española, que, liberada del corsé franquista, aspiraba a la normalización democrática.

El texto viene firmado por Manolo de la Mancha, pseudónimo de un escritor o grupo de escritores cuya identidad se desconoce, pero cuyo tono incisivo e irónico parece cercano al estilo de las plumas que nos deleitaron desde las revistas satíricas “Hermano Lobo” o “Por Favor”.

La publicación ha respetado escrupulosamente la maqueta original que Berenguer dejó terminada en 1978 y que finalmente ha podido salir del armario y ver la luz. En una separata encartada, el historiador del arte Horacio Fernández traza la crónica de esta obra póstuma que completa la histórica colección “Palabra e Imagen” con un título que había quedado pendiente.

Para más información: Galería Fernando Pradilla

 
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BRACO DIMITRIJEVIC – A RETROSPECTIVE
09/05/2017
BRACO DIMITRIJEVIC - A RETROSPECTIVE ...

BRACO DIMITRIJEVIC - A RETROSPECTIVE

Museum of Contemporary Art, Zagreb

27/04/2017 - 21/06/2017

Braco Dimitrijević – A Retrospective presents all the most important phases of the works of this pioneer of conceptual art, who has built an outstanding international career from the end of 1960s to date. The work of Braco Dimitrijević and his 1976 invention of the term Post History were an important influence on two major tendencies in the contemporary art discourse, from critical practices in public space to interventions in museum collections. The constant preoccupations oh his work - the relativity of history in general and of the history of the art in particular, as well as the phenomenon of chance - are represented in this exhibition with both his early works and new works created especially for this occasion.

Further information: www.msu.hr

BRACO DIMITRIJEVIC - A RETROSPECTIVE

Museum of Contemporary Art, Zagreb

27/04/2017 - 21/06/2017

Braco Dimitrijević – A Retrospective presents all the most important phases of the works of this pioneer of conceptual art, who has built an outstanding international career from the end of 1960s to date. The work of Braco Dimitrijević and his 1976 invention of the term Post History were an important influence on two major tendencies in the contemporary art discourse, from critical practices in public space to interventions in museum collections. The constant preoccupations oh his work - the relativity of history in general and of the history of the art in particular, as well as the phenomenon of chance - are represented in this exhibition with both his early works and new works created especially for this occasion.

Further information: www.msu.hr

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JÜRGEN KLAUKE AT MAX ERNST MUSEUM
04/04/2017
JÜRGEN KLAUKE ...

JÜRGEN KLAUKE

SELBSTGESPRÄCHE. ZEICHNUNGEN 1970 –2016

26/03/2107 - 16/07/2017

Further information: Max Ernst Museum

Comesstraße 42 / Max-Ernst-Allee 1 50321 Brühl (Rheinland)

 Trailer 

JÜRGEN KLAUKE

SELBSTGESPRÄCHE. ZEICHNUNGEN 1970 –2016

26/03/2107 - 16/07/2017

Further information: Max Ernst Museum

Comesstraße 42 / Max-Ernst-Allee 1 50321 Brühl (Rheinland)

 Trailer 

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NIL YALTER, cover of ArtReview
31/03/2017
As the 14th edition of Documenta docks in Athens, an arrangemen...

As the 14th edition of Documenta docks in Athens, an arrangement that seems designed to highlight two poles of the continent’s economic, social and political destiny, ArtReview has been wondering how art contributes to our understanding of and engagement with these kinds of ‘real’ issues. After all, the representation of a problem is always one step removed from the problem itself. So how does art become more than simply an intellectual narcotic that does nothing other than ease consciences in the face of global suffering? This issue is in part dedicated to investigations into how art interacts with real rather than imagined life.

Inside

Nil Yalter – Mark Rappolt looks into how the Turkish-French artist has used formal experimentation in a lifetime’s work to highlight a range of issues surrounding immigration, feminism and social inequality in general

As the 14th edition of Documenta docks in Athens, an arrangement that seems designed to highlight two poles of the continent’s economic, social and political destiny, ArtReview has been wondering how art contributes to our understanding of and engagement with these kinds of ‘real’ issues. After all, the representation of a problem is always one step removed from the problem itself. So how does art become more than simply an intellectual narcotic that does nothing other than ease consciences in the face of global suffering? This issue is in part dedicated to investigations into how art interacts with real rather than imagined life.

Inside

Nil Yalter – Mark Rappolt looks into how the Turkish-French artist has used formal experimentation in a lifetime’s work to highlight a range of issues surrounding immigration, feminism and social inequality in general

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OSWALDO MACIÁ.
08/02/2017
OSWALDO MACIÁ ...

OSWALDO MACIÁ

ECUACIONES (ESCULTURAS ACÚSTICO OLFATIVAS)

CAAM, SALA SAN ANTONIO ABAD. LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

Inauguración: Jueves 9 de febrero a las 20,30 horas.

Encuentro y diálogo con el artista: Viernes 1o de febrero a las 19 horas.

Intervienen: Oswaldo Maciá. Artista y Orlando Britto Jinorio. Director del CAAM

  CAAM- San Antonio Abad Plaza San Antonio Abad s/n. Las Palmas de Gran Canaria. www.caam.net

OSWALDO MACIÁ

ECUACIONES (ESCULTURAS ACÚSTICO OLFATIVAS)

CAAM, SALA SAN ANTONIO ABAD. LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

Inauguración: Jueves 9 de febrero a las 20,30 horas.

Encuentro y diálogo con el artista: Viernes 1o de febrero a las 19 horas.

Intervienen: Oswaldo Maciá. Artista y Orlando Britto Jinorio. Director del CAAM

  CAAM- San Antonio Abad Plaza San Antonio Abad s/n. Las Palmas de Gran Canaria. www.caam.net
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HAMISH FULTON INAUGURARÁ LA NUEVA SEDE DE LA FUNDACIÓN CEREZALES ANTONINO Y CINIA.
03/02/2017
Walking on and off the ...

Walking on and off the Path – Hamish Fulton

9 de abril - 23 de julio

Hamish Fulton es el artista invitado a abrir el nuevo equipamiento de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, con una muestra de obras inéditas, producidas tras una caminata por la parte occidental de Picos de Europa, en octubre del 2016.

Hamish Fulton es un artista caminante. Nació en Gran Bretaña en 1946 y se ha convertido en uno de los referentes más importantes del arte contemporáneo. Escindiéndose del denominado Land Art, Fulton ha investigado, durante los últimos 50 años y en cientos de caminatas tanto en solitario como grupales, sobre el caminar como práctica artística. Él observa el paisaje, no lo modifica, no deja huella.

Caminar es un acto contra la alienación. Como él mismo apunta: Caminar, sin recurrir a ningún otro medio de locomoción que nuestros propios pies, sin sucedáneos, nos permite experimentar la vida: «relajación, ejercicio, meditación, salud, oxigenar el cerebro, transporte, deporte, marchas de protesta pacíficas, arte y mucho más».

Desde el año 2009, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia se plantea el caminar como un movimiento del pensar. Comparte la idea de ser invisibles, en mayor o menor medida, en un mundo complejo, al tiempo que reivindica toda declaración de intenciones como un compromiso con la acción, más allá de la teoría. FCAYC ha atendido a las reglas que definen el lugar en el que se inserta su acción y para ello ha tenido que caminar
en él, percibir las distancias bajo sus pies, entre sus vecindarios, adoptar su vocabulario, comprender la proximidad entre su vertiente salvaje y la intervenida por el hombre. Todo ello ha modelado su filosofía.

Por ello, FCAYC reivindica caminar como política y acude a Hamish Fulton, un referente en la puesta en práctica de esta metodología. El sentido de esta colaboración es afrontar la relación con el contexto como un proceso en curso antes que como una colección de objetos de mayor o menor reflejo artístico.

Para llevar a cabo este proyecto, Fulton ha realizado una caminata circular en solitario durante 14 días, por la zona occidental de Picos de Europa, el contexto en el que se circunscribe la Fundación. En octubre del 2016 y partiendo de Soto de Sajambre, Fulton daba continuidad a otras siete caminatas interconectadas por la Península Ibérica, que ya realizara en las últimas décadas.

Walking on and off the Path (en español: Caminar y apartarse del camino) es el título de una exposición producida por FCAYC y fruto de esas jornadas caminando por la montaña leonesa.

Dos caminatas grupales con el artista y una publicación sobre el caminar, con textos de investigadores de diferentes disciplinas, serán también parte de la propuesta de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia.

Comisariado: Hamish Fulton

Producción y coordinación: FCAYC Agradecimientos: espaivisor Hashtag: #FultonFCAYC Nota de prensa y más información en: Fundación Cerezales Antonino y Cinia

Walking on and off the Path – Hamish Fulton

9 de abril - 23 de julio

Hamish Fulton es el artista invitado a abrir el nuevo equipamiento de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, con una muestra de obras inéditas, producidas tras una caminata por la parte occidental de Picos de Europa, en octubre del 2016.

Hamish Fulton es un artista caminante. Nació en Gran Bretaña en 1946 y se ha convertido en uno de los referentes más importantes del arte contemporáneo. Escindiéndose del denominado Land Art, Fulton ha investigado, durante los últimos 50 años y en cientos de caminatas tanto en solitario como grupales, sobre el caminar como práctica artística. Él observa el paisaje, no lo modifica, no deja huella.

Caminar es un acto contra la alienación. Como él mismo apunta: Caminar, sin recurrir a ningún otro medio de locomoción que nuestros propios pies, sin sucedáneos, nos permite experimentar la vida: «relajación, ejercicio, meditación, salud, oxigenar el cerebro, transporte, deporte, marchas de protesta pacíficas, arte y mucho más».

Desde el año 2009, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia se plantea el caminar como un movimiento del pensar. Comparte la idea de ser invisibles, en mayor o menor medida, en un mundo complejo, al tiempo que reivindica toda declaración de intenciones como un compromiso con la acción, más allá de la teoría. FCAYC ha atendido a las reglas que definen el lugar en el que se inserta su acción y para ello ha tenido que caminar
en él, percibir las distancias bajo sus pies, entre sus vecindarios, adoptar su vocabulario, comprender la proximidad entre su vertiente salvaje y la intervenida por el hombre. Todo ello ha modelado su filosofía.

Por ello, FCAYC reivindica caminar como política y acude a Hamish Fulton, un referente en la puesta en práctica de esta metodología. El sentido de esta colaboración es afrontar la relación con el contexto como un proceso en curso antes que como una colección de objetos de mayor o menor reflejo artístico.

Para llevar a cabo este proyecto, Fulton ha realizado una caminata circular en solitario durante 14 días, por la zona occidental de Picos de Europa, el contexto en el que se circunscribe la Fundación. En octubre del 2016 y partiendo de Soto de Sajambre, Fulton daba continuidad a otras siete caminatas interconectadas por la Península Ibérica, que ya realizara en las últimas décadas.

Walking on and off the Path (en español: Caminar y apartarse del camino) es el título de una exposición producida por FCAYC y fruto de esas jornadas caminando por la montaña leonesa.

Dos caminatas grupales con el artista y una publicación sobre el caminar, con textos de investigadores de diferentes disciplinas, serán también parte de la propuesta de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia.

Comisariado: Hamish Fulton

Producción y coordinación: FCAYC Agradecimientos: espaivisor Hashtag: #FultonFCAYC Nota de prensa y más información en: Fundación Cerezales Antonino y Cinia
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BORRADOR PARA UNA EXPOSICION SIN TÍTULO. CAP. II. CABELLO/CARCELLER
18/01/2017
BORRADOR PARA UNA EXPOSICIÓN SIN TÍTULO ...

BORRADOR PARA UNA EXPOSICIÓN SIN TÍTULO

(CAP. II)

CABELLO/CARCELLER

INAUGURACIÓN 19 ENE 2017 19:00 H. 20 ENE — 7 MAY 2017

COMISARIO MANUEL SEGADE

Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.

Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición es la primera revisión retrospectiva de su trayectoria, que permite situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.

Texto y más información: Centro de Arte Dos de Mayo. Comunidad de Madrid

BORRADOR PARA UNA EXPOSICIÓN SIN TÍTULO

(CAP. II)

CABELLO/CARCELLER

INAUGURACIÓN 19 ENE 2017 19:00 H. 20 ENE — 7 MAY 2017

COMISARIO MANUEL SEGADE

Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.

Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición es la primera revisión retrospectiva de su trayectoria, que permite situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.

Texto y más información: Centro de Arte Dos de Mayo. Comunidad de Madrid

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MY SWEET LITTLE LAMB. (EVERYTHING WE SEE COULD ALSO BE OTHERWISE). Exhibition dedicated to Mladen Stilinović
12/01/2017
The first episode in this series includes works by Hal...

The first episode in this series includes works by Halil Altındere, Heimrad Bäcker, Mária Bartuszová, Geta Brătescu, Dimitrije Bašičević Mangelos, Stano Filko, Oliver Frljić, Ivan Ladislav Galeta, Marcus Geiger, Nina Gojić, Tomislav Gotovac, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Běla Kolářová, Július Koller, Ivan Kožarić, Edward Krasiński, Friedl Kubelka, KwieKulik, Katalin Ladik, Dezső Magyar, Karel Malich, Vlado Martek, Dalibor Martinis, Dora Maurer, Jan Mlčoch, Paul Neagu, Roman Ondák, Goran Petercol, Hans Scheirl, Mladen Stilinović, Petr Štembera, Slaven Tolj, Goran Trbuljak and Wu Tsang.

Curated by What, How & for Whom/WHW in collaboration with Kathrin Rhomberg

My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) takes its title from a work by Mladen Stilinović (1947–2016), to whom the overall project is dedicated. Stilinović's lifelong anti-systemic approach, his quiet but shrewd rebellion against social and artistic conventions, and his artistic practice—which trenchantly and humorously engages with complex themes of ideology, work, money, pain, and poverty—inspired a generation of artists worldwide.

The project takes as its point of departure works from the Kontakt Art Collection, which is based in Vienna and was founded in 2004. Today, the collection includes seminal works by a number of the most prominent artists from Central, Eastern, and Southeast Europe, works created since the 1960s and selected over the years by the members of its advisory committee, which includes Silvia Eiblmayr, Georg Schöllhammer, Jiří Ševčík, Branka Stipančić and Adam Szymczyk. As such, it is a crucial source for research pertaining to the art history of the region, but also a suitable starting point from which to critically approach the very notion of Eastern European Art as a shorthand for the geopolitical paradigm and ideological framework in which it is situated, as well as to examine the mechanisms by which local material is filtered up to international prominence within new circuits of communication, distribution, and exchange in an art world that, since the fall of the Berlin Wall, has become internationalized according to models not unlike those of corporate internationalism.

The exhibition series My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) will stage an interplay of works from the Kontakt Art Collection with other historical, contemporary, and newly produced pieces that interpret and critically examine the collection. The project will interlace geographically and poetically heterogeneous artistic practices in order to challenge the collection as a finalized and ordered body of knowledge that strives to dislocate the Western modernist canon, only to find itself enmeshed in the formation of a “contemporary global canon.”

My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) will unfold over several months in Zagreb (November 2016 – May 2017) as six episodes that influence, contradict, and reinforce each other. Each of these will take place at a number of smaller art spaces, artists’ studios, private apartments, and other locations related to artistic production and the city of Zagreb’s broader cultural landscape. The project revisits the endeavors of artists like Geta Brătescu, Stano Filko, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Július Koller, Ewa Partum and Zofia Kulik to create art that subverted the impact of social norms and various degrees of state control, doing so in a survey that attempts to undermine fixed presentations and interpretations of their work that have dominated the international art circuits during the past few decades with more disorderly and experimental arrangements rooted in the cultural and artistic context of Zagreb.

In times of drastic funding cuts to the cultural sector and its increasing dependency on private money accumulated as a result of financial speculation that has wreaked havoc on social structures, dedicating the project to Mladen Stilinović also means relying on one of his typically astute observations: “All the money is dirty, all the money is ours,”—although there is something less than truthful about claiming to use it as knowingly as Mladen did. Even so, presenting the collection in a number of smaller institutional public, semi-public, and private spaces in Zagreb also represents a chance to create some leeway for wider dissemination of the emancipative content represented by artists’ historical achievements. Most of all, however, it is a chance to open up a playing field in which different criteria underlying the formulation of values, as well as different genealogies, might emerge via the paradoxical endeavor of simultaneously supplying imaginary solutions and revealing said solutions’ impossibility in the current predicament of art and life.

Text courtesy of What, How and For Whom

Image: Mladen Stilinović, My Sweet Little Lamb, 1993; Courtesy: Branka Stipančić

The first episode in this series includes works by Halil Altındere, Heimrad Bäcker, Mária Bartuszová, Geta Brătescu, Dimitrije Bašičević Mangelos, Stano Filko, Oliver Frljić, Ivan Ladislav Galeta, Marcus Geiger, Nina Gojić, Tomislav Gotovac, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Běla Kolářová, Július Koller, Ivan Kožarić, Edward Krasiński, Friedl Kubelka, KwieKulik, Katalin Ladik, Dezső Magyar, Karel Malich, Vlado Martek, Dalibor Martinis, Dora Maurer, Jan Mlčoch, Paul Neagu, Roman Ondák, Goran Petercol, Hans Scheirl, Mladen Stilinović, Petr Štembera, Slaven Tolj, Goran Trbuljak and Wu Tsang.

Curated by What, How & for Whom/WHW in collaboration with Kathrin Rhomberg

My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) takes its title from a work by Mladen Stilinović (1947–2016), to whom the overall project is dedicated. Stilinović's lifelong anti-systemic approach, his quiet but shrewd rebellion against social and artistic conventions, and his artistic practice—which trenchantly and humorously engages with complex themes of ideology, work, money, pain, and poverty—inspired a generation of artists worldwide.

The project takes as its point of departure works from the Kontakt Art Collection, which is based in Vienna and was founded in 2004. Today, the collection includes seminal works by a number of the most prominent artists from Central, Eastern, and Southeast Europe, works created since the 1960s and selected over the years by the members of its advisory committee, which includes Silvia Eiblmayr, Georg Schöllhammer, Jiří Ševčík, Branka Stipančić and Adam Szymczyk. As such, it is a crucial source for research pertaining to the art history of the region, but also a suitable starting point from which to critically approach the very notion of Eastern European Art as a shorthand for the geopolitical paradigm and ideological framework in which it is situated, as well as to examine the mechanisms by which local material is filtered up to international prominence within new circuits of communication, distribution, and exchange in an art world that, since the fall of the Berlin Wall, has become internationalized according to models not unlike those of corporate internationalism.

The exhibition series My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) will stage an interplay of works from the Kontakt Art Collection with other historical, contemporary, and newly produced pieces that interpret and critically examine the collection. The project will interlace geographically and poetically heterogeneous artistic practices in order to challenge the collection as a finalized and ordered body of knowledge that strives to dislocate the Western modernist canon, only to find itself enmeshed in the formation of a “contemporary global canon.”

My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) will unfold over several months in Zagreb (November 2016 – May 2017) as six episodes that influence, contradict, and reinforce each other. Each of these will take place at a number of smaller art spaces, artists’ studios, private apartments, and other locations related to artistic production and the city of Zagreb’s broader cultural landscape. The project revisits the endeavors of artists like Geta Brătescu, Stano Filko, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Július Koller, Ewa Partum and Zofia Kulik to create art that subverted the impact of social norms and various degrees of state control, doing so in a survey that attempts to undermine fixed presentations and interpretations of their work that have dominated the international art circuits during the past few decades with more disorderly and experimental arrangements rooted in the cultural and artistic context of Zagreb.

In times of drastic funding cuts to the cultural sector and its increasing dependency on private money accumulated as a result of financial speculation that has wreaked havoc on social structures, dedicating the project to Mladen Stilinović also means relying on one of his typically astute observations: “All the money is dirty, all the money is ours,”—although there is something less than truthful about claiming to use it as knowingly as Mladen did. Even so, presenting the collection in a number of smaller institutional public, semi-public, and private spaces in Zagreb also represents a chance to create some leeway for wider dissemination of the emancipative content represented by artists’ historical achievements. Most of all, however, it is a chance to open up a playing field in which different criteria underlying the formulation of values, as well as different genealogies, might emerge via the paradoxical endeavor of simultaneously supplying imaginary solutions and revealing said solutions’ impossibility in the current predicament of art and life.

Text courtesy of What, How and For Whom

Image: Mladen Stilinović, My Sweet Little Lamb, 1993; Courtesy: Branka Stipančić

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Felices Fiestas
23/12/2016
El equipo de espaivisor os desea Felices Fiestas. La galería permanecerá cerrada del 24 de...El equipo de espaivisor os desea Felices Fiestas. La galería permanecerá cerrada del 24 de diciembre hasta el 1 de enero. Volvemos en 2017 con más ilusión y más proyectos.
Imagen: XIMO BERENGUER, Picanya 1946 † Canet de Mar 1978 EL MOLINO #31, 1974 - 1976 CORO DE BAILARINAS EN APOTEOSIS FINAL Fotografía a las sales de plata. Copia vintage 40 x 40 cm enmarcada
 
El equipo de espaivisor os desea Felices Fiestas. La galería permanecerá cerrada del 24 de diciembre hasta el 1 de enero. Volvemos en 2017 con más ilusión y más proyectos.
Imagen: XIMO BERENGUER, Picanya 1946 † Canet de Mar 1978 EL MOLINO #31, 1974 - 1976 CORO DE BAILARINAS EN APOTEOSIS FINAL Fotografía a las sales de plata. Copia vintage 40 x 40 cm enmarcada
 
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El artista Cabaio decora las persianas de espaivisor.
13/12/2016
Espaivisor se llena de color gracias a la intervención del art...

Espaivisor se llena de color gracias a la intervención del artista Cabaio en las persianas de la galería.

Muchas gracias a Santiago (Cabaio) por su gran trabajo y la dedicación.

¡Arte dentro y fuera de la galería!

Más imágenes.

Espaivisor se llena de color gracias a la intervención del artista Cabaio en las persianas de la galería.

Muchas gracias a Santiago (Cabaio) por su gran trabajo y la dedicación.

¡Arte dentro y fuera de la galería!

Más imágenes.

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ART IN EUROPE: 1945-1968. GROUP SHOW AT ZKM KARLSRUHE.
07/12/2016
Art in Europe: 1945 – 1968, The Cont...

Art in Europe: 1945 – 1968, The Continent that the EU does not know.

ZKM Karlsruhe

21 October 2016 – 29 January 2017

Together with the A. S. Puschkin-Museum, the ROSIZO in Moscow and the BOZAR in Brussels, the ZKM is organising the large-scale exhibition project entitled »Art in Europe 1945-1968: Facing the Future« – curated by Eckhart Gillen and Peter Weibel. The exhibition focuses on the connecting cultural forces on the Eurasian continent and takes into account a central cultural region, which has been repeatedly shattered and disrupted by wars and crises in the 20th century. The period of 1945 to 1968, which is highlighted in the exhibition, stands in many ways for artistic and political perspectives, which were forward-looking in contradictory ways. After the end of the Second World War in 1945, the political and cultural boundaries hardened increasingly, until a decisive turning point for shaping the future in European post-war history in the East and West was marked ultimately in 1968 through the Anti-American student revolts and the new Ostpolitik introduced by Willy Brandt.

For the first time since 1945, the concept of retrospectively tracing the history of art in the whole of Europe can now be realised. To date, the attention of historiography was largely focussed on abstract expressionism as a symbolisation of the free West, while the socialist realism embodied the conservatism of the Communist East. But today, we know that this dominant model of art history was a product of the Cold War. For this reason, the exhibition attempts to reinterpret the development of art in Europe from a pan-European perspective and accounts for a specific renaissance of European art and culture in the period of 1945 to 1968. Whilst the exhibition project brings together the neo avant-garde from the East and West, it becomes evident that many new art forms (produced after the war) – from media art to conceptual art, from performance art to sound art – originated in Europe or were formulated simultaneously in Western Europe, the USA, Russia and Eastern Europe in parallel developments.

With the collaborative efforts of three internationally-renowned museums, the exhibition unites approx. 500 loans from over 200 artists into a panorama of pan-European art development on both sides of the historic Iron Curtain.

At the ZKM, which is focussing on the experimental artistic developments of the 1950s and 1960s in one of its programme lines, the exhibition is experiencing independent prioritisation and expansion. Representatives of Western neo avant-garde – like the ZERO group – are now appearing at the ZKM for the first time in the context of new Eastern European and Russian trends that have developed in parallel – such as the Nove Tendencije and the Dvizhenie group.

A new narrative about Europe is developing with the exhibition and the catalogue accompanying it. The separation of Europe as a result of the Yalta Conference in 1945 and the resulting Cold War gravely impacted on both Eastern Europe and Western Europe. The fact that Western Europe accepted this separation until the fall of the Berlin Wall in 1989 amounts to auto-amputation. The exhibition aims to retrospectively bring closer together what grew apart and became distanced during the time of divided Europe and thus further suture the gaping cultural wound that still exists between Eastern and Western Europe. The image of this »suture« itself can be documented multiple times in the artistic manifestations from the time between 1945 and 1968.

This reunification of Eastern and Western Europe, as put into place by the exhibition in the name of art, not only closes a gap within art history. It should also be taken as an active pleading for Europe – to face the future. The exhibition contrasts the current economic and political accounts, which are propelling Europe towards the right and back into the former nationalism, with a committed, alternative narrative. It is the task of art to show alternatives and facilitate change.

Artists: Tomislav Gotovac, Braco Dimitrijević, Tamás Szentjóby, Endre Tót,...

Further information: ZKM Karlsruhe.

Art in Europe: 1945 – 1968, The Continent that the EU does not know.

ZKM Karlsruhe

21 October 2016 – 29 January 2017

Together with the A. S. Puschkin-Museum, the ROSIZO in Moscow and the BOZAR in Brussels, the ZKM is organising the large-scale exhibition project entitled »Art in Europe 1945-1968: Facing the Future« – curated by Eckhart Gillen and Peter Weibel. The exhibition focuses on the connecting cultural forces on the Eurasian continent and takes into account a central cultural region, which has been repeatedly shattered and disrupted by wars and crises in the 20th century. The period of 1945 to 1968, which is highlighted in the exhibition, stands in many ways for artistic and political perspectives, which were forward-looking in contradictory ways. After the end of the Second World War in 1945, the political and cultural boundaries hardened increasingly, until a decisive turning point for shaping the future in European post-war history in the East and West was marked ultimately in 1968 through the Anti-American student revolts and the new Ostpolitik introduced by Willy Brandt.

For the first time since 1945, the concept of retrospectively tracing the history of art in the whole of Europe can now be realised. To date, the attention of historiography was largely focussed on abstract expressionism as a symbolisation of the free West, while the socialist realism embodied the conservatism of the Communist East. But today, we know that this dominant model of art history was a product of the Cold War. For this reason, the exhibition attempts to reinterpret the development of art in Europe from a pan-European perspective and accounts for a specific renaissance of European art and culture in the period of 1945 to 1968. Whilst the exhibition project brings together the neo avant-garde from the East and West, it becomes evident that many new art forms (produced after the war) – from media art to conceptual art, from performance art to sound art – originated in Europe or were formulated simultaneously in Western Europe, the USA, Russia and Eastern Europe in parallel developments.

With the collaborative efforts of three internationally-renowned museums, the exhibition unites approx. 500 loans from over 200 artists into a panorama of pan-European art development on both sides of the historic Iron Curtain.

At the ZKM, which is focussing on the experimental artistic developments of the 1950s and 1960s in one of its programme lines, the exhibition is experiencing independent prioritisation and expansion. Representatives of Western neo avant-garde – like the ZERO group – are now appearing at the ZKM for the first time in the context of new Eastern European and Russian trends that have developed in parallel – such as the Nove Tendencije and the Dvizhenie group.

A new narrative about Europe is developing with the exhibition and the catalogue accompanying it. The separation of Europe as a result of the Yalta Conference in 1945 and the resulting Cold War gravely impacted on both Eastern Europe and Western Europe. The fact that Western Europe accepted this separation until the fall of the Berlin Wall in 1989 amounts to auto-amputation. The exhibition aims to retrospectively bring closer together what grew apart and became distanced during the time of divided Europe and thus further suture the gaping cultural wound that still exists between Eastern and Western Europe. The image of this »suture« itself can be documented multiple times in the artistic manifestations from the time between 1945 and 1968.

This reunification of Eastern and Western Europe, as put into place by the exhibition in the name of art, not only closes a gap within art history. It should also be taken as an active pleading for Europe – to face the future. The exhibition contrasts the current economic and political accounts, which are propelling Europe towards the right and back into the former nationalism, with a committed, alternative narrative. It is the task of art to show alternatives and facilitate change.

Artists: Tomislav Gotovac, Braco Dimitrijević, Tamás Szentjóby, Endre Tót,...

Further information: ZKM Karlsruhe.

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PATRICIA GÓMEZ & Mª JESÚS GONZÁLEZ. À TOUS LES CLANDESTINS. MUSEO DE TERUEL
16/11/2016
Patricia Gómez y Mª Jesús González. ...

Patricia Gómez y Mª Jesús González.

À TOUS LES CLANDESTINS

Museo de Teruel. 

Plaza Anselmo Polanco, 3. Teruel

17 de noviembre de 2016 - 15 de enero de 2017

Inauguración: 17 de noviembre a las 20:00 horas

El Museo de Teruel presenta en esta exposición el proyecto premiado con una de las Becas Endesa de Artes Plásticas que otorgaron la Fundación Endesa y la Diputación de Teruel en su XIII Convocatoria (2013-2015) al colectivo formado por M.ª Jesús González y Patricia Gómez. Cuatro de las obras realizadas para la exposición pasarán a formar parte de las colecciones estables de la Sección de Arte Contemporáneo del Museo de Teruel y del fondo artístico de la Fundación Endesa.

El proyecto parte de una línea de investigación iniciada en 2002 por Patricia y Mª Jesús sobre la recuperación de diferentes lugares marcados por el paso del tiempo y el abandono, centrados en la documentación y captura de los rastros y huellas impresos sobre los muros de lugares de reclusión y privación de libertad: "A partir de los diferentes proyectos llevados a cabo en los últimos años he­mos podido comprobar cómo los muros de estos lugares, cargados de huellas y mensajes escritos, han funcionado como los soportes de pensamiento de los que por allí pasaron, hasta que una vez desocu­pados, se han convertido en los únicos testigos de una realidad, muchas veces invisible y alejada de la cotidianidad de nuestras sociedades libres contemporáneas."

En este proyecto se aborda el fenómeno contemporáneo de las migraciones, enfocándose en la ruta que parte desde las costas occidentales africanas a Canarias, una de más significativas e intensas durante los últimos años, y que en la actualidad se encuentra prácticamente desactivada, pero cuyas huellas es posible rastrear a través de los testimonios escritos que muchas personas migrantes dejaron sobre las paredes de los lugares donde permanecieron retenidas. Su punto de partida es una serie de artículos periodísticos e informes de organizaciones humanitarias publicados entre 2004-2010 que hablaban de la multitud de mensajes y dibujos dejados sobre los muros de algunos centros de internamiento, como “El Matorral” en Fuerteventura y el de Nouadhibou (Mauritania), y que hacían alusión, sobretodo, a la experiencia del viaje, sus motivaciones y anhelos.

Estos dos centros en concreto, que se corresponden con los principales puntos de salida y de llegada de la ruta, fueron habilitados, junto a muchos otros, en 2006 durante la llamada “crisis de los cayucos” debido al creciente flujo migratorio que desde las costas mauritanas llegaba a Canarias, pero en la actualidad, se encuentran cerrados y vacíos, aunque se mantienen custodiados.

El objetivo del proyecto ha consistido en rescatar y documentar, por medio de la estampación mural, la fotografía y el vídeo, las huellas escritas que los hombres y mujeres en tránsito fueron dejando a su paso, y ser así un homenaje a su memoria.

Texto y más información en : Museo de Teruel.

Patricia Gómez y Mª Jesús González.

À TOUS LES CLANDESTINS

Museo de Teruel. 

Plaza Anselmo Polanco, 3. Teruel

17 de noviembre de 2016 - 15 de enero de 2017

Inauguración: 17 de noviembre a las 20:00 horas

El Museo de Teruel presenta en esta exposición el proyecto premiado con una de las Becas Endesa de Artes Plásticas que otorgaron la Fundación Endesa y la Diputación de Teruel en su XIII Convocatoria (2013-2015) al colectivo formado por M.ª Jesús González y Patricia Gómez. Cuatro de las obras realizadas para la exposición pasarán a formar parte de las colecciones estables de la Sección de Arte Contemporáneo del Museo de Teruel y del fondo artístico de la Fundación Endesa.

El proyecto parte de una línea de investigación iniciada en 2002 por Patricia y Mª Jesús sobre la recuperación de diferentes lugares marcados por el paso del tiempo y el abandono, centrados en la documentación y captura de los rastros y huellas impresos sobre los muros de lugares de reclusión y privación de libertad: "A partir de los diferentes proyectos llevados a cabo en los últimos años he­mos podido comprobar cómo los muros de estos lugares, cargados de huellas y mensajes escritos, han funcionado como los soportes de pensamiento de los que por allí pasaron, hasta que una vez desocu­pados, se han convertido en los únicos testigos de una realidad, muchas veces invisible y alejada de la cotidianidad de nuestras sociedades libres contemporáneas."

En este proyecto se aborda el fenómeno contemporáneo de las migraciones, enfocándose en la ruta que parte desde las costas occidentales africanas a Canarias, una de más significativas e intensas durante los últimos años, y que en la actualidad se encuentra prácticamente desactivada, pero cuyas huellas es posible rastrear a través de los testimonios escritos que muchas personas migrantes dejaron sobre las paredes de los lugares donde permanecieron retenidas. Su punto de partida es una serie de artículos periodísticos e informes de organizaciones humanitarias publicados entre 2004-2010 que hablaban de la multitud de mensajes y dibujos dejados sobre los muros de algunos centros de internamiento, como “El Matorral” en Fuerteventura y el de Nouadhibou (Mauritania), y que hacían alusión, sobretodo, a la experiencia del viaje, sus motivaciones y anhelos.

Estos dos centros en concreto, que se corresponden con los principales puntos de salida y de llegada de la ruta, fueron habilitados, junto a muchos otros, en 2006 durante la llamada “crisis de los cayucos” debido al creciente flujo migratorio que desde las costas mauritanas llegaba a Canarias, pero en la actualidad, se encuentran cerrados y vacíos, aunque se mantienen custodiados.

El objetivo del proyecto ha consistido en rescatar y documentar, por medio de la estampación mural, la fotografía y el vídeo, las huellas escritas que los hombres y mujeres en tránsito fueron dejando a su paso, y ser así un homenaje a su memoria.

Texto y más información en : Museo de Teruel.

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JOAN FONTCUBERTA. PAREIDOLIA. MUSEO DE ARTE BANCO DE LA REPÚBLICA
10/11/2016
PAREIDOLIA. JOAN FONTCUBERTA ...

PAREIDOLIA. JOAN FONTCUBERTA

Comisario: Mira Bernabeu.

Museo de Arte del Banco de la República.

Del 10 de noviembre de 2016 al 27 de febrero de 2017

Pareidolia es una exposición antológica del artista catalán Joan Fontcuberta (1955) en la que por medio de cinco series emblemáticas de su trabajo: Herbarium, Fauna, Constelaciones, Sputnik y Milagros & Co., se propone una reflexión sobre la naturaleza de la obra del artista y sus estrategias de construcción del engaño y de manipulación de nuestra credulidad ante las imágenes.

Al referirse en su título a la pareidolia -esa tendencia a asociar imágenes o sonidos ante el estímulo producido por un fenómeno o una presencia anónima, real y cotidiana como, por ejemplo, encontrar las formas conocidas de un rostro o la silueta de un animal en las nubes o en la cima de una montaña- la curaduría propone una reflexión crítica sobre los mecanismos de la verdad, ya sea a partir de la subversión del valor informativo de la imagen fotográfica o de la deconstrucción de los discursos de poder, científicos, históricos, culturales o artísticos.

La obra de Joan Fontcuberta conforma un reactivo a la anestesia visual de nuestra época. Pedagogo de la visión, el artista presenta en esta ocasión un cuerpo de obra coherente, revelador de nuestras pequeñas patologías visuales, que a semejanza de la pareidolia, alteran insidiosamente nuestra percepción cotidiana del mundo.

Más información: Museo de Arte del Banco de la República.

PAREIDOLIA. JOAN FONTCUBERTA

Comisario: Mira Bernabeu.

Museo de Arte del Banco de la República.

Del 10 de noviembre de 2016 al 27 de febrero de 2017

Pareidolia es una exposición antológica del artista catalán Joan Fontcuberta (1955) en la que por medio de cinco series emblemáticas de su trabajo: Herbarium, Fauna, Constelaciones, Sputnik y Milagros & Co., se propone una reflexión sobre la naturaleza de la obra del artista y sus estrategias de construcción del engaño y de manipulación de nuestra credulidad ante las imágenes.

Al referirse en su título a la pareidolia -esa tendencia a asociar imágenes o sonidos ante el estímulo producido por un fenómeno o una presencia anónima, real y cotidiana como, por ejemplo, encontrar las formas conocidas de un rostro o la silueta de un animal en las nubes o en la cima de una montaña- la curaduría propone una reflexión crítica sobre los mecanismos de la verdad, ya sea a partir de la subversión del valor informativo de la imagen fotográfica o de la deconstrucción de los discursos de poder, científicos, históricos, culturales o artísticos.

La obra de Joan Fontcuberta conforma un reactivo a la anestesia visual de nuestra época. Pedagogo de la visión, el artista presenta en esta ocasión un cuerpo de obra coherente, revelador de nuestras pequeñas patologías visuales, que a semejanza de la pareidolia, alteran insidiosamente nuestra percepción cotidiana del mundo.

Más información: Museo de Arte del Banco de la República.

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LOTHAR BAUMGARTEN.
03/11/2016
 LOTHAR BAUMGARTEN ...

 LOTHAR BAUMGARTEN

EL BARCO SE HUNDE, EL HIELO SE RESQUEBRAJA

THE SHIP IS GOING UNDER, THE ICE IS BREAKING TROUGH

3 noviembre, 2016 - 16 abril, 2017 

Palacio de Cristal, Parque del Retiro. Madrid.

El barco se hunde, el hielo se resquebraja (The ship is going under, the ice is breaking through), la pieza sonora de dos horas que ha concebido de forma específica para el Palacio de Cristal del Parque del Retiro sería la última escala de este proceso. Baumgarten, que durante cuatro décadas ha trabajado con paisajes sonoros, se centra en la fragilidad de la estructura de cristal abovedada de este edificio del siglo XIX para crear una escultura sonora a partir de una serie de grabaciones en audio, realizadas entre 2001 y 2005, del deshielo de las orillas del río Hudson en el norte del Estado de Nueva York. Gracias a un meticuloso trabajo de edición y montaje espacial y secuencial, logra generar la ilusión de que lo que se está resquebrajando es la propia bóveda del Palacio de Cristal. Un edificio que -y esto es algo que a este artista, cuyos proyectos siempre tienen muy en cuenta las arquitecturas y casuísticas concretas de los lugares en los que se desarrollan, le interesa resaltar- está estrechamente vinculado con la historia colonial: fue construido en 1887 con motivo de la Exposición General de las Islas Filipinas, una de las últimas colonias españolas de "ultramar".

Texto y más información en : Museo Reina Sofía

 LOTHAR BAUMGARTEN

EL BARCO SE HUNDE, EL HIELO SE RESQUEBRAJA

THE SHIP IS GOING UNDER, THE ICE IS BREAKING TROUGH

3 noviembre, 2016 - 16 abril, 2017 

Palacio de Cristal, Parque del Retiro. Madrid.

El barco se hunde, el hielo se resquebraja (The ship is going under, the ice is breaking through), la pieza sonora de dos horas que ha concebido de forma específica para el Palacio de Cristal del Parque del Retiro sería la última escala de este proceso. Baumgarten, que durante cuatro décadas ha trabajado con paisajes sonoros, se centra en la fragilidad de la estructura de cristal abovedada de este edificio del siglo XIX para crear una escultura sonora a partir de una serie de grabaciones en audio, realizadas entre 2001 y 2005, del deshielo de las orillas del río Hudson en el norte del Estado de Nueva York. Gracias a un meticuloso trabajo de edición y montaje espacial y secuencial, logra generar la ilusión de que lo que se está resquebrajando es la propia bóveda del Palacio de Cristal. Un edificio que -y esto es algo que a este artista, cuyos proyectos siempre tienen muy en cuenta las arquitecturas y casuísticas concretas de los lugares en los que se desarrollan, le interesa resaltar- está estrechamente vinculado con la historia colonial: fue construido en 1887 con motivo de la Exposición General de las Islas Filipinas, una de las últimas colonias españolas de "ultramar".

Texto y más información en : Museo Reina Sofía

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BRACO DIMITRIJEVIC. “MY BERLIN YEARS” AT DANIEL MARZONA GALLERY
28/10/2016
BRACO DIMITRIJEVIC. MY BERLIN YEARS. D...

BRACO DIMITRIJEVIC. MY BERLIN YEARS. Daniel Marzona. Friedrichstrasse 17 D-10969 Berlin

Opening Friday, October 28, 6–9 pm

Exhibition October 29, 2016 – January 7, 2017

Braco Dimitrijević arrived in Berlin as one of the DAAD guests in 1976 along with On Kawara, Malcolm Morley, Dan Graham, Yvonne Rainer, among others. Coming to grips with Berlin, which at that time was surrounded by a wall and packed with War World II memories, was hard for a young man who grew up in post war Yugoslavia. But after an initial period of getting accustomed to the city, a process in which René Block Galerie played an important role, Berlin proved to be a great inspiration for the artist during an extremely prolific period in his career.

Invited by René Block for a solo exhibition in his gallery on Schaperstrase, in September of 1976, Dimitrijević realized an important public work when he hung a blown up portrait of a woman, a Casual-Passer-By, on the facade of the Hochschule der Künste on Steinplatz. Dimitrijević was already internationally known for similar works, which were realized in Paris, Naples, Zagreb, Venice and in Kassel for documenta 5 in 1972.

That same year another very important cycle of Braco Dimitrijević’s oeuvre started in Berlin. For the first time he was given permission to make installations incorporating original master works from a museum, the Berlin Neue Nationalgalerie, which offered paintings by Mondrian, Kandinsky, Picasso, Manet. In these works with the generic title Triptychos Post Historicus the artist confronts and unites high art, everyday life and nature, changing forever the relationship between the museum collection and the contemporary artist by using existing art works as ‘ready mades’ and as starting points for creating other works of art. Triptychos Post Historicus marked a new departure not only in Dimitrijević’s oeuvre but proved to be prophetic for the ‘appropriation’ tendency which started in the 1980s, as well as being a catalyst for changing curators' attitudes towards art historical chronology.

Berlin, being a city full of historical references, was also an inspiration for a series of photographic pieces titled This Could be a Place of Historical Interest, which were later shown at documenta 6. Paradoxically, these photographs of anonymous sites don’t possess any historical grandeur, but they efficiently question the notion of ‘historical importance’.

The most spectacular work Braco Dimitrijević realized in Berlin is the monument in the garden of the Schloss Charlottenburg. The project, which he initiated during his stay in the city in 1976, was completed in 1979 with the financial assistance of the Berlin Senat, Berlin Lottery, DAAD and Schloss Chalottenburg. It is a 10 meter high, white Carrara marble obelisk, erected in honour of Peter Malwitz’s birthday, a ‘regular’ person that the artist met by chance. Dimitrijević dedicated the obelisk to this passerby's date of birth by engraving with gilded letters in four languages 11 March – This Could be a Day of Historical Importance. This ‘obelisk beyond history’, as the artist put it, is the most monumental conceptual art work ever made. Today visitors can find this monument at the end of the Schloss Charlottenburg garden, still bearing witness to an era when the most adventurous art projects were possible.

Daniel Marzona will present an important selection of Braco Dimitrijević’s work from this period.

Braco Dimitrijević was born in Sarajevo in 1948. From 1968 to 1971 he studied at the Academy of Fine Arts in Zagreb; 1971-1973 post graduate studies at St Martin’s School of Art in London. He received the Major Award of Arts Council of Great Britain in 1978. In 1993 he was made Chevalier des Arts et de Lettres in France. He lives in Paris.

Braco Dimitrijević has had 160 solo exhibitions around the globe including shows at Tate Gallery, London; Ludwig Museum, Cologne; Israel Museum, Jerusalem; MUMOK, Vienna; Russian State Museum, St. Petersburg etc. This year the major retrospective of his work was held at GAM (Museum of Modern Art) in Turin.

The long list of group exhibitions also includes three participations in documenta in Kassel (1972, 1977 and 1992), five participations in Venice Biennale (1976, 1982, 1990, 1993, 2009), São Paulo Biennale, ‘Rhetorical Image’ at the New Museum, New York, “Magiciens de la Terre” at Centre G. Pompidou in Paris etc. This year he took part in “Conceptual Art in Britain” Tate Gallery London, “Transmissions” Museum of Modern Art New York. Currently he is exhibiting at ZKM Karlsruhe in “Art in Europe 1945-1968”.

Dimitrijevic’s works are in 80 public collections including Tate Gallery, London; Museum of Modern Art, New York; Musee National d’Art Moderne Centre Georges Pompidou, Paris; Museum Ludwig, Cologne etc.

Further information: http://www.danielmarzona.com/

Photo: Braco Dimitrijević: Casual passer-by I met at 2.25 PM, Berlin, 1976

BRACO DIMITRIJEVIC. MY BERLIN YEARS. Daniel Marzona. Friedrichstrasse 17 D-10969 Berlin

Opening Friday, October 28, 6–9 pm

Exhibition October 29, 2016 – January 7, 2017

Braco Dimitrijević arrived in Berlin as one of the DAAD guests in 1976 along with On Kawara, Malcolm Morley, Dan Graham, Yvonne Rainer, among others. Coming to grips with Berlin, which at that time was surrounded by a wall and packed with War World II memories, was hard for a young man who grew up in post war Yugoslavia. But after an initial period of getting accustomed to the city, a process in which René Block Galerie played an important role, Berlin proved to be a great inspiration for the artist during an extremely prolific period in his career.

Invited by René Block for a solo exhibition in his gallery on Schaperstrase, in September of 1976, Dimitrijević realized an important public work when he hung a blown up portrait of a woman, a Casual-Passer-By, on the facade of the Hochschule der Künste on Steinplatz. Dimitrijević was already internationally known for similar works, which were realized in Paris, Naples, Zagreb, Venice and in Kassel for documenta 5 in 1972.

That same year another very important cycle of Braco Dimitrijević’s oeuvre started in Berlin. For the first time he was given permission to make installations incorporating original master works from a museum, the Berlin Neue Nationalgalerie, which offered paintings by Mondrian, Kandinsky, Picasso, Manet. In these works with the generic title Triptychos Post Historicus the artist confronts and unites high art, everyday life and nature, changing forever the relationship between the museum collection and the contemporary artist by using existing art works as ‘ready mades’ and as starting points for creating other works of art. Triptychos Post Historicus marked a new departure not only in Dimitrijević’s oeuvre but proved to be prophetic for the ‘appropriation’ tendency which started in the 1980s, as well as being a catalyst for changing curators' attitudes towards art historical chronology.

Berlin, being a city full of historical references, was also an inspiration for a series of photographic pieces titled This Could be a Place of Historical Interest, which were later shown at documenta 6. Paradoxically, these photographs of anonymous sites don’t possess any historical grandeur, but they efficiently question the notion of ‘historical importance’.

The most spectacular work Braco Dimitrijević realized in Berlin is the monument in the garden of the Schloss Charlottenburg. The project, which he initiated during his stay in the city in 1976, was completed in 1979 with the financial assistance of the Berlin Senat, Berlin Lottery, DAAD and Schloss Chalottenburg. It is a 10 meter high, white Carrara marble obelisk, erected in honour of Peter Malwitz’s birthday, a ‘regular’ person that the artist met by chance. Dimitrijević dedicated the obelisk to this passerby's date of birth by engraving with gilded letters in four languages 11 March – This Could be a Day of Historical Importance. This ‘obelisk beyond history’, as the artist put it, is the most monumental conceptual art work ever made. Today visitors can find this monument at the end of the Schloss Charlottenburg garden, still bearing witness to an era when the most adventurous art projects were possible.

Daniel Marzona will present an important selection of Braco Dimitrijević’s work from this period.

Braco Dimitrijević was born in Sarajevo in 1948. From 1968 to 1971 he studied at the Academy of Fine Arts in Zagreb; 1971-1973 post graduate studies at St Martin’s School of Art in London. He received the Major Award of Arts Council of Great Britain in 1978. In 1993 he was made Chevalier des Arts et de Lettres in France. He lives in Paris.

Braco Dimitrijević has had 160 solo exhibitions around the globe including shows at Tate Gallery, London; Ludwig Museum, Cologne; Israel Museum, Jerusalem; MUMOK, Vienna; Russian State Museum, St. Petersburg etc. This year the major retrospective of his work was held at GAM (Museum of Modern Art) in Turin.

The long list of group exhibitions also includes three participations in documenta in Kassel (1972, 1977 and 1992), five participations in Venice Biennale (1976, 1982, 1990, 1993, 2009), São Paulo Biennale, ‘Rhetorical Image’ at the New Museum, New York, “Magiciens de la Terre” at Centre G. Pompidou in Paris etc. This year he took part in “Conceptual Art in Britain” Tate Gallery London, “Transmissions” Museum of Modern Art New York. Currently he is exhibiting at ZKM Karlsruhe in “Art in Europe 1945-1968”.

Dimitrijevic’s works are in 80 public collections including Tate Gallery, London; Museum of Modern Art, New York; Musee National d’Art Moderne Centre Georges Pompidou, Paris; Museum Ludwig, Cologne etc.

Further information: http://www.danielmarzona.com/

Photo: Braco Dimitrijević: Casual passer-by I met at 2.25 PM, Berlin, 1976

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MIRA BERNABEU.“ABREVIACIONES MISE EN SCÈNE 1996 – 2016”. GALERÍA EL MUSEO.
21/10/2016
Mira BERNABEU “ABREVIAC...

Mira BERNABEU

“ABREVIACIONES MISE EN SCÈNE 1996 – 2016”

 

Abreviaciones, Mise en Scène, 1994 – 2016, es la primera exposición del artista Mira Bernabeu (Valencia, España, 1969) en la Galería El Museo. Es la primera vez que se presenta una selección cronológica de las diferentes series que constituyen su obra, todas ellas de pequeño formato. El artista ha seleccionado entre dos y tres imágenes de cada una de las series desarrolladas desde el principio de su trayectoria hasta la actualidad. Si bien cada uno de estos trabajos está pensado para ser compuesto de instalaciones, videos, objetos y fotografías, para esta ocasión, el artista prefirió centrar su atención únicamente en imágenes fotográficas con las cuales crea un proyecto que presenta el universo que meticulosamente ha construido desde hace más de veinte años.

Mira Bernabeu trabaja dos partes diferenciadas en su producción plástica: la participación-reacción del espectador ante los temas sociales que aborda, y la belleza estética-compositiva de la obra de arte. La convivencia en armonía de estos dos aspectos, dota su obra de un carácter único. Sus obras interesan no sólo por su concepción estética sino también por su faceta social, su interés por analizar psicológicamente al ser humano y la forma en la que nos relacionamos con los demás. Parece que la sociedad tal y como la entendemos hoy en día no ha cambiado mucho respecto a otras épocas. Creemos que hemos evolucionado y que somos más desarrollados que nuestros antecesores, pero los males sociales se repiten una y otra vez como la piedra que empuja Sísifo en el infierno. En el libro escrito por Erich Fromm La revolución de la esperanza, el autor nos invita a reflexionar en torno a los valores humanos perdidos de la sociedad occidental, pero con la esperanza de llegar a un punto de luz. La obra de Mira Bernabeu intenta que el espectador no se quede impune ante estas circunstancias y procede a interrogar, ¿por qué la sociedad ha degenerado en una actitud de individualismo y consumismo?, ¿estamos en la era del “show off?, ¿por qué esa hipocresía en torno a temas tabú como el sexo y la muerte?, ¿cuáles son las preocupaciones y los miedos del ser humano? Sus obras se plantean como un fiel reflejo de la situación social, económica, cultural y política de la época.

Bernabeu estudia al individuo desde un punto de vista antropológico, siempre desde las posibilidades que le ofrece el arte. Pone el acento en un análisis teatralizado del ser humano a través de sus retratos de grupo; puestas en escena en las que confluyen valores morales, religiosos, teorías psicoanalíticas y educacionales, en escenarios desnudos y tenebrosos a modo de performance. Todo ello acompañado por una exhaustiva selección de títulos que acompañan cada una de sus series, y que las dotan de una intencionalidad concreta: En círculo, Perdidos en el espacio, Dulces sueños, Los milagros del cuerpo, El hueco del espectáculo, Panorama doméstico, Panorama de rehabilitación, Panorama social, Panorama de bienes y servicios, etc.

Mira Bernabeu retoma el testigo al otorgar al espectador el total protagonismo de la creación artística. Pero el artista no intenta que sus obras sean una mera exposición donde el espectador se dedique a observar el trabajo mostrado, sino que busca su participación física e intelectual ante lo presentado. El público se introducirá, de una manera inconsciente, en un laberinto de ideas presentadas ante él, a través de los distintos medios utilizados para su materialización. Al final, el espectador puede adoptar en algunas ocasiones un papel de voyeur, y en otras, de actor.

Más información: Galería El Museo.

Mira BERNABEU

“ABREVIACIONES MISE EN SCÈNE 1996 – 2016”

 

Abreviaciones, Mise en Scène, 1994 – 2016, es la primera exposición del artista Mira Bernabeu (Valencia, España, 1969) en la Galería El Museo. Es la primera vez que se presenta una selección cronológica de las diferentes series que constituyen su obra, todas ellas de pequeño formato. El artista ha seleccionado entre dos y tres imágenes de cada una de las series desarrolladas desde el principio de su trayectoria hasta la actualidad. Si bien cada uno de estos trabajos está pensado para ser compuesto de instalaciones, videos, objetos y fotografías, para esta ocasión, el artista prefirió centrar su atención únicamente en imágenes fotográficas con las cuales crea un proyecto que presenta el universo que meticulosamente ha construido desde hace más de veinte años.

Mira Bernabeu trabaja dos partes diferenciadas en su producción plástica: la participación-reacción del espectador ante los temas sociales que aborda, y la belleza estética-compositiva de la obra de arte. La convivencia en armonía de estos dos aspectos, dota su obra de un carácter único. Sus obras interesan no sólo por su concepción estética sino también por su faceta social, su interés por analizar psicológicamente al ser humano y la forma en la que nos relacionamos con los demás. Parece que la sociedad tal y como la entendemos hoy en día no ha cambiado mucho respecto a otras épocas. Creemos que hemos evolucionado y que somos más desarrollados que nuestros antecesores, pero los males sociales se repiten una y otra vez como la piedra que empuja Sísifo en el infierno. En el libro escrito por Erich Fromm La revolución de la esperanza, el autor nos invita a reflexionar en torno a los valores humanos perdidos de la sociedad occidental, pero con la esperanza de llegar a un punto de luz. La obra de Mira Bernabeu intenta que el espectador no se quede impune ante estas circunstancias y procede a interrogar, ¿por qué la sociedad ha degenerado en una actitud de individualismo y consumismo?, ¿estamos en la era del “show off?, ¿por qué esa hipocresía en torno a temas tabú como el sexo y la muerte?, ¿cuáles son las preocupaciones y los miedos del ser humano? Sus obras se plantean como un fiel reflejo de la situación social, económica, cultural y política de la época.

Bernabeu estudia al individuo desde un punto de vista antropológico, siempre desde las posibilidades que le ofrece el arte. Pone el acento en un análisis teatralizado del ser humano a través de sus retratos de grupo; puestas en escena en las que confluyen valores morales, religiosos, teorías psicoanalíticas y educacionales, en escenarios desnudos y tenebrosos a modo de performance. Todo ello acompañado por una exhaustiva selección de títulos que acompañan cada una de sus series, y que las dotan de una intencionalidad concreta: En círculo, Perdidos en el espacio, Dulces sueños, Los milagros del cuerpo, El hueco del espectáculo, Panorama doméstico, Panorama de rehabilitación, Panorama social, Panorama de bienes y servicios, etc.

Mira Bernabeu retoma el testigo al otorgar al espectador el total protagonismo de la creación artística. Pero el artista no intenta que sus obras sean una mera exposición donde el espectador se dedique a observar el trabajo mostrado, sino que busca su participación física e intelectual ante lo presentado. El público se introducirá, de una manera inconsciente, en un laberinto de ideas presentadas ante él, a través de los distintos medios utilizados para su materialización. Al final, el espectador puede adoptar en algunas ocasiones un papel de voyeur, y en otras, de actor.

Más información: Galería El Museo.

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JOAN FONTCUBERTA EN LA EXPOSICIÓN COLECTIVA “FAKE. NO ES VERDAD, NO ES MENTIRA” EN EL IVAM
20/10/2016
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HUELLAS. HUMBERTO RIVAS EN EL ARXIU FOTOGRÀFIC DE BARCELONA.
19/10/2016
HUELLAS ...

HUELLAS

HUMBERTO RIVAS

20/10/2016 - 08/04/2017

El Arxiu Fotogràfic de Barcelona presenta a partir del 20 de octubre de 2016, la exposición Huellas. Humberto Rivas integrada por 53 fotografías realizadas entre 1995 y 2005 que rastrean la geografía buscando escenarios y individuos vinculados a la Guerra Civil. La colección Huellas ingresó en el Arxiu Fotogràfic en el año 2009.

 Arxiu Fotogràfic de Barcelona. 

Plaça de Pons i Clerch, 2, 2a. planta, 08003, Barcelona

HUELLAS

HUMBERTO RIVAS

20/10/2016 - 08/04/2017

El Arxiu Fotogràfic de Barcelona presenta a partir del 20 de octubre de 2016, la exposición Huellas. Humberto Rivas integrada por 53 fotografías realizadas entre 1995 y 2005 que rastrean la geografía buscando escenarios y individuos vinculados a la Guerra Civil. La colección Huellas ingresó en el Arxiu Fotogràfic en el año 2009.

 Arxiu Fotogràfic de Barcelona. 

Plaça de Pons i Clerch, 2, 2a. planta, 08003, Barcelona

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NIL YALTER “OFF THE RECORD” AT ARTER ISTANBUL
11/10/2016
NIL YALTER. OFF THE RECORD ...

NIL YALTER. OFF THE RECORD

14/10/2016 -  15/01/2017

Curator: Eda Berkmen

Arter presents "Off the Record" by Nil Yalter between 14 October 2016 and 15 January 2017. Curated by Eda Berkmen, the exhibition is a thematic overview of Yalter's hybrid installations that combine painting, photography, writing, collage, performance, and video. Yalter's work explores individual's strategies for survival in the face of society's control mechanisms and norms, focusing on omitted facts, invisible people, enclosed places and repressed emotions. The exhibition title refers to these subjects that are denied a place in official histories.

Further information: ARTER- Space for Art.

   

NIL YALTER. OFF THE RECORD

14/10/2016 -  15/01/2017

Curator: Eda Berkmen

Arter presents "Off the Record" by Nil Yalter between 14 October 2016 and 15 January 2017. Curated by Eda Berkmen, the exhibition is a thematic overview of Yalter's hybrid installations that combine painting, photography, writing, collage, performance, and video. Yalter's work explores individual's strategies for survival in the face of society's control mechanisms and norms, focusing on omitted facts, invisible people, enclosed places and repressed emotions. The exhibition title refers to these subjects that are denied a place in official histories.

Further information: ARTER- Space for Art.

   
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A CHUPAR DEL BOTE, 1974 – 1976. XIMO BERENGUER.
30/09/2016
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XIMO BERENGUER. A CHUPAR DEL BOTE, 1974 - 1976. 30 septiembre - 18 noviembre 2016

Inauguración: 30 de septiembre de 17 a 22 horas. Con la colaboración de Cerveza Turia.

 

La historia de la fotografía sigue deparando sorpresas. Cuando creemos tenerlo todo bien cuadrado surge el archivo de un humilde jardinero (Charles Jones) que demostró su amor a las flores que cultivaba para un lord inglés en magníficas e ignoradas fotografías, o el descubrimiento de una niñera excéntrica (Vivian Maier) que expandió calladamente nuestra noción de street photography. Sin pretender cotejarlo a esos casos célebres, toca ahora recabar el reconocimiento que merece la figura de Ximo Berenguer (1946–1978), prácticamente olvidada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias.

Joven fotógrafo valenciano que frecuentó los cenáculos amateurs locales de su época, el talento soterrado de Ximo Berenguer empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966 a fin de iniciar estudios de fotografía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Brassaï, cuya obra descubrió en la biblioteca de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, como de algunos heterodoxos surgidos de esa entidad como Miserachs, Maspons o Colom, Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país. Sus imágenes pasaron entonces a “rehuir todo sentimentalismo superfluo para atrapar el alma fugaz de la historia”, según palabras de Josep Mª Casademont, director de la revista “Imagen y Sonido” y uno de sus más incondicionales mentores. El grupo AFAL y sobre todo Leopoldo Pomés –cuyo libro Les fenêtresactuó de revulsivo– constituyeron otras referencias claves: tanto fue así que a principios de 1973 el joven Berenguer se armó de valor, reunió un puñado de sus fotografías que consideraba “modernas” y fue a enseñárselas a su ídolo con ánimo de ganarse una plaza en su estudio como aprendiz. Con su primer sueldo se compraría la cámara Pentax SL que utilizó hasta el final de su vida.

En esa época se vinculó a los activos ambientes noctámbulos y contraculturales de la ciudad. Su espíritu contestatario y su condición homosexual le llevaron a congeniar con el grupo de los Ocaña, Nazario, Picarol, Mariscal, los hermanos Farriol y tantos otros protagonistas del underground barcelonés. Berenguer no vivió esa adscripción como una “militancia” sino como una relación de camaradería espontánea al compartir tugurios y marginalidad, que sin duda propulsaría la radicalidad de sus propuestas. El espíritu lumpen y libertario del grupo contrastaría con el glamour burgués de la gauche divine, hegemónica entonces como inteligencia local: sin ningún tipo de amarras, Berenguer y sus amigos solo aspiraban a la supervivencia y a la libertad.

El corpus del legado fotográfico de Berenguer que se ha recuperado es reducido, unos quince mil negativos y trescientos tirajes de época en diferentes formatos. Aquí se presenta una selección del trabajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Berenguer inició una relación con el bailarín cubano Negrito Poli, que había sido contratado como coreógrafo de “El Molino”. Por medio de ese contacto Berenguer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al local y de la intimidad con sus protagonistas. Casademont le alentó a acometer un reportaje en profundidad que le permitiera presentar una maqueta de libro para la colección “Palabra e Imagen” de Lumen, por la que ya habían transitado Masats, Ontañón, Maspons+Ubiña, Colita, etc.

Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra “A chupar del bote” y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, “Taxi al Molino”. Como era preceptivo en el teatro de variedades, el espectáculo se componía de una sucesión de números que indefectiblemente hacia desfilar a cantantes folclóricas, ilusionistas, cómicos, bailarinas burlesquestriptease, etc. aunque siempre el plato fuerte lo constituía la interacción entre los actores y el público, que se deleitaban enzarzándose en diálogos picantes. Muchas representaciones satirizaban situaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosis de toda la compañía sobre el escenario rindiendo pleitesía a las vedettes ataviadas con sus plumas y trajes de lentejuelas, y todos cantando “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo mejor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción. De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e intelectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios, y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refugio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban no muy lejos las consignas coreadas por los manifestantes o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.

Las fotografías de Berenguer devienen así rebanadas de vida, retratos de personajes entrañables como Johnson, La Maña, Christa Leem, Piper o Yvette René, salpicados con graffitis políticos reivindicando amnistía y estatuto de autonomía; instantáneas de una alegría contagiosa tamizada de humo y alcohol pero que vislumbran en el horizonte avisos de tragedia. Este proyecto documental es penetrante, intenso, visceral, no sale de los ojos sino de las entrañas. Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de la capacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a  la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo "cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor". Por imperativo del destino Berenguer lo hizo en un tiempo breve y lo hizo dos veces bueno.

Rafa Levenfeld

XIMO BERENGUER. A CHUPAR DEL BOTE, 1974 - 1976. 30 septiembre - 18 noviembre 2016

Inauguración: 30 de septiembre de 17 a 22 horas. Con la colaboración de Cerveza Turia.

 

La historia de la fotografía sigue deparando sorpresas. Cuando creemos tenerlo todo bien cuadrado surge el archivo de un humilde jardinero (Charles Jones) que demostró su amor a las flores que cultivaba para un lord inglés en magníficas e ignoradas fotografías, o el descubrimiento de una niñera excéntrica (Vivian Maier) que expandió calladamente nuestra noción de street photography. Sin pretender cotejarlo a esos casos célebres, toca ahora recabar el reconocimiento que merece la figura de Ximo Berenguer (1946–1978), prácticamente olvidada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias.

Joven fotógrafo valenciano que frecuentó los cenáculos amateurs locales de su época, el talento soterrado de Ximo Berenguer empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966 a fin de iniciar estudios de fotografía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Brassaï, cuya obra descubrió en la biblioteca de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, como de algunos heterodoxos surgidos de esa entidad como Miserachs, Maspons o Colom, Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país. Sus imágenes pasaron entonces a “rehuir todo sentimentalismo superfluo para atrapar el alma fugaz de la historia”, según palabras de Josep Mª Casademont, director de la revista “Imagen y Sonido” y uno de sus más incondicionales mentores. El grupo AFAL y sobre todo Leopoldo Pomés –cuyo libro Les fenêtresactuó de revulsivo– constituyeron otras referencias claves: tanto fue así que a principios de 1973 el joven Berenguer se armó de valor, reunió un puñado de sus fotografías que consideraba “modernas” y fue a enseñárselas a su ídolo con ánimo de ganarse una plaza en su estudio como aprendiz. Con su primer sueldo se compraría la cámara Pentax SL que utilizó hasta el final de su vida.

En esa época se vinculó a los activos ambientes noctámbulos y contraculturales de la ciudad. Su espíritu contestatario y su condición homosexual le llevaron a congeniar con el grupo de los Ocaña, Nazario, Picarol, Mariscal, los hermanos Farriol y tantos otros protagonistas del underground barcelonés. Berenguer no vivió esa adscripción como una “militancia” sino como una relación de camaradería espontánea al compartir tugurios y marginalidad, que sin duda propulsaría la radicalidad de sus propuestas. El espíritu lumpen y libertario del grupo contrastaría con el glamour burgués de la gauche divine, hegemónica entonces como inteligencia local: sin ningún tipo de amarras, Berenguer y sus amigos solo aspiraban a la supervivencia y a la libertad.

El corpus del legado fotográfico de Berenguer que se ha recuperado es reducido, unos quince mil negativos y trescientos tirajes de época en diferentes formatos. Aquí se presenta una selección del trabajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Berenguer inició una relación con el bailarín cubano Negrito Poli, que había sido contratado como coreógrafo de “El Molino”. Por medio de ese contacto Berenguer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al local y de la intimidad con sus protagonistas. Casademont le alentó a acometer un reportaje en profundidad que le permitiera presentar una maqueta de libro para la colección “Palabra e Imagen” de Lumen, por la que ya habían transitado Masats, Ontañón, Maspons+Ubiña, Colita, etc.

Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra “A chupar del bote” y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, “Taxi al Molino”. Como era preceptivo en el teatro de variedades, el espectáculo se componía de una sucesión de números que indefectiblemente hacia desfilar a cantantes folclóricas, ilusionistas, cómicos, bailarinas burlesquestriptease, etc. aunque siempre el plato fuerte lo constituía la interacción entre los actores y el público, que se deleitaban enzarzándose en diálogos picantes. Muchas representaciones satirizaban situaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosis de toda la compañía sobre el escenario rindiendo pleitesía a las vedettes ataviadas con sus plumas y trajes de lentejuelas, y todos cantando “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo mejor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción. De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e intelectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios, y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refugio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban no muy lejos las consignas coreadas por los manifestantes o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.

Las fotografías de Berenguer devienen así rebanadas de vida, retratos de personajes entrañables como Johnson, La Maña, Christa Leem, Piper o Yvette René, salpicados con graffitis políticos reivindicando amnistía y estatuto de autonomía; instantáneas de una alegría contagiosa tamizada de humo y alcohol pero que vislumbran en el horizonte avisos de tragedia. Este proyecto documental es penetrante, intenso, visceral, no sale de los ojos sino de las entrañas. Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de la capacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a  la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo "cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor". Por imperativo del destino Berenguer lo hizo en un tiempo breve y lo hizo dos veces bueno.

Rafa Levenfeld

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LUIS GONZÁLEZ PALMA EN EL MUSEO UNIVERSIDAD DE NAVARRA
29/09/2016
CONSTELACIONES DE LO INTANGIBLE. LUIS...

CONSTELACIONES DE LO INTANGIBLE. LUIS GONZÁLEZ PALMA

Museo Universidad de Navarra. Del 28 de septiembre de 2016 al 19 de marzo de 2017

Retrospectiva de la obra del fotógrafo Luis González Palma (Guatemala, 1957), articulada por medio constelaciones temáticas que abarcan su universo creativo y que cuenta con las piezas creadas entre 2014 y 2015 para el programa curatorial “Tender Puentes” del Museo Universidad de Navarra. La exposición está producida por la Fundación Telefónica.

A través de su trabajo, González Palma experimenta con las soluciones técnicas y formales de la fotografía, en una redefinición de los límites entre fotografía y pintura, influenciado por su formación como arquitecto y su acercamiento a la pintura religiosa, que generó también un interés por la abstracción.

En su obra podemos ver una serie de motivos recurrentes, entre los que destacan la importancia de la belleza, la reflexión sobre el poder y el concepto de imagen y su percepción por los demás. Plantea una reflexión sobre la mirada, reflejo de cómo vemos al otro y de cómo nos vemos a nosotros mismos, vinculada con la conciencia de no ser visto, y con el desasosiego que eso causa.

A través de su obra vemos una evolución desde conceptos vinculados a la identidad y la memoria hasta la convivencia de la abstracción y la figuración, porque para él ambas tienen un mismo fin, entender y dar sentido a la imagen, otra vez en relación a la mirada y a la captación no sólo del individuo, sino de la condición humana. Y en esta idea se enmarca la importancia que el retrato tiene en su trabajo, muchas veces en relación con soluciones formales y con el espectador, que lo contempla sin intermediarios.

Las obras que se muestran pertenecen a la colección del Museo Universidad de Navarra, a las galerías Espaivisor de Valencia y Blanca Berlín de Madrid.

Más información: Museo Universidad de Navarra.

CONSTELACIONES DE LO INTANGIBLE. LUIS GONZÁLEZ PALMA

Museo Universidad de Navarra. Del 28 de septiembre de 2016 al 19 de marzo de 2017

Retrospectiva de la obra del fotógrafo Luis González Palma (Guatemala, 1957), articulada por medio constelaciones temáticas que abarcan su universo creativo y que cuenta con las piezas creadas entre 2014 y 2015 para el programa curatorial “Tender Puentes” del Museo Universidad de Navarra. La exposición está producida por la Fundación Telefónica.

A través de su trabajo, González Palma experimenta con las soluciones técnicas y formales de la fotografía, en una redefinición de los límites entre fotografía y pintura, influenciado por su formación como arquitecto y su acercamiento a la pintura religiosa, que generó también un interés por la abstracción.

En su obra podemos ver una serie de motivos recurrentes, entre los que destacan la importancia de la belleza, la reflexión sobre el poder y el concepto de imagen y su percepción por los demás. Plantea una reflexión sobre la mirada, reflejo de cómo vemos al otro y de cómo nos vemos a nosotros mismos, vinculada con la conciencia de no ser visto, y con el desasosiego que eso causa.

A través de su obra vemos una evolución desde conceptos vinculados a la identidad y la memoria hasta la convivencia de la abstracción y la figuración, porque para él ambas tienen un mismo fin, entender y dar sentido a la imagen, otra vez en relación a la mirada y a la captación no sólo del individuo, sino de la condición humana. Y en esta idea se enmarca la importancia que el retrato tiene en su trabajo, muchas veces en relación con soluciones formales y con el espectador, que lo contempla sin intermediarios.

Las obras que se muestran pertenecen a la colección del Museo Universidad de Navarra, a las galerías Espaivisor de Valencia y Blanca Berlín de Madrid.

Más información: Museo Universidad de Navarra.

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“LOST IN TRANSITION” CABELLO / CARCELLER EN EL IVAM.
21/09/2016
LOST IN TRANSITION _un poema performativo Cabello/Carcel...

LOST IN TRANSITION _un poema performativo Cabello/Carceller

29 de septiembre, 2016– 15 de enero, 2017

Galería 6. IVAM, Centre Julio González

Comisariado: Cabello/ Carceller

Inauguración : 29 de septiembre a las 20 horas.

A las 19 horas: Charla con Helena Cabello , Ana Carceller y Alba Braza

 

Lost in Transition _un poema performativo es un proyecto site-specific de Cabello/Carceller, ideado específicamente para un espacio concreto, la Galería 6 del IVAM, acerca de la construcción de las identidades y los géneros, un tema muy presente en los trabajos de las artistas.

Apela al espacio expositivo como lugar abierto a narrativas transicionales. Para ello fija su mirada en la escalera que comunica las dos plantas de dicha galería del museo, a priori un elemento arquitectónico ajeno a la función expositiva misma.

Como vínculo entre dos espacios, la escalera prevé un uso secundario. Sin embargo, en este proyecto ha sido elegida como eje conceptual. Perpetuo lugar de transición, pasa a ser el escenario central ideal, metáfora de las zonas intermedias, del continuo movimiento y el cambio.

 La tradición teatral y cinematográfica o el espectáculo han otorgado a la escalera un papel esencial para la presentación/introducción de sus protagonistas. El espacio entre un lugar y otro activa en el contexto de Lost in Transition la percepción de la ambigüedad, transitoriedad y variabilidad de los géneros.

Será la cuarta muestra, dentro de la línea de exposiciones iniciada en el 2015, en la que las artistas elaboran un proyecto específico para el museo, son sus propias comisarias, y son asimismo autoras de una publicación, que estará más cerca de un libro de artista que de un catálogo al uso.

CABELLO/CARCELLER

Equipo formado en 1992 por Helena Cabello y Ana Carceller (París, 1963 / Madrid, 1964). Viven y trabajan en Madrid. Actualmente son profesoras en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, UCLM, España.

Cabello/Carceller inician su colaboración a principios de los noventa y desde entonces desarrollan un trabajo interdisciplinar que utiliza diferentes medios de expresión –instalación, performance, vídeo, escritura, dibujo...– con la intención de interrogar los modos de representación hegemónicos en las prácticas visuales y proponer alternativas críticas. Partiendo de un enfoque conceptual, políticamente comprometido, usan estrategias como la apropiación, la performance o el relato de ficción para cuestionar las narrativas modernistas que ignoran a las minorías políticas mientras fingen recurrentemente acudir a ellas.

En un intento por desvelar estas contradicciones, buscan colaboradores externos, normalmente amateurs, aunque ocasionalmente también profesionales, para confrontarlos con situaciones o textos extraños o dislocados –que podrían calificarse como queer–. Aislados y fuera de contexto, estos protagonistas experimentan un desajuste creado alrededor suyo, un dislocamiento que es potenciado por la narración y las estructuras narrativas en las que esta se apoya, y que contribuye frecuentemente a activar o expandir los significados establecidos. Estos proyectos colaborativos subrayan la importancia de construir o reescribir las poéticas colectivas desde posiciones divergentes, recordando la necesidad de estudiar las experiencias intersticiales y alternativas, revisando las políticas sexuales y de género, aplicadas incluso al espacio y el diseño arquitectónico, y de cuestionar las narrativas propagandísticas de las ficciones cinematográficas más convencionales a través de las que se promocionan las políticas neoliberales y sus modos de relación social.

Su trabajo ha sido incluido en “Art and Queer Culture”, una revisión histórica publicada por Phaidon Press y escrita por Catherine Lord y Richard Meyer. También ha sido analizado por Judith/Jack Halberstam en “The Queer Art of Failure”, publicado en Duke University Press, así como en el prólogo de la versión española de “Female Masculinity” (“Masculinidad femenina”) de la misma autora.

Algunas exposiciones colectivas: “Los sujetos”, Pabellón español 56 Bienal de Venecia; “Global Feminisms”, en Brooklyn Museum, New York y Davis Museum, Wellesley College, Massachusetts, EEUU – “Fiction and Reality”, MMOMA, Moscu Museum of Modern Art, Moscú - BB4 Bucharest Biennale: On Producing Possibilities, Bucarest, Rumanía – Bienal Latinoamericana de Artes Visuales, Curitiba, Brasil – “re.act feminism. A Performing Archive”, Akademie der Künste, Berlín, e “itinerancias - Nuevas Historias. A New View of Spanish Photography and Video”, Stenersen Museum, Oslo, Noruega / Kuntsi Museum of Modern Art, Vaasa, Finlandia / Kulturhuset, Stockholm, Suecia / Royal Library, Dinamarca – “Genealogías Feministas”, MUSAC, León (España) – “The Screen Eye or The New Image”, Casino Luxembourg, Luxemburgo – “Cooling Out”, Lewis Glucksman Gallery, Cork, Irlanda, “En todas partes”, CGAC, Santiago de Compostela (España).

Exposiciones individuales: “Borrador para una exposición sin título”, en MARCO de Vigo; “ Rapear Filosofía: Foucault, Sontag, Butler, Mbembe" en Galeria Elba Benitez; MicroPolíticas, MicroPoéticas”, en Sala La Patriótica/CCEBA Buenos Aires, Argentina - Off Escena; “Si yo fuera...”, Abierto X Obras, en Matadero Madrid, España - Archivo: Drag Modelos, Galería Joan Prats, en Barcelona y CAAM, Las Palmas de Gran Canaria, España - Suite Rivolta, Galería Elba Benítez, Madrid, España o A/O (Caso Céspedes), CAAC Sevilla, España.

Más información: Instituto Valencia de Arte Moderno.

LOST IN TRANSITION _un poema performativo Cabello/Carceller

29 de septiembre, 2016– 15 de enero, 2017

Galería 6. IVAM, Centre Julio González

Comisariado: Cabello/ Carceller

Inauguración : 29 de septiembre a las 20 horas.

A las 19 horas: Charla con Helena Cabello , Ana Carceller y Alba Braza

 

Lost in Transition _un poema performativo es un proyecto site-specific de Cabello/Carceller, ideado específicamente para un espacio concreto, la Galería 6 del IVAM, acerca de la construcción de las identidades y los géneros, un tema muy presente en los trabajos de las artistas.

Apela al espacio expositivo como lugar abierto a narrativas transicionales. Para ello fija su mirada en la escalera que comunica las dos plantas de dicha galería del museo, a priori un elemento arquitectónico ajeno a la función expositiva misma.

Como vínculo entre dos espacios, la escalera prevé un uso secundario. Sin embargo, en este proyecto ha sido elegida como eje conceptual. Perpetuo lugar de transición, pasa a ser el escenario central ideal, metáfora de las zonas intermedias, del continuo movimiento y el cambio.

 La tradición teatral y cinematográfica o el espectáculo han otorgado a la escalera un papel esencial para la presentación/introducción de sus protagonistas. El espacio entre un lugar y otro activa en el contexto de Lost in Transition la percepción de la ambigüedad, transitoriedad y variabilidad de los géneros.

Será la cuarta muestra, dentro de la línea de exposiciones iniciada en el 2015, en la que las artistas elaboran un proyecto específico para el museo, son sus propias comisarias, y son asimismo autoras de una publicación, que estará más cerca de un libro de artista que de un catálogo al uso.

CABELLO/CARCELLER

Equipo formado en 1992 por Helena Cabello y Ana Carceller (París, 1963 / Madrid, 1964). Viven y trabajan en Madrid. Actualmente son profesoras en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, UCLM, España.

Cabello/Carceller inician su colaboración a principios de los noventa y desde entonces desarrollan un trabajo interdisciplinar que utiliza diferentes medios de expresión –instalación, performance, vídeo, escritura, dibujo...– con la intención de interrogar los modos de representación hegemónicos en las prácticas visuales y proponer alternativas críticas. Partiendo de un enfoque conceptual, políticamente comprometido, usan estrategias como la apropiación, la performance o el relato de ficción para cuestionar las narrativas modernistas que ignoran a las minorías políticas mientras fingen recurrentemente acudir a ellas.

En un intento por desvelar estas contradicciones, buscan colaboradores externos, normalmente amateurs, aunque ocasionalmente también profesionales, para confrontarlos con situaciones o textos extraños o dislocados –que podrían calificarse como queer–. Aislados y fuera de contexto, estos protagonistas experimentan un desajuste creado alrededor suyo, un dislocamiento que es potenciado por la narración y las estructuras narrativas en las que esta se apoya, y que contribuye frecuentemente a activar o expandir los significados establecidos. Estos proyectos colaborativos subrayan la importancia de construir o reescribir las poéticas colectivas desde posiciones divergentes, recordando la necesidad de estudiar las experiencias intersticiales y alternativas, revisando las políticas sexuales y de género, aplicadas incluso al espacio y el diseño arquitectónico, y de cuestionar las narrativas propagandísticas de las ficciones cinematográficas más convencionales a través de las que se promocionan las políticas neoliberales y sus modos de relación social.

Su trabajo ha sido incluido en “Art and Queer Culture”, una revisión histórica publicada por Phaidon Press y escrita por Catherine Lord y Richard Meyer. También ha sido analizado por Judith/Jack Halberstam en “The Queer Art of Failure”, publicado en Duke University Press, así como en el prólogo de la versión española de “Female Masculinity” (“Masculinidad femenina”) de la misma autora.

Algunas exposiciones colectivas: “Los sujetos”, Pabellón español 56 Bienal de Venecia; “Global Feminisms”, en Brooklyn Museum, New York y Davis Museum, Wellesley College, Massachusetts, EEUU – “Fiction and Reality”, MMOMA, Moscu Museum of Modern Art, Moscú - BB4 Bucharest Biennale: On Producing Possibilities, Bucarest, Rumanía – Bienal Latinoamericana de Artes Visuales, Curitiba, Brasil – “re.act feminism. A Performing Archive”, Akademie der Künste, Berlín, e “itinerancias - Nuevas Historias. A New View of Spanish Photography and Video”, Stenersen Museum, Oslo, Noruega / Kuntsi Museum of Modern Art, Vaasa, Finlandia / Kulturhuset, Stockholm, Suecia / Royal Library, Dinamarca – “Genealogías Feministas”, MUSAC, León (España) – “The Screen Eye or The New Image”, Casino Luxembourg, Luxemburgo – “Cooling Out”, Lewis Glucksman Gallery, Cork, Irlanda, “En todas partes”, CGAC, Santiago de Compostela (España).

Exposiciones individuales: “Borrador para una exposición sin título”, en MARCO de Vigo; “ Rapear Filosofía: Foucault, Sontag, Butler, Mbembe" en Galeria Elba Benitez; MicroPolíticas, MicroPoéticas”, en Sala La Patriótica/CCEBA Buenos Aires, Argentina - Off Escena; “Si yo fuera...”, Abierto X Obras, en Matadero Madrid, España - Archivo: Drag Modelos, Galería Joan Prats, en Barcelona y CAAM, Las Palmas de Gran Canaria, España - Suite Rivolta, Galería Elba Benítez, Madrid, España o A/O (Caso Céspedes), CAAC Sevilla, España.

Más información: Instituto Valencia de Arte Moderno.

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JOAN FONTCUBERTA EN LA EXPOSICIÓN COLECTIVA “DÉCONSTRUCTION PHOTOGRAPHIQUE”
19/09/2016
"Déconstruction photographique" ...

"Déconstruction photographique"

10 Septiembre - 12 Novembre 2016

Pol Bury, Christiane Feser ,Joan Fontcuberta, Alain Fleischer, Julien Lombardi, Vera Lutter, Laurent Millet, Isabelle Le Minh, Abelardo Morell, Catherine Rebois, Eric Rondepierre et les Robots de la NASA.

Commissaire : Catherine Rebois

L’image fixe, l’image unique en d’autres termes, l’Image photographique, se suffit elle encore à elle même aujourd’hui ?

Toutes les théories ont été soulevées, étudiées, l’assujettissement de l’image photographique au réel n’est plus … si on peut le résumer aussi vite et si c’est vrai. Le réel est quoi qu’il en soit une donnée composite de la dimension photographique. La photographie ne reproduit pas, mais travaille avec, avec le réel, quel que soit son genre, généré par des sels d’argent ou par pixélisation. L’image photographique se sert d’un mécanisme, d’une boite, d’un peu de chimie ou d’informatique, elle est déjà dans sa propre réalité, celle de sa génération. Mais l’image de l’image, ce qu’elle donne à voir au-delà de sa matérialité n’a rien de réel.

C’est une reconstitution, une représentation une mise en scène du réel. Déconstruire permet de faire émerger de nouveaux enjeux. Déconstruire, c’est isoler les problèmes afin de pouvoir les traiter et revenir aux origines. Dans le cas d’une perception fragmentée, le sujet, alors, n’est plus unifié.

La fragmentation c’est des petits bouts mis bout à bout qui forment un nouveau tout. La perception de la vie n’est-elle pas une succession de fragmentation ? La question qui se pose alors, pourrait être, comment les rassembler ? Quoi faire de ces informations qui semblent disséminées.

Le fragment n’a pas seulement un rapport à sa forme, mais pose un certain nombre de questions dans son rapport perceptif au monde qu’il entretient.

Combiner plusieurs images entre elles, oblige notre regard à passer de l’une à l’autre et de l’une sans l’autre, créant un dialogue. Ce dialogue est fait de mouvements et de manques. L’image devient séquence et la séquence devient narrative. La notion de continuité ne se trouve plus dans l’image elle-même, mais dans ce vide que représente l’intervalle entre les images, dans les faux raccords, comme l’exprime Gilles Deleuze, faux raccords qui sont la condition de l’Ouvert.

Les artistes Joan Fontcuberta, Vera Lutter, Eric Rondepierre, Isabelle Le Minh, Laurent Millet, Alain Fleischer, Christiane Feser, Pol Bury, Catherine Rebois, Julien Lombardi et les robots de la Nasa, chacun à sa manière, et c’est bien là tout le sens de cette exposition, envisage cette déconstruction et ces retournements de façon singulière qui soulèvent bien des interrogations.

C’est à l’américain Eadweard Muybridge et au français Étienne Jules Marey que revient l’invention de la séquence photographique. C’est donc à la science et a la recherche sur la représentation de la durée et du temps que l’on doit les premières publications connues sous le titre “La Machine animale” en 1873 d’Étienne Jules Marey. C’est en 1881, Eadweard Muybridge publie un album de reproduction photographique intitulé “The Attitudes of animals in motion”, qui fait la somme de ces recherches sur la décomposition.

Une chronologie qui n’est pas sans évoquer celle du défilement cinématographique et qui sera nommée chronophotographie.

Les artistes, qui présentent ici leur travail, portent un écho contemporain sur cette question qu’est la déconstruction et la fragmentation. Elle est en lien avec leurs sujets, bien sur, et la forme accompagne ce souci réflexif propre à la photographie et sur la photographie elle même.

Leurs œuvres nous interpellent car elles re-jouent l’histoire.

Catherine Rebois

Extrait du catalogue de l’exposition « Déconstruction photographique » 1- Gilles Deleuze, L’image-mouvement, Paris, Minuit, 1983, p.45.

Topographie de l’art 15 rue de Thorigny 75003 Paris

Joan Fontcuberta, “Googlegramme: Homeless”, 2005, 10000 images d’internet,120 x 160 cm. Courtesy de l’artiste.

"Déconstruction photographique"

10 Septiembre - 12 Novembre 2016

Pol Bury, Christiane Feser ,Joan Fontcuberta, Alain Fleischer, Julien Lombardi, Vera Lutter, Laurent Millet, Isabelle Le Minh, Abelardo Morell, Catherine Rebois, Eric Rondepierre et les Robots de la NASA.

Commissaire : Catherine Rebois

L’image fixe, l’image unique en d’autres termes, l’Image photographique, se suffit elle encore à elle même aujourd’hui ?

Toutes les théories ont été soulevées, étudiées, l’assujettissement de l’image photographique au réel n’est plus … si on peut le résumer aussi vite et si c’est vrai. Le réel est quoi qu’il en soit une donnée composite de la dimension photographique. La photographie ne reproduit pas, mais travaille avec, avec le réel, quel que soit son genre, généré par des sels d’argent ou par pixélisation. L’image photographique se sert d’un mécanisme, d’une boite, d’un peu de chimie ou d’informatique, elle est déjà dans sa propre réalité, celle de sa génération. Mais l’image de l’image, ce qu’elle donne à voir au-delà de sa matérialité n’a rien de réel.

C’est une reconstitution, une représentation une mise en scène du réel. Déconstruire permet de faire émerger de nouveaux enjeux. Déconstruire, c’est isoler les problèmes afin de pouvoir les traiter et revenir aux origines. Dans le cas d’une perception fragmentée, le sujet, alors, n’est plus unifié.

La fragmentation c’est des petits bouts mis bout à bout qui forment un nouveau tout. La perception de la vie n’est-elle pas une succession de fragmentation ? La question qui se pose alors, pourrait être, comment les rassembler ? Quoi faire de ces informations qui semblent disséminées.

Le fragment n’a pas seulement un rapport à sa forme, mais pose un certain nombre de questions dans son rapport perceptif au monde qu’il entretient.

Combiner plusieurs images entre elles, oblige notre regard à passer de l’une à l’autre et de l’une sans l’autre, créant un dialogue. Ce dialogue est fait de mouvements et de manques. L’image devient séquence et la séquence devient narrative. La notion de continuité ne se trouve plus dans l’image elle-même, mais dans ce vide que représente l’intervalle entre les images, dans les faux raccords, comme l’exprime Gilles Deleuze, faux raccords qui sont la condition de l’Ouvert.

Les artistes Joan Fontcuberta, Vera Lutter, Eric Rondepierre, Isabelle Le Minh, Laurent Millet, Alain Fleischer, Christiane Feser, Pol Bury, Catherine Rebois, Julien Lombardi et les robots de la Nasa, chacun à sa manière, et c’est bien là tout le sens de cette exposition, envisage cette déconstruction et ces retournements de façon singulière qui soulèvent bien des interrogations.

C’est à l’américain Eadweard Muybridge et au français Étienne Jules Marey que revient l’invention de la séquence photographique. C’est donc à la science et a la recherche sur la représentation de la durée et du temps que l’on doit les premières publications connues sous le titre “La Machine animale” en 1873 d’Étienne Jules Marey. C’est en 1881, Eadweard Muybridge publie un album de reproduction photographique intitulé “The Attitudes of animals in motion”, qui fait la somme de ces recherches sur la décomposition.

Une chronologie qui n’est pas sans évoquer celle du défilement cinématographique et qui sera nommée chronophotographie.

Les artistes, qui présentent ici leur travail, portent un écho contemporain sur cette question qu’est la déconstruction et la fragmentation. Elle est en lien avec leurs sujets, bien sur, et la forme accompagne ce souci réflexif propre à la photographie et sur la photographie elle même.

Leurs œuvres nous interpellent car elles re-jouent l’histoire.

Catherine Rebois

Extrait du catalogue de l’exposition « Déconstruction photographique » 1- Gilles Deleuze, L’image-mouvement, Paris, Minuit, 1983, p.45.

Topographie de l’art 15 rue de Thorigny 75003 Paris

Joan Fontcuberta, “Googlegramme: Homeless”, 2005, 10000 images d’internet,120 x 160 cm. Courtesy de l’artiste.

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ELENA DEL RIVERO. MY FRIENDS AND OTHER ANIMALS. ESTHER FERRER Y ÁNGELES MARCO EN TRAVESIA CUATRO.
14/09/2016
Elena del Rivero My friends and other...

Elena del Rivero My friends and other animals en colaboración con Travesía Cuatro

 Del 15 de septiembre al 5 de noviembre de 2016

Kiki Bauer, John Coplans, Esther Ferrer, Janice Guy, María Lozano, Angeles Marco, Freya Powell, Tere Recarens, Kiki Smith y Lily van der Stokker.

Cuando hace unos meses comencé mi relación con Travesía Cuatro, volví a considerar la idea de una exposición en la que llevaba tiempo meditando. Y es así como propuse que mi presentación como artista de la galería no fuera con una muestra individual, sino reuniendo a algunas de las amistades y relaciones que han conformado tanto mi vida personal como mi trabajo. Silvia e Inés inmediatamente aceptaron el reto.

El origen de este proyecto se encuentra en mi amistad con Assumpta Bassas, y en las numerosas conversaciones que tuvimos, en ocasiones concluyendo en desacuerdo, sobre el lenguaje simbólico de la relación, las prácticas del feminismo y de la diferencia sexual.

Como artistas, nuestro reto constante radica en cómo utilizar, transformar y alterar los símbolos que existen a nuestro alrededor; la creación de metáforas. El paso del tiempo, la condición ineludible de cómo he sido engendrada, y una economía de medios, han sido algunos de las herramientas que he utilizado para hilvanar mi trabajo. Todas las artistas en la muestra, Coplans incluido, compartimos preocupaciones similares, partiendo de la crítica inherente que conlleva la práctica artística.

La selección de las artistas, Coplans incluido, y la colaboración con Travesía Cuatro funcionan como los catalizadores que me han permitido investigar la dimensión semántica del lenguaje simbólico de la relación. He seleccionado obras que al ser mostradas en conjunto y considerando su potencia metafórica, operasen como la sintaxis de un diálogo abierto. Mi propósito ha sido revelar el espacio poético que genera cada obra individual y desvelar las consecuentes interconexiones con las demás piezas. Finalmente, he incluido mi propio trabajo en esta mise-en-scène como el agente común de estas relaciones sociales.

La motivación detrás de este trabajo es lúdica, y no existe ninguna pretensión utópica de confrontar el paradigma moderno, ni de problematizar los nuevos lenguajes y formas de intercambio que han surgido a partir de las redes sociales. Además del carácter de urgencia presente en las obras seleccionadas, me vi atraída por su impacto visual, las alegorías que desencadenan; y por su clasicismo.

Mi relación con las artistas ha variado desde ser vecinas hasta grandes amistades; algunas han sido mentoras, otras colaboradoras; incluso una de ellas fue objeto de mi admiración durante mucho tiempo hasta que recientemente la conocí en persona. Y las relaciones continúan, como una ventana abierta que favorece el diálogo.

El título de la muestra adapta el de Gerald Durrell My Family and Other Animals, un libro que disfruté leyendo en mi juventud. Elena del Rivero, Nueva York, Mayo, 2016 Travesía Cuatro y Elena del Rivero agradecen a las artistas su participación en esta muestra y la colaboración de Maria Silvestre Marco, espaivisor de Valencia, Nordenhake de Berlin, Kauffman Repetto de Milán y Universal Limited Art Editions, de Nueva York.

Ángeles Marco (Valencia, España, 1947 – 2008) fue catedrática del Departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia. Enfocó su obra escultórica a entender profundamente la materialidad del hierro, pero también trabajó con caucho, cristal, cera y diversos textiles, siendo precursora en el uso de estos materiales en la escultura española contemporánea. Su forma de argumentar, su filosofía detrás del uso de los materiales y la profundidad conceptual que logró hilar con la formalidad de la escultura, influyeron fuertemente en sus alumnos. Obtuvo gran reconocimiento en la España de la Transición gracias al apoyo incondicional del gran galerista Manolo Montenegro. Su interés en la dimensión espiritual la llevó, al final de su vida, a investigar sobre el uso del péndulo, aplicando sus resultados a su práctica artística tardía.

Esther Ferrer (San Sebastian, España, 1937) es una artista multicisciplinar y está considerada como una de las artistas claves de su generación en España. Ferrer recibió el Premio Velázquez en 2014, además de otros reconocimientos. Esther representó a España en la Bienal de Venecia de 1999. Su producción incluye también objetos, fotografías y sistemas a partir del estudio de los números primos. Como describió su obra en una entrevista con Sylvie Ferré, “es un minimalismo muy particular basado en el rigor del absurdo". Sus performances se han visto en espacios como: The Kitchen en Nueva York; el Walker Art Center en Minneapolis, Minneapolis, EE.UU., y en instituciones ubicadas en países como Japón, Polonia y Alemanía, en ocasiones colaborando con el grupo ZAJ, integrado por Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. La artista vive y trabaja en París.

Más información: Travesía Cuatro. Madrid.

Elena del Rivero My friends and other animals en colaboración con Travesía Cuatro

 Del 15 de septiembre al 5 de noviembre de 2016

Kiki Bauer, John Coplans, Esther Ferrer, Janice Guy, María Lozano, Angeles Marco, Freya Powell, Tere Recarens, Kiki Smith y Lily van der Stokker.

Cuando hace unos meses comencé mi relación con Travesía Cuatro, volví a considerar la idea de una exposición en la que llevaba tiempo meditando. Y es así como propuse que mi presentación como artista de la galería no fuera con una muestra individual, sino reuniendo a algunas de las amistades y relaciones que han conformado tanto mi vida personal como mi trabajo. Silvia e Inés inmediatamente aceptaron el reto.

El origen de este proyecto se encuentra en mi amistad con Assumpta Bassas, y en las numerosas conversaciones que tuvimos, en ocasiones concluyendo en desacuerdo, sobre el lenguaje simbólico de la relación, las prácticas del feminismo y de la diferencia sexual.

Como artistas, nuestro reto constante radica en cómo utilizar, transformar y alterar los símbolos que existen a nuestro alrededor; la creación de metáforas. El paso del tiempo, la condición ineludible de cómo he sido engendrada, y una economía de medios, han sido algunos de las herramientas que he utilizado para hilvanar mi trabajo. Todas las artistas en la muestra, Coplans incluido, compartimos preocupaciones similares, partiendo de la crítica inherente que conlleva la práctica artística.

La selección de las artistas, Coplans incluido, y la colaboración con Travesía Cuatro funcionan como los catalizadores que me han permitido investigar la dimensión semántica del lenguaje simbólico de la relación. He seleccionado obras que al ser mostradas en conjunto y considerando su potencia metafórica, operasen como la sintaxis de un diálogo abierto. Mi propósito ha sido revelar el espacio poético que genera cada obra individual y desvelar las consecuentes interconexiones con las demás piezas. Finalmente, he incluido mi propio trabajo en esta mise-en-scène como el agente común de estas relaciones sociales.

La motivación detrás de este trabajo es lúdica, y no existe ninguna pretensión utópica de confrontar el paradigma moderno, ni de problematizar los nuevos lenguajes y formas de intercambio que han surgido a partir de las redes sociales. Además del carácter de urgencia presente en las obras seleccionadas, me vi atraída por su impacto visual, las alegorías que desencadenan; y por su clasicismo.

Mi relación con las artistas ha variado desde ser vecinas hasta grandes amistades; algunas han sido mentoras, otras colaboradoras; incluso una de ellas fue objeto de mi admiración durante mucho tiempo hasta que recientemente la conocí en persona. Y las relaciones continúan, como una ventana abierta que favorece el diálogo.

El título de la muestra adapta el de Gerald Durrell My Family and Other Animals, un libro que disfruté leyendo en mi juventud. Elena del Rivero, Nueva York, Mayo, 2016 Travesía Cuatro y Elena del Rivero agradecen a las artistas su participación en esta muestra y la colaboración de Maria Silvestre Marco, espaivisor de Valencia, Nordenhake de Berlin, Kauffman Repetto de Milán y Universal Limited Art Editions, de Nueva York.

Ángeles Marco (Valencia, España, 1947 – 2008) fue catedrática del Departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia. Enfocó su obra escultórica a entender profundamente la materialidad del hierro, pero también trabajó con caucho, cristal, cera y diversos textiles, siendo precursora en el uso de estos materiales en la escultura española contemporánea. Su forma de argumentar, su filosofía detrás del uso de los materiales y la profundidad conceptual que logró hilar con la formalidad de la escultura, influyeron fuertemente en sus alumnos. Obtuvo gran reconocimiento en la España de la Transición gracias al apoyo incondicional del gran galerista Manolo Montenegro. Su interés en la dimensión espiritual la llevó, al final de su vida, a investigar sobre el uso del péndulo, aplicando sus resultados a su práctica artística tardía.

Esther Ferrer (San Sebastian, España, 1937) es una artista multicisciplinar y está considerada como una de las artistas claves de su generación en España. Ferrer recibió el Premio Velázquez en 2014, además de otros reconocimientos. Esther representó a España en la Bienal de Venecia de 1999. Su producción incluye también objetos, fotografías y sistemas a partir del estudio de los números primos. Como describió su obra en una entrevista con Sylvie Ferré, “es un minimalismo muy particular basado en el rigor del absurdo". Sus performances se han visto en espacios como: The Kitchen en Nueva York; el Walker Art Center en Minneapolis, Minneapolis, EE.UU., y en instituciones ubicadas en países como Japón, Polonia y Alemanía, en ocasiones colaborando con el grupo ZAJ, integrado por Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. La artista vive y trabaja en París.

Más información: Travesía Cuatro. Madrid.

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PATRICIA GÓMEZ Y MA. JESÚS GONZÁLEZ – LA CASA ENA
13/09/2016
Sara Álvarez Sarrat. La casa Ena Beca Ramón Acín, 2016 Del...

Sara Álvarez Sarrat. La casa Ena Beca Ramón Acín, 2016 Del 17 de septiembre al 23 de octubre de 2016

Sara Álvarez obtuvo la Beca Ramón Acín con la propuesta La casa Ena, un proyecto colectivo y multidisciplinar de carácter autobiográfico que trata de investigar las huellas de la memoria en torno a la historia de la casa donde el abuelo de Sara Álvarez, José Sarrat, tuvo durante años el almacén de juguetes. La casa tenía que ser reparada y era necesario vaciarla de objetos acumulados a lo largo de los años. La casa ha sido edificio señorial, domicilio familiar, almacén de juguetes y fue también residencia del artista anarcosindicalista y pedagogo Ramón Acín Aquilué, hasta que fue sacado de su hogar para ser fusilado.

Sara Álvarez reconstruye la memoria de la casa mediante el análisis y la reinterpretación de los restos y huellas congelados en el espacio y el tiempo. Tanto la exposición como la publicación recoge parte de la extensa investigación y de la documentación compilada a lo largo del proyecto: lecturas, películas, imágenes, fotografías, planos y documentos. Durante el proceso, todos estos materiales se han reunido en un tablero de Pinterest en el que surgen nuevas asociaciones, más allá de las detectadas a priori. El recorrido narrativo nos traslada a tres momentos vitales de su historia: el almacén, cuando fue custodio de juguetes (1973), la piel, la casa vacía(2016), y la herida, el lugar en el que Ramón Acín permaneció escondido hasta ser arrancado por la fuerza (1936).

La casa Ena ahonda en el concepto de archivo y registro, para rescatar a través de los vestigios de la casa las memorias familiares, conectando lo público y lo privado. Del mismo modo, las técnicas utilizadas en el proyecto –vídeo, fotografía, décollage, animación, frottage, arranque mural– nos remiten al significado profundo del lugar: arrancar, grabar, frotar, registrar, archivar, conservar. Estas tareas, bajo la dirección de Sara Álvarez, han implicado a un equipo conformado por artistas con experiencia en diferentes ámbitos relacionados con las líneas de investigación, trabajando de manera coral sobre la memoria, el registro, el archivo y la autobiografía. El equipo ha estado formado por Orencio Boix, Mª Jesús González, Patricia Gómez y Martí Guillem, junto con otros colaboradores.

La exposición se acompaña de una publicación que recoge parte de la extensa investigación llevada a cabo para el desarrollo del proyecto, con textos de Miguel Corella, Ricardo Forriols, Carlos Mas y de la propia artista.

Sara Álvarez Sarrat es profesora Titular de Universidad en la Facultad Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València. Obtuvo el título de Doctora en 2002, desarrollando parte de su investigación en el Magazine online Animation World Network, Los Angeles (California, EEUU). La investigación teórica realizada a lo largo de su trayectoria le ha llevado a presentar ponencias en congresos internacionales (Nueva York, Atenas o Córdoba, Argentina), a publicar artículos en libros y revistas especializadas (Animation Studies Journal, Hispanic Research Journal, Con A de animación) o a colaborar en la 39ª edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, en la publicación Raoul Servais. Integral de cortometrajes. Un año después, comisarió la exposición Surviving Life: Collages de la película de Jan Svankmajer, en la sala Josep Renau de la UPV, en colaboración con la Filmoteca de Valencia y el centro Checo de Madrid.

Su trabajo transita entre la animación, la pintura y el dibujo, y ha participado en exposiciones colectivas e individuales, como Mujeres: arte y universidad, en Las Atarazanas (Valencia, 2013), Impresiones Urbanas(Valencia - Buenos Aires, 2007), Ciudad Invadida / Cidade Invadida (España – Brasil, 2006) o Amuebladas, en el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí (Valencia, 2007).

+ info: http://www.dphuesca.es/oferta-cultural/exposicion-sala-dph/-/publicador/exposicion-sara-alvarez-beca-ramon-acin-2016/Wl2Bry594pBV?p_p_auth=pS0Qv7oe&p_p_state=maximized

Sara Álvarez Sarrat. La casa Ena Beca Ramón Acín, 2016 Del 17 de septiembre al 23 de octubre de 2016

Sara Álvarez obtuvo la Beca Ramón Acín con la propuesta La casa Ena, un proyecto colectivo y multidisciplinar de carácter autobiográfico que trata de investigar las huellas de la memoria en torno a la historia de la casa donde el abuelo de Sara Álvarez, José Sarrat, tuvo durante años el almacén de juguetes. La casa tenía que ser reparada y era necesario vaciarla de objetos acumulados a lo largo de los años. La casa ha sido edificio señorial, domicilio familiar, almacén de juguetes y fue también residencia del artista anarcosindicalista y pedagogo Ramón Acín Aquilué, hasta que fue sacado de su hogar para ser fusilado.

Sara Álvarez reconstruye la memoria de la casa mediante el análisis y la reinterpretación de los restos y huellas congelados en el espacio y el tiempo. Tanto la exposición como la publicación recoge parte de la extensa investigación y de la documentación compilada a lo largo del proyecto: lecturas, películas, imágenes, fotografías, planos y documentos. Durante el proceso, todos estos materiales se han reunido en un tablero de Pinterest en el que surgen nuevas asociaciones, más allá de las detectadas a priori. El recorrido narrativo nos traslada a tres momentos vitales de su historia: el almacén, cuando fue custodio de juguetes (1973), la piel, la casa vacía(2016), y la herida, el lugar en el que Ramón Acín permaneció escondido hasta ser arrancado por la fuerza (1936).

La casa Ena ahonda en el concepto de archivo y registro, para rescatar a través de los vestigios de la casa las memorias familiares, conectando lo público y lo privado. Del mismo modo, las técnicas utilizadas en el proyecto –vídeo, fotografía, décollage, animación, frottage, arranque mural– nos remiten al significado profundo del lugar: arrancar, grabar, frotar, registrar, archivar, conservar. Estas tareas, bajo la dirección de Sara Álvarez, han implicado a un equipo conformado por artistas con experiencia en diferentes ámbitos relacionados con las líneas de investigación, trabajando de manera coral sobre la memoria, el registro, el archivo y la autobiografía. El equipo ha estado formado por Orencio Boix, Mª Jesús González, Patricia Gómez y Martí Guillem, junto con otros colaboradores.

La exposición se acompaña de una publicación que recoge parte de la extensa investigación llevada a cabo para el desarrollo del proyecto, con textos de Miguel Corella, Ricardo Forriols, Carlos Mas y de la propia artista.

Sara Álvarez Sarrat es profesora Titular de Universidad en la Facultad Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València. Obtuvo el título de Doctora en 2002, desarrollando parte de su investigación en el Magazine online Animation World Network, Los Angeles (California, EEUU). La investigación teórica realizada a lo largo de su trayectoria le ha llevado a presentar ponencias en congresos internacionales (Nueva York, Atenas o Córdoba, Argentina), a publicar artículos en libros y revistas especializadas (Animation Studies Journal, Hispanic Research Journal, Con A de animación) o a colaborar en la 39ª edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, en la publicación Raoul Servais. Integral de cortometrajes. Un año después, comisarió la exposición Surviving Life: Collages de la película de Jan Svankmajer, en la sala Josep Renau de la UPV, en colaboración con la Filmoteca de Valencia y el centro Checo de Madrid.

Su trabajo transita entre la animación, la pintura y el dibujo, y ha participado en exposiciones colectivas e individuales, como Mujeres: arte y universidad, en Las Atarazanas (Valencia, 2013), Impresiones Urbanas(Valencia - Buenos Aires, 2007), Ciudad Invadida / Cidade Invadida (España – Brasil, 2006) o Amuebladas, en el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí (Valencia, 2007).

+ info: http://www.dphuesca.es/oferta-cultural/exposicion-sala-dph/-/publicador/exposicion-sara-alvarez-beca-ramon-acin-2016/Wl2Bry594pBV?p_p_auth=pS0Qv7oe&p_p_state=maximized

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TOMISLAV GOTOVAC | CIRCLES
September 16 – November 5, 2016...

September 16 – November 5, 2016

Opening: Friday, September 16, 2016 | 6 – 9 pm

My life (my art) has been made up of two things: one – observation, gathering (of material), and, two: the search for meaning, a soul (an idea). (T.G., 1990

The first solo exhibition of the Croatian artist Tomislav GOTOVAC (1937 – 2010) at Galerija Gregor Podnar presents a selection of the artist’s activity in various mediums. He began his career in 1960 with photographic works and then moved on to produce films, collages, performances and objects. As the author of numerous experimental-documentary films and radical body-art works, Gotovac is a long-time undervalued figure in European post-war avant-garde and a predecessor of the structural and experimental film movement in the 1960s.

The exhibition focuses on three films: Circle [Jutkevič – Count], 1964; Glenn Miller 1 [High School Playground 1], 1977; Glenn Miller 2000, 2000 as outstanding examples in his entire oeuvre. Each film is structured in a circular form representing his carefully planned concept, while visible images are left to chance. Characteristic in his artistic process, he selects one cinematic form and gives it prominence, while neutralising the others. The structural planning of Gotovac’s films is not intended to amaze us with its complexity and novelty, but to encourage the unforeseen, to provoke the coincidence. The form of the film is crucial, the content peripheral. Although these three films can be viewed as sequels of the same concept, each of them is carefully elaborated, unique masterpiece.

Along with the films Circles also shows selected photographs, collages, drawings and objects that directly demonstrate the complex layering of Gotovac’s artistic pratice. He never made any distinction based on the medium. When he couldn’t make films, he made photographs. When he found beauty in everyday objects, he produced exceptional collages or just arranged simple materials into exquisite objects and sculptures. Or even took traces of the cities in which he lived or worked.

Curator: Darko Šimičić

Realisation of the exhibition in collaboration with Tomislav Gotovac Institute, Zagreb

+ info: http://gregorpodnar.com/tomislav-gotovac-circles/

September 16 – November 5, 2016

Opening: Friday, September 16, 2016 | 6 – 9 pm

My life (my art) has been made up of two things: one – observation, gathering (of material), and, two: the search for meaning, a soul (an idea). (T.G., 1990

The first solo exhibition of the Croatian artist Tomislav GOTOVAC (1937 – 2010) at Galerija Gregor Podnar presents a selection of the artist’s activity in various mediums. He began his career in 1960 with photographic works and then moved on to produce films, collages, performances and objects. As the author of numerous experimental-documentary films and radical body-art works, Gotovac is a long-time undervalued figure in European post-war avant-garde and a predecessor of the structural and experimental film movement in the 1960s.

The exhibition focuses on three films: Circle [Jutkevič – Count], 1964; Glenn Miller 1 [High School Playground 1], 1977; Glenn Miller 2000, 2000 as outstanding examples in his entire oeuvre. Each film is structured in a circular form representing his carefully planned concept, while visible images are left to chance. Characteristic in his artistic process, he selects one cinematic form and gives it prominence, while neutralising the others. The structural planning of Gotovac’s films is not intended to amaze us with its complexity and novelty, but to encourage the unforeseen, to provoke the coincidence. The form of the film is crucial, the content peripheral. Although these three films can be viewed as sequels of the same concept, each of them is carefully elaborated, unique masterpiece.

Along with the films Circles also shows selected photographs, collages, drawings and objects that directly demonstrate the complex layering of Gotovac’s artistic pratice. He never made any distinction based on the medium. When he couldn’t make films, he made photographs. When he found beauty in everyday objects, he produced exceptional collages or just arranged simple materials into exquisite objects and sculptures. Or even took traces of the cities in which he lived or worked.

Curator: Darko Šimičić

Realisation of the exhibition in collaboration with Tomislav Gotovac Institute, Zagreb

+ info: http://gregorpodnar.com/tomislav-gotovac-circles/

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HAMISH FULTON, WALKING ARTIST. JOSÉE BIENVENU GALLERY, NEW YORK.
08/09/2016
Opening: Thursday, September 8, 6–8pm ...

Opening: Thursday, September 8, 6–8pm

Communal Walk: Friday, September 9 Meeting Place: Josée Bienvenu Gallery at 11:30am

Josée Bienvenu is pleased to present WALKING ARTIST, Hamish Fulton’s first exhibition with the gallery and his first solo show in New York in over a decade. While his drawings, sculpture diagrams, murals, and photographs have led to him be considered a practitioner of Land Art, Fulton considers himself instead as a “walking artist.” Through representations of walking itself, nature is neither conceived as a subliminal “other” existing to be conquered nor as an anthropocentric landscape, nature exists rather to be lived, endured, and left to thrive. In our own lives, Fulton’s journeying through wilderness points to a palpable lack of adventure, unmediated experiences, and connectedness to nature.

In 1973, after walking over 1,000 miles in 47 days from Duncansby Head, Scotland to Land’s End, England, Fulton made the decision to “only make art resulting from the experience of individual walks.” Purposefully made of humble materials like paper, wooden rulers, and photographs, his recreations align with the belief that these walks should directly engage with the environment yet leave no traces upon it. Calls for political justice also recur in Fulton’s work, corresponding to his commitment to individual and artistic freedom.

In this exhibition, Fulton presents a body of work that exemplifies his ongoing commitment to art as a quiet protest against the alienation of people from the natural world. Included are two large scale vinyl works: the first refers to a guided and sherpa assisted climb of Mount Everest using bottled oxygen in 2009, the latter describes a pilgrim circuit of the Barkhor Kora and the Jokhang Temple in Tibet. These bold textual works attest to Fulton’s passion for typography in tandem with his ongoing commitment as a walking artist. Several watercolors are included, evoking walking journeys from Switzerland to Bolivia. Unique black and white gelatin silver prints portray journeys through the Pyrenees from the Atlantic Ocean to the Mediterranean Sea. In the project space, there will be a selection of vintage photographs and small sculptures. For the past 20 years Fulton has devised many group walks, with more than 30 realized transnationally.

Born in 1946 in London, Hamish Fulton lives and works near Canterbury, UK. Fulton studied at the St. Martin’s School of Art, London and the Royal College of Art, London. Select solo exhibitions include Turner Contemporary, Margate, UK (2011); Museo Transfrontaliero del Monte Bianco, Courmayeur, IT (2010); Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz, ES (2009); Center for Contemporary Art, Kitakyshu, JP, and Museum of Modern Art, NY (2006); Museum for Modern and Contemporary Art, Bolzano, IT, and Museion Bolzano, Bozen, IT (2005); Haus Konstruktiv, Zuric, CH (2004); and Tate Britain, London (2002). Select group exhibitions include Ends of the Earth, MOCA, Los Angeles, CA which traveled to the Haus der Kunst, Munich, DE (2012) and the Royal Academy of Arts, London (2011).

Selected public collections include: Tate Gallery, London; Museum of Modern Art, New York; Brooklyn Museum, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Princeton Art Gallery, NJ; Philadelphia Museum of Art, PA; Los Angeles County Museum, CA; Museum of Contemporary Art, San Diego, CA; Eastman House, Rochester, NY; National Gallery of Canada, Ottawa; Metropolitan Museum, Tokyo, JP; National Museum, Osaka, JP; Victoria and Albert Museum, London; Biblioteque National, Paris; IVAM, Valencia, ES; Australian National Gallery, Canberra; Stedelijk Museum, Amsterdam, NL; Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven, NL; Art Gallery of Ontario, Toronto, CA; National Gallery of Scotland, Edinburgh, UK; British Council, London; Kunstmuseum, Basel, CH; Centro Cultural Arte Contemporaneo, Mexico City, MX; Centre d’Art Contemporain, Geneva, CH; Musee de Grenoble, FR; Musee St. Pierre, Lyon, FR; FRAC, Rennes, FR; National Gallery of Iceland, Reykjavík; Museum of Modern Art, Wakayama, JP; Museum Moderner Kunst, Vienna, AT; University of Lethbridge, CA.

Further information:  Josée Bienvenue Gallery

Opening: Thursday, September 8, 6–8pm

Communal Walk: Friday, September 9 Meeting Place: Josée Bienvenu Gallery at 11:30am

Josée Bienvenu is pleased to present WALKING ARTIST, Hamish Fulton’s first exhibition with the gallery and his first solo show in New York in over a decade. While his drawings, sculpture diagrams, murals, and photographs have led to him be considered a practitioner of Land Art, Fulton considers himself instead as a “walking artist.” Through representations of walking itself, nature is neither conceived as a subliminal “other” existing to be conquered nor as an anthropocentric landscape, nature exists rather to be lived, endured, and left to thrive. In our own lives, Fulton’s journeying through wilderness points to a palpable lack of adventure, unmediated experiences, and connectedness to nature.

In 1973, after walking over 1,000 miles in 47 days from Duncansby Head, Scotland to Land’s End, England, Fulton made the decision to “only make art resulting from the experience of individual walks.” Purposefully made of humble materials like paper, wooden rulers, and photographs, his recreations align with the belief that these walks should directly engage with the environment yet leave no traces upon it. Calls for political justice also recur in Fulton’s work, corresponding to his commitment to individual and artistic freedom.

In this exhibition, Fulton presents a body of work that exemplifies his ongoing commitment to art as a quiet protest against the alienation of people from the natural world. Included are two large scale vinyl works: the first refers to a guided and sherpa assisted climb of Mount Everest using bottled oxygen in 2009, the latter describes a pilgrim circuit of the Barkhor Kora and the Jokhang Temple in Tibet. These bold textual works attest to Fulton’s passion for typography in tandem with his ongoing commitment as a walking artist. Several watercolors are included, evoking walking journeys from Switzerland to Bolivia. Unique black and white gelatin silver prints portray journeys through the Pyrenees from the Atlantic Ocean to the Mediterranean Sea. In the project space, there will be a selection of vintage photographs and small sculptures. For the past 20 years Fulton has devised many group walks, with more than 30 realized transnationally.

Born in 1946 in London, Hamish Fulton lives and works near Canterbury, UK. Fulton studied at the St. Martin’s School of Art, London and the Royal College of Art, London. Select solo exhibitions include Turner Contemporary, Margate, UK (2011); Museo Transfrontaliero del Monte Bianco, Courmayeur, IT (2010); Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz, ES (2009); Center for Contemporary Art, Kitakyshu, JP, and Museum of Modern Art, NY (2006); Museum for Modern and Contemporary Art, Bolzano, IT, and Museion Bolzano, Bozen, IT (2005); Haus Konstruktiv, Zuric, CH (2004); and Tate Britain, London (2002). Select group exhibitions include Ends of the Earth, MOCA, Los Angeles, CA which traveled to the Haus der Kunst, Munich, DE (2012) and the Royal Academy of Arts, London (2011).

Selected public collections include: Tate Gallery, London; Museum of Modern Art, New York; Brooklyn Museum, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Princeton Art Gallery, NJ; Philadelphia Museum of Art, PA; Los Angeles County Museum, CA; Museum of Contemporary Art, San Diego, CA; Eastman House, Rochester, NY; National Gallery of Canada, Ottawa; Metropolitan Museum, Tokyo, JP; National Museum, Osaka, JP; Victoria and Albert Museum, London; Biblioteque National, Paris; IVAM, Valencia, ES; Australian National Gallery, Canberra; Stedelijk Museum, Amsterdam, NL; Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven, NL; Art Gallery of Ontario, Toronto, CA; National Gallery of Scotland, Edinburgh, UK; British Council, London; Kunstmuseum, Basel, CH; Centro Cultural Arte Contemporaneo, Mexico City, MX; Centre d’Art Contemporain, Geneva, CH; Musee de Grenoble, FR; Musee St. Pierre, Lyon, FR; FRAC, Rennes, FR; National Gallery of Iceland, Reykjavík; Museum of Modern Art, Wakayama, JP; Museum Moderner Kunst, Vienna, AT; University of Lethbridge, CA.

Further information:  Josée Bienvenue Gallery

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SANJA IVEKOVIĆ – PEARLS OF REVOLUTION
06/09/2016
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SANJA IVEKOVIĆ - PEARLS OF REVOLUTION
 
2nd September – 10th October 2016
 
Galleries Luka, MUL i Anex, Istarska 30, Pula, Croatia
Curators: Sanja Iveković i Dorina Vlakančić
 
PEARLS OF REVOLUTION is an exhibition, practically a mini-retrospective, of the work of Sanja Iveković which has gradually developed during the last two years. From the initial idea, entirely limited just to the front space of the Luka Gallery, a very exciting project has been built and it is now occupyng all three gallery spaces at Istarska 30. The project deals with Sanja's works in time frame from 1974 until 2010.
The exhibition brings together a historic group of single-channel videos, media installations, prints, conceptual photomontages including Sweet Violence (1974), Looking at(1974), Personal Cuts (1982), Lighthouse (1987-2001), GENXX series (1997–1998), Nada Dimić File (2000), Rohrbach Living Memorial (2005), Invisible Women of Solidarity(2009), and more.
The Right One (Pearls Of Revolution) will be shown to the Croatian public for the very first time, as will be the case with Invisible Women of Solidarity (6 out of 5 million).Rochbach Living Memorial will also have its Croatian premiere in Pula.
As art historian Vesna Vuković says, ˝Sanja Iveković has questioned and provoked dichotomy of the public and private since her first works, from the early 1970s (these are concepts that, since the ancient Greece, have related private to necessity and – it does not need to be emphasized – to space that is occupied by women, children, and slaves, and the public as a sphere that starts exactly where any necessity ceases and in which citizens discuss about things apart from and beyond mere life, things bereft of personal or private interests) and has constructed all of her works on the ruins of this myth.
(..) The turnover that appeared in the format of Sanja’s works after the mid 1990-ies, time when she started to step forward to the public space more and more (the conventionally understood one, in other words, a democratic public space as a permanent sphere in which citizens participate in rational discussion on equal grounds, as a sphere of general inclusiveness and accessibility), seems to me as crucial for her artistic procedure. The importance of this turnover is not the fact that her work “shifted” to the public sphere at that time, but it is the fact that since that time her works started to deal with Yugoslav antifascist history which was, in the construction of the new national identity, repressed as a trauma, banned from public discourse, public space, school books… all part of national euphoria in which history started all over again. Sanja Iveković has persistently been exhibiting exactly this banned history, repressed political fights: “GENE XX is truly ‘site-specific’ public manifestation (Croatia, late 1990-ies), but it is also a ‘time-specific’ attempt to reveal processes that happened in all other post-communist ‘democracies’ which aspired, without exception, to erase any possible connection with the past.”
Analyses could be continued and extended to the entire opus of Sanja Iveković dedicated to themes of gender, identity, and memory in which they are deconstructed and re-edited by means of the artistic procedure of “personal cuts,” all this in order to show/reveal their social conditioning. In works of Sanja Iveković these three large themes are interwoven and reported as supports of the same myth about allegedly neutral public sphere. “Cuts” by this artist tore open the surface and have revealed traces of exclusions that blur harmonious image of the public space.˝
 
Sanja Iveković was born in 1949 in Zagreb where she graduated from the Academy of Fine Arts. She has exhibited in numerous group exhibitions in Croatia and abroad (Paris Biennale, Manifesta, Documenta, Liverpool Biennial, Prague Biennale, Istanbul Biennale, etc.) and she has had retrospective exhibitions in Innsbruck, Berlin, Cologne, Geotheburgu, Barcelona, ​​New York, Luxembourg and London. Sanja's video works and video installations have been screened at numerous international festivals and events in Europe, USA, Canada, Japan and Thailand. Symposiums on the work of Iveković were held in Hofburg (Innsbruck, 2001), Koelenischer Kunstverein (Cologne 2006), Antoni Tapies Foundation (Barcelona 2007), Van Abbemuseum (Eindhoven, 2009), MoMA (New York, 2011), the Royal College of Art (London, 2013).
In her artistic pratice, Sanja is exploring and probing socio-political themes, focusing on strategies and methods of resistance to the ruling relations of power, while the main characteristic of her work is to speak from the position of the female subject. In addition to her artistic activity, she is engaged in women's activism and is the founder and member of several women's NGOs.
 Also, during the exhibition PEARLS OF REVOLUTION:
Talk with the artist – Thursday, 6th October 2016 at 12:00
The official catalogue presentation – Thursday, 6th October 2016 at 20:00
Text for the catalogue was written by the art historian Vesna Vuković, while Rafela Dražić is signing the design of the catalogue and visual identity for the exhibition.
Guiding tours within MARTA, educational platform of HDLU Istre for promoting art development of children and youth – as per application (phone 098 46 47 41)
Guiding tours – for all visitors, on Saturdays and Sundays at 12:00
Gallery working hours:
Tue – Fri    10:00 – 18:00
Sat – Sun  10:00 – 14:00
The exhibition was funded and supported by: City of Pula, Istria County, Croatian Ministry of Culture, Tourism Office Pula, Fabrika and Ara Electronic.
Project leader: Croatian Association of Artists of Istria, www.hdluistre.hr
SANJA IVEKOVIĆ - PEARLS OF REVOLUTION
 
2nd September – 10th October 2016
 
Galleries Luka, MUL i Anex, Istarska 30, Pula, Croatia
Curators: Sanja Iveković i Dorina Vlakančić
 
PEARLS OF REVOLUTION is an exhibition, practically a mini-retrospective, of the work of Sanja Iveković which has gradually developed during the last two years. From the initial idea, entirely limited just to the front space of the Luka Gallery, a very exciting project has been built and it is now occupyng all three gallery spaces at Istarska 30. The project deals with Sanja's works in time frame from 1974 until 2010.
The exhibition brings together a historic group of single-channel videos, media installations, prints, conceptual photomontages including Sweet Violence (1974), Looking at(1974), Personal Cuts (1982), Lighthouse (1987-2001), GENXX series (1997–1998), Nada Dimić File (2000), Rohrbach Living Memorial (2005), Invisible Women of Solidarity(2009), and more.
The Right One (Pearls Of Revolution) will be shown to the Croatian public for the very first time, as will be the case with Invisible Women of Solidarity (6 out of 5 million).Rochbach Living Memorial will also have its Croatian premiere in Pula.
As art historian Vesna Vuković says, ˝Sanja Iveković has questioned and provoked dichotomy of the public and private since her first works, from the early 1970s (these are concepts that, since the ancient Greece, have related private to necessity and – it does not need to be emphasized – to space that is occupied by women, children, and slaves, and the public as a sphere that starts exactly where any necessity ceases and in which citizens discuss about things apart from and beyond mere life, things bereft of personal or private interests) and has constructed all of her works on the ruins of this myth.
(..) The turnover that appeared in the format of Sanja’s works after the mid 1990-ies, time when she started to step forward to the public space more and more (the conventionally understood one, in other words, a democratic public space as a permanent sphere in which citizens participate in rational discussion on equal grounds, as a sphere of general inclusiveness and accessibility), seems to me as crucial for her artistic procedure. The importance of this turnover is not the fact that her work “shifted” to the public sphere at that time, but it is the fact that since that time her works started to deal with Yugoslav antifascist history which was, in the construction of the new national identity, repressed as a trauma, banned from public discourse, public space, school books… all part of national euphoria in which history started all over again. Sanja Iveković has persistently been exhibiting exactly this banned history, repressed political fights: “GENE XX is truly ‘site-specific’ public manifestation (Croatia, late 1990-ies), but it is also a ‘time-specific’ attempt to reveal processes that happened in all other post-communist ‘democracies’ which aspired, without exception, to erase any possible connection with the past.”
Analyses could be continued and extended to the entire opus of Sanja Iveković dedicated to themes of gender, identity, and memory in which they are deconstructed and re-edited by means of the artistic procedure of “personal cuts,” all this in order to show/reveal their social conditioning. In works of Sanja Iveković these three large themes are interwoven and reported as supports of the same myth about allegedly neutral public sphere. “Cuts” by this artist tore open the surface and have revealed traces of exclusions that blur harmonious image of the public space.˝
 
Sanja Iveković was born in 1949 in Zagreb where she graduated from the Academy of Fine Arts. She has exhibited in numerous group exhibitions in Croatia and abroad (Paris Biennale, Manifesta, Documenta, Liverpool Biennial, Prague Biennale, Istanbul Biennale, etc.) and she has had retrospective exhibitions in Innsbruck, Berlin, Cologne, Geotheburgu, Barcelona, ​​New York, Luxembourg and London. Sanja's video works and video installations have been screened at numerous international festivals and events in Europe, USA, Canada, Japan and Thailand. Symposiums on the work of Iveković were held in Hofburg (Innsbruck, 2001), Koelenischer Kunstverein (Cologne 2006), Antoni Tapies Foundation (Barcelona 2007), Van Abbemuseum (Eindhoven, 2009), MoMA (New York, 2011), the Royal College of Art (London, 2013).
In her artistic pratice, Sanja is exploring and probing socio-political themes, focusing on strategies and methods of resistance to the ruling relations of power, while the main characteristic of her work is to speak from the position of the female subject. In addition to her artistic activity, she is engaged in women's activism and is the founder and member of several women's NGOs.
 Also, during the exhibition PEARLS OF REVOLUTION:
Talk with the artist – Thursday, 6th October 2016 at 12:00
The official catalogue presentation – Thursday, 6th October 2016 at 20:00
Text for the catalogue was written by the art historian Vesna Vuković, while Rafela Dražić is signing the design of the catalogue and visual identity for the exhibition.
Guiding tours within MARTA, educational platform of HDLU Istre for promoting art development of children and youth – as per application (phone 098 46 47 41)
Guiding tours – for all visitors, on Saturdays and Sundays at 12:00
Gallery working hours:
Tue – Fri    10:00 – 18:00
Sat – Sun  10:00 – 14:00
The exhibition was funded and supported by: City of Pula, Istria County, Croatian Ministry of Culture, Tourism Office Pula, Fabrika and Ara Electronic.
Project leader: Croatian Association of Artists of Istria, www.hdluistre.hr
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BRACO DIMITRIJEVIĆ AT GALERIE THOMAS ZANDER.
01/09/2016
EVERYTHING HAPPENS SOMEWHERE LANDSCHAFTSSTRATEGIEN...

EVERYTHING HAPPENS SOMEWHERE LANDSCHAFTSSTRATEGIEN

2 SEPTEMBER – 5 NOVEMBER 2016

On the occasion of this year’s gallery weekend, Galerie Thomas Zander is pleased to present a group exhibition focussing on artistic landscape strategies that features works by Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Victor Burgin, Braco Dimitrijević, Peter Downsbrough, Mitch Epstein, Lee Friedlander, Andrea Geyer, Anthony Hernandez, Anthony McCall, Dieter Meier, Masao Mochizuki, Max Regenberg, Tata Ronkholz, Ed Ruscha, Michael Schmidt, Stephen Shore, Robert Smithson/Gianfranco Gorgoni, Larry Sultan, Henry Wessel among others. The exhibition offers a discourse on the concept of landscape and introduces various perspec- tives on the wide-ranging subject—from the New Topographics movement and conceptual photography to land art and experimental film.

In a contemporary context, landscape is no longer seen only as a geographical territory or an aesthetic ideal but as an eclectic composite of nature and culture constantly in flux that mirrors the heterogeneous and instable human environments. Space itself is characterised as a medium of social practices. Cultural processes inscribe meaning into places and thus produce new forms of landscapes. The seminal photography exhibition New Topographics of 1975 is an expression of this new understanding of a “man-altered landscape” and has been a major influence on art beyond the boundaries of photography ever since. The photographs of the participating artists Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Stephen Shore and Henry Wessel depict modern housing and industrial development in a style that is as austere as their subject, yet at its core they touch on human living conditions and values. Around the same time, Lee Friedlander moves through the urban landscape, through the simultaneousness and chaos of signs. In his series The American Monument he photographs statues hardly noticeable between advertisements, his complex inclusive compositions representing the urban landscape in the form of aesthetic, yet impenetrable structure. Ed Ruscha ironically responds to the (un-) readability of the postmodern landscape by visually cataloguing its vernacular architectural patterns such as parking lots, gas stations and streets. The early work Untitled (25 feet) by Victor Burgin further abstracts the desire for order and overview by documenting the act of surveying and archiving itself. Here photography becomes an instrument of mapping and actively participates in the production of space. Anthony McCall, too, performatively creates a landscape in his film Landscape for Fire (1972), which records a grid of small fires being lit consecutively. As a special excursus on the subject of cartography the current exhibition showcases two photographic star atlases from the 1910s and 1920s: one by Edward Barnard, who secured the first photograph of the intricate structures of the Milky Way, the other are the skyscapes by two pioneers of astrophotography, Johann Palisa and Max Wolf.

Land art is another landscape strategy that evolved in 1970’s in reaction to the overly anthropomorphic tendencies in sculpture. Robert Smithson’s Spiral Jetty of 1970 (a year after the first moon landing) is a site- specific land sculpture, which due to its coiled shape unsettles the observers’ perception of scale depending on the viewpoint, thus denying the reference value of the human figure. Bosnian conceptual artist Braco Dimitrijević also qualifies the weight of particular places or personalities and proclaims a state of post history characterised by a coexistence of different values. The exhibited marble plate bears the inscription “This could be a place of historical importance“, which symbolises that every place has the potential for meaning.

In contrast to the strategies of objectifying or relativising, Larry Sultan conceptualises landscape as a psychological, identity building construct. Having grown up in California’s San Fernando Valley, he documented the sets of porn films shot in private homes in his series The Valley between 1998 and 2003. His photographs explore the contradictions, fictions and gaps of suburban family life. Lewis Baltz poses the question of the visibility of landscape phenomena in his series 89-91 Sites of Technology with its arcane landscapes of the information age, its large-capacity computers and cooling tanks of nuclear research centres. The images of sterile surfaces and surveillance camera footage of the premises only shows the essential invisibility of the actual processes and power structures in place, which today are more relevant than ever. In American Power (2003- 2008) Mitch Epstein evokes the grand tradition of American landscape photography and delivers a survey in landscape format of the industrial exploitation of the land and its energy sources. Just as Mitch Epstein’s large- format photographs reference the landscape tradition and disrupt it at the same time, all the works brought together in this exhibition leave their mark on our notion of what landscape is and in turn help to further shape the idea of landscape.

Courtesy by Galerie Thomas Zander. Cologne

More information: Everything happens somewhere

EVERYTHING HAPPENS SOMEWHERE LANDSCHAFTSSTRATEGIEN

2 SEPTEMBER – 5 NOVEMBER 2016

On the occasion of this year’s gallery weekend, Galerie Thomas Zander is pleased to present a group exhibition focussing on artistic landscape strategies that features works by Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Victor Burgin, Braco Dimitrijević, Peter Downsbrough, Mitch Epstein, Lee Friedlander, Andrea Geyer, Anthony Hernandez, Anthony McCall, Dieter Meier, Masao Mochizuki, Max Regenberg, Tata Ronkholz, Ed Ruscha, Michael Schmidt, Stephen Shore, Robert Smithson/Gianfranco Gorgoni, Larry Sultan, Henry Wessel among others. The exhibition offers a discourse on the concept of landscape and introduces various perspec- tives on the wide-ranging subject—from the New Topographics movement and conceptual photography to land art and experimental film.

In a contemporary context, landscape is no longer seen only as a geographical territory or an aesthetic ideal but as an eclectic composite of nature and culture constantly in flux that mirrors the heterogeneous and instable human environments. Space itself is characterised as a medium of social practices. Cultural processes inscribe meaning into places and thus produce new forms of landscapes. The seminal photography exhibition New Topographics of 1975 is an expression of this new understanding of a “man-altered landscape” and has been a major influence on art beyond the boundaries of photography ever since. The photographs of the participating artists Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Stephen Shore and Henry Wessel depict modern housing and industrial development in a style that is as austere as their subject, yet at its core they touch on human living conditions and values. Around the same time, Lee Friedlander moves through the urban landscape, through the simultaneousness and chaos of signs. In his series The American Monument he photographs statues hardly noticeable between advertisements, his complex inclusive compositions representing the urban landscape in the form of aesthetic, yet impenetrable structure. Ed Ruscha ironically responds to the (un-) readability of the postmodern landscape by visually cataloguing its vernacular architectural patterns such as parking lots, gas stations and streets. The early work Untitled (25 feet) by Victor Burgin further abstracts the desire for order and overview by documenting the act of surveying and archiving itself. Here photography becomes an instrument of mapping and actively participates in the production of space. Anthony McCall, too, performatively creates a landscape in his film Landscape for Fire (1972), which records a grid of small fires being lit consecutively. As a special excursus on the subject of cartography the current exhibition showcases two photographic star atlases from the 1910s and 1920s: one by Edward Barnard, who secured the first photograph of the intricate structures of the Milky Way, the other are the skyscapes by two pioneers of astrophotography, Johann Palisa and Max Wolf.

Land art is another landscape strategy that evolved in 1970’s in reaction to the overly anthropomorphic tendencies in sculpture. Robert Smithson’s Spiral Jetty of 1970 (a year after the first moon landing) is a site- specific land sculpture, which due to its coiled shape unsettles the observers’ perception of scale depending on the viewpoint, thus denying the reference value of the human figure. Bosnian conceptual artist Braco Dimitrijević also qualifies the weight of particular places or personalities and proclaims a state of post history characterised by a coexistence of different values. The exhibited marble plate bears the inscription “This could be a place of historical importance“, which symbolises that every place has the potential for meaning.

In contrast to the strategies of objectifying or relativising, Larry Sultan conceptualises landscape as a psychological, identity building construct. Having grown up in California’s San Fernando Valley, he documented the sets of porn films shot in private homes in his series The Valley between 1998 and 2003. His photographs explore the contradictions, fictions and gaps of suburban family life. Lewis Baltz poses the question of the visibility of landscape phenomena in his series 89-91 Sites of Technology with its arcane landscapes of the information age, its large-capacity computers and cooling tanks of nuclear research centres. The images of sterile surfaces and surveillance camera footage of the premises only shows the essential invisibility of the actual processes and power structures in place, which today are more relevant than ever. In American Power (2003- 2008) Mitch Epstein evokes the grand tradition of American landscape photography and delivers a survey in landscape format of the industrial exploitation of the land and its energy sources. Just as Mitch Epstein’s large- format photographs reference the landscape tradition and disrupt it at the same time, all the works brought together in this exhibition leave their mark on our notion of what landscape is and in turn help to further shape the idea of landscape.

Courtesy by Galerie Thomas Zander. Cologne

More information: Everything happens somewhere

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MORE REASONS TO VISIT CONCEPTUAL ART IN BRITAIN. TATE.
15/08/2016
Hamish Fulton, 1946 ...

Hamish Fulton, 1946

Hitchhiking Times from London to Andorra and from Andorra to London, 9–15 April 1967

This work structures Fulton’s journey as a sequence of dates, times and places (starting and drop-off points). His presentation of factual data to document and reflect on the trip demands an engagement from the viewer far removed from the act of looking that a modernist sculpture would command. Apart from this data and two photographs, the work points to an experience that is otherwise absent for the viewer. It describes a direct and particular engagement with the world, yet all that is offered is a bare summary of that activity. The viewer is left with their own imagination and experiences to expand on what this data may point to.

A Condor, 1972

A Condor was made following a walk in Bolivia with Richard Long (they also visited Peru and Chile). Three photographs show snatched moments: a sunset at Lake Titicaca, a view from 20,000 feet up Mount Illampu just east of Lake Titicaca, and a shadow line in the snow made up of four reeds from the banks of the lake and four pelican feathers. The photographs and accompanying text punctuate and offer a reflection on a walk from lakeside to mountainside, but also foreground time as a material (from sunset to shadow line). The condor that circled around them up the mountainside is named but not described nor pictured.

It is a connection, an emotional experience, which can only be imagined through the photographic work.

Braco Dimitrijević, 1948

The Casual Passer By I Met at 11.28 am, London, October 1972

This work belongs to a series Braco Dimitrijević initiated in 1969 in Zagreb, Croatia (then Yugoslavia), and continued when he moved to London in 1971 to study at St Martin’s School of Art. Here, Dimitrijević photographed a man he encountered outside St Martin’s. The photograph was displayed as a poster on the No.14 bus – a bus that passed directly in front of St Martin’s on its route. As Dimitrijević explained ‘I came to use Bus No.14 so that I would have my show passing through the city via St Martin’s every 20 minutes.

More info: Conceptual Art in Britain.

Hamish Fulton, 1946

Hitchhiking Times from London to Andorra and from Andorra to London, 9–15 April 1967

This work structures Fulton’s journey as a sequence of dates, times and places (starting and drop-off points). His presentation of factual data to document and reflect on the trip demands an engagement from the viewer far removed from the act of looking that a modernist sculpture would command. Apart from this data and two photographs, the work points to an experience that is otherwise absent for the viewer. It describes a direct and particular engagement with the world, yet all that is offered is a bare summary of that activity. The viewer is left with their own imagination and experiences to expand on what this data may point to.

A Condor, 1972

A Condor was made following a walk in Bolivia with Richard Long (they also visited Peru and Chile). Three photographs show snatched moments: a sunset at Lake Titicaca, a view from 20,000 feet up Mount Illampu just east of Lake Titicaca, and a shadow line in the snow made up of four reeds from the banks of the lake and four pelican feathers. The photographs and accompanying text punctuate and offer a reflection on a walk from lakeside to mountainside, but also foreground time as a material (from sunset to shadow line). The condor that circled around them up the mountainside is named but not described nor pictured.

It is a connection, an emotional experience, which can only be imagined through the photographic work.

Braco Dimitrijević, 1948

The Casual Passer By I Met at 11.28 am, London, October 1972

This work belongs to a series Braco Dimitrijević initiated in 1969 in Zagreb, Croatia (then Yugoslavia), and continued when he moved to London in 1971 to study at St Martin’s School of Art. Here, Dimitrijević photographed a man he encountered outside St Martin’s. The photograph was displayed as a poster on the No.14 bus – a bus that passed directly in front of St Martin’s on its route. As Dimitrijević explained ‘I came to use Bus No.14 so that I would have my show passing through the city via St Martin’s every 20 minutes.

More info: Conceptual Art in Britain.

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Cerramos por vacaciones, pero volvemos muy pronto…
05/08/2016
El equipo de espaivisor se retira unos días, ...El equipo de espaivisor se retira unos días, ¡al mar! El día 22 de agosto volvemos con las pilas cargadas para la nueva temporada. ¡Feliz verano!   ¡Al mar!
El equipo de espaivisor se retira unos días, ¡al mar! El día 22 de agosto volvemos con las pilas cargadas para la nueva temporada. ¡Feliz verano!   ¡Al mar!
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Fallece Mladen Stilinović
19/07/2016
Nos entristece tener que comunicar que nuestro querido artista ...

Nos entristece tener que comunicar que nuestro querido artista Mladen Stilinović (Belgrado, 1947) y una de las principales figuras de la llamada "Práctica Arte Nuevo”, falleció ayer 18 de julio en Pula, Croacia, lugar donde desarrolló su carrera artística.

Mladen fue uno de los miembros fundadores de la neo-vanguardia informal, Grupo de los Seis Artistas (Grupa šestorice Autora) que promovieron la idea como la base de una obra de arte. El trabajo de Stilinović se ha caracterizado por el empleo de materiales de uso cotidiano, basándose en la idea de la crítica social y el cuestionamiento del papel del arte.

Su ingenio e ironía quedará para siempre plasmado en su creación artística y en nuestra memoria. Hoy recordamos con cariño el tiempo que compartimos con él, con motivo de la exposición May Day realizada en mayo de 2014.

 

Nos entristece tener que comunicar que nuestro querido artista Mladen Stilinović (Belgrado, 1947) y una de las principales figuras de la llamada "Práctica Arte Nuevo”, falleció ayer 18 de julio en Pula, Croacia, lugar donde desarrolló su carrera artística.

Mladen fue uno de los miembros fundadores de la neo-vanguardia informal, Grupo de los Seis Artistas (Grupa šestorice Autora) que promovieron la idea como la base de una obra de arte. El trabajo de Stilinović se ha caracterizado por el empleo de materiales de uso cotidiano, basándose en la idea de la crítica social y el cuestionamiento del papel del arte.

Su ingenio e ironía quedará para siempre plasmado en su creación artística y en nuestra memoria. Hoy recordamos con cariño el tiempo que compartimos con él, con motivo de la exposición May Day realizada en mayo de 2014.

 
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HAMISH FULTON, XAVIER RIBAS, ANA TERESA ORTEGA Y VALENTÍN VALLHONRAT EN LA EXPOSICIÓN COLECTIVA “RELEER LA COLECCIÓN” EN CGAC
11/07/2016
Comisario: Santiago Olmo Artista: Varios Del 30 de junio al 2 de octubre de 2016...Comisario: Santiago Olmo Artista: Varios Del 30 de junio al 2 de octubre de 2016

El núcleo de un museo es una colección: su colección. La colección es el símbolo patrimonial de una memoria cultural. Un territorio y una cultura construyen su identidad desde la memoria.Para que la memoria sea activa y no nostálgica debe ser crítica y autocrítica, dispuesta a revisarse de manera permanente. La función de un museo es crear una memoria y mantenerla viva a través de una incesante relectura, interpretación e investigación, que cuestione, que incida en las perspectivas difíciles. Las exposiciones temporales están íntimamente conectadas y ligadas a la colección porque son otra vertiente de la memoria del museo, una forma de enriquecer la colección y una manera de poder acompañar a los artistas más cercanos, aquellos que contribuyen al enriquecimiento simbólico de la cultura.

Dentro de este proyecto de revisión y contextualización de la colección se presentan tres propuestas expositivas, en las que se desarrollan temáticas diferentes y que incorporan diálogos cruzados con otras colecciones tanto públicas como privadas vinculadas con el CGAC y con Galicia: colecciones públicas y privadas gallegas, colecciones de museos con los que el CGAC comparte coproducciones de exposiciones temporales (CAAC de Sevilla y MUN de Pamplona) o colecciones que han mantenido una especial conexión con el CGAC como la Colección ARCO y su sede actual el CA2M de Móstoles.

Texto extraído del CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEA

Más información en: "Releer la Colección" CGAC.

Comisario: Santiago Olmo Artista: Varios Del 30 de junio al 2 de octubre de 2016

El núcleo de un museo es una colección: su colección. La colección es el símbolo patrimonial de una memoria cultural. Un territorio y una cultura construyen su identidad desde la memoria.Para que la memoria sea activa y no nostálgica debe ser crítica y autocrítica, dispuesta a revisarse de manera permanente. La función de un museo es crear una memoria y mantenerla viva a través de una incesante relectura, interpretación e investigación, que cuestione, que incida en las perspectivas difíciles. Las exposiciones temporales están íntimamente conectadas y ligadas a la colección porque son otra vertiente de la memoria del museo, una forma de enriquecer la colección y una manera de poder acompañar a los artistas más cercanos, aquellos que contribuyen al enriquecimiento simbólico de la cultura.

Dentro de este proyecto de revisión y contextualización de la colección se presentan tres propuestas expositivas, en las que se desarrollan temáticas diferentes y que incorporan diálogos cruzados con otras colecciones tanto públicas como privadas vinculadas con el CGAC y con Galicia: colecciones públicas y privadas gallegas, colecciones de museos con los que el CGAC comparte coproducciones de exposiciones temporales (CAAC de Sevilla y MUN de Pamplona) o colecciones que han mantenido una especial conexión con el CGAC como la Colección ARCO y su sede actual el CA2M de Móstoles.

Texto extraído del CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEA

Más información en: "Releer la Colección" CGAC.

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Audio Conferencia Luis González Palma
30/06/2016
Recuperamos, gracias a la Revista Atlas, la conferencia de Luis...

Recuperamos, gracias a la Revista Atlas, la conferencia de Luis González Palma que tuvo lugar, el pasado mes de mayo, en Chile.

El artista fue invitado por la Galería EKHO y por el Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la Universidad Finis Terrae, con los que mantuvo una conversación, donde compartió su experiencia y reflexiones sobre sus proyectos fotográficos.

Tal y como nos relatan en la revista Atlas,  en la conversación González Palma  invitó a recorrer su obra confesando sus motivaciones, miedos y obsesiones, dejando apreciar un itinerario de trabajo fotográfico donde la imagen no sólo ha circulado en su dimensión simbólica o indicial, sino también desde su estatuto material, incorporando diversos elementos como betún de judea o láminas de oro; buscando la experimentación con los soportes, desde la bidimensionalidad hasta una noción escultórica y espacial de la imagen; y tensionando los entornos en que ésta se exhibe, el museo o la calle.

Para más detalles os invitamos a leer el artículo publicado en Atlas.

Audio conferencia

“Siento que hacer buenas fotos es extremadamente fácil. No hay nada de complicado en hacer una buena foto, pero lo difícil es hacer una imagen con sentido, es decir una imagen cargada con capas de emoción. A mí me interesa hacer una imagen que más que ser vista sea sentida (…); hacer una imagen en la que tú te reconozcas, por un lado, y por otro lado te pierdas.”

Luis González Palma.

Recuperamos, gracias a la Revista Atlas, la conferencia de Luis González Palma que tuvo lugar, el pasado mes de mayo, en Chile.

El artista fue invitado por la Galería EKHO y por el Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la Universidad Finis Terrae, con los que mantuvo una conversación, donde compartió su experiencia y reflexiones sobre sus proyectos fotográficos.

Tal y como nos relatan en la revista Atlas,  en la conversación González Palma  invitó a recorrer su obra confesando sus motivaciones, miedos y obsesiones, dejando apreciar un itinerario de trabajo fotográfico donde la imagen no sólo ha circulado en su dimensión simbólica o indicial, sino también desde su estatuto material, incorporando diversos elementos como betún de judea o láminas de oro; buscando la experimentación con los soportes, desde la bidimensionalidad hasta una noción escultórica y espacial de la imagen; y tensionando los entornos en que ésta se exhibe, el museo o la calle.

Para más detalles os invitamos a leer el artículo publicado en Atlas.

Audio conferencia

“Siento que hacer buenas fotos es extremadamente fácil. No hay nada de complicado en hacer una buena foto, pero lo difícil es hacer una imagen con sentido, es decir una imagen cargada con capas de emoción. A mí me interesa hacer una imagen que más que ser vista sea sentida (…); hacer una imagen en la que tú te reconozcas, por un lado, y por otro lado te pierdas.”

Luis González Palma.

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NIL YALTER IN THE NEW TATE MODERN
22/06/2016
Temporary Dwellings, created between 1974 and 1977, were the su...

Temporary Dwellings, created between 1974 and 1977, were the subject of an exhibition in a cutural center in Grenoble, which gave them their name. A dozen boards, composed of photographs, objects and drawings are accompanied by videos. In 1978, interviews with Turish workers, made as part of an exhibition at Lavuun gallery in Ghent, in Flemish Belgium, complete the series. Finally, in a permanent reworking, Nil Yalter recreated an installation of a dozen of these panels and videos’ extracts related to immigrant issues in 2011 for an exhibition at Hubert Winter gallery in Vienna, Austria. Seven of these panels and four extracts from videos have been purchased by the Tate Modern in 2012. This last assembly includes an excerpt from Diyarba. kir-Mardin-Istanbul (2005), Exile is a Hard Job (1983), Immigration and the New Town (1979) and from Temporary Dwellings (Servenoble and L’Isle d’Abeau, 1977).

 Más información:

Temporary Dwellings.  1974-77. Tate.

Microhistorias en París. Espaivisor 2015.

El País. La Tate Modern altera la Historia del arte. 

Temporary Dwellings, created between 1974 and 1977, were the subject of an exhibition in a cutural center in Grenoble, which gave them their name. A dozen boards, composed of photographs, objects and drawings are accompanied by videos. In 1978, interviews with Turish workers, made as part of an exhibition at Lavuun gallery in Ghent, in Flemish Belgium, complete the series. Finally, in a permanent reworking, Nil Yalter recreated an installation of a dozen of these panels and videos’ extracts related to immigrant issues in 2011 for an exhibition at Hubert Winter gallery in Vienna, Austria. Seven of these panels and four extracts from videos have been purchased by the Tate Modern in 2012. This last assembly includes an excerpt from Diyarba. kir-Mardin-Istanbul (2005), Exile is a Hard Job (1983), Immigration and the New Town (1979) and from Temporary Dwellings (Servenoble and L’Isle d’Abeau, 1977).

 Más información:

Temporary Dwellings.  1974-77. Tate.

Microhistorias en París. Espaivisor 2015.

El País. La Tate Modern altera la Historia del arte. 

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BLEDA & ROSA, ESTHER FERRER, JOAN FONTCUBERTA, MIGUEL TRILLO Y EULÀLIA VALLDESORA PRESENTES EN LA EXPOSICIÓN COLECCIÓN XIII DEL CA2M
20/06/2016
COLECCIÓN XIII. HACIA UN NUEVO MUSEO DE ARTE CONTEMPOR...

COLECCIÓN XIII. HACIA UN NUEVO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Inauguración 23 de junio, a partir de las 19 horas.

Del 24 de junio al  25 de septiembre de 2016

Comisariado por  Sergio Rubira

Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo es una exposición que se plantea como un ensayo de laboratorio y una forma de investigar sobre los dispositivos de exposición que se han utilizado en algunos de los museos públicos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid. Se utilizará la colección del CA2M y de la Fundación ARCO para examinar algunos de estos montajes. No se trata tanto de reconstruirlos, como de probar cómo funcionarían hoy esas formas de montar, intentando evidenciar cómo la percepción y el significado de las obras de arte quedan condicionados por el modo en el que se exhiben. Estos dispositivos traducían la idea que se tenía de arte, exposición y espectador en las épocas en las que se desarrollaron e incluso pueden vincularse a la representación del poder, asociándose al concepto de autoridad, y a la construcción de identidades. Se convirtieron en un elemento que mediaba y modificaba la interpretación de las obras.

La exposición toma en préstamo el título de la que se inauguró en 1959 en el MoMA de Nueva York y que se llamó Toward the New Museum of Modern Art (Hacia el Nuevo Museo de Arte Moderno). Fue comisariada por Alfred H. Barr Jr., que no sólo impuso el modo en el que debía entenderse la evolución del arte desde las Vanguardias, sino también la manera en la que tenían que verse, incluso mirarse, estas nuevas formas artísticas, desarrollando el montaje en el cubo blanco. Sin embargo, la muestra rompía con ese tipo de montaje supuestamente neutro y objetivo al que se había acostumbrado el público para recuperar la manera abigarrada en que se colgaba en los museos decimonónicos. Su intención era dramatizar la falta de espacio y evidenciar que se hacía necesaria una ampliación del museo utilizando los recursos que el montaje le permitía, siendo muy consciente de que la instalación es un lenguaje.

Se ha tomado también este año como fecha en la que se cierra la investigación sobre los modos de montar en los museos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid, ya que fue en 1959 cuando se inauguró el Museo de Arte Contemporáneo en Madrid, el primero que se abrió con esta denominación específica. Los dispositivos creados para este museo por su primer director, José Luis Fernández del Amo –tanto los pensados para mostrar la colección, como los de la sala de exposiciones temporales, la llamada Sala Negra– serán algunos de los casos de estudio.

La exposición comienza con la recreación del montaje del Museo del Prado, fundado en 1819; un museo que desde el comienzo dedicó espacio a las obras de artistas vivos, como demuestran sus primeros catálogos. Continúa con el Museo de Arte Moderno, inaugurado en 1898, a petición de los propios artistas de la época que demandaban un espacio propio, y con el proyecto no realizado que el arquitecto Fernando García Mercadal hizo para un «nuevo Museo de Arte Moderno» durante los años de la II República y que recibió el Premio Nacional de Arquitectura en 1933.

ARTISTAS

Alberto, Karel Appel, Ibon Aranberri, Elena Asins, Dis Berlin, James Bishop, Bleda y Rosa, Elina Brotherus, Javier Campano, Joan Cardells, Ceesepe, Chema Cobo, Costus, John Chamberlain, Hanne Darboven, Thomas Demand,b Equipo 57, Esther Ferrer, Joan Fontcuberta, Alberto García Alix, Pablo Gargallo, David Goldblatt, Julio González, Rodney Graham,Katharina Grosse, Arturo Herrera, Roni Horn, El Hortelano, Axel Hütte, Concha Jerez, Anish Kapoor, Lucia Koch, Luisa Lambri, Teresa Lanceta, Ouka Leele, Sol Lewitt, Lucebert, Sigfrido Martín Begué, Ana Mendieta, Mitsuo Miura, Antoni Muntadas, Nazario, Ortega Muñoz, Jorge Oteiza, Pablo Palazuelo, Perejaume, Adrian Piper, Georges Rousse, Antonio Saura, Néstor Sanmiguel Diest, Carolee Schneemann, Kiki Seror, Soledad Sevilla, Melanie Smith, Susana Solano, Jesús Rafael Soto, Antoni Tàpies, Frank Thiel, Wolfgang Tillmans, Francesc Torres, Miguel Trillo, Dario Urzay, Eulàlia Valldosera, Patricio Vélez.

Más información en: Centro de Arte Dos de Mayo.

COLECCIÓN XIII. HACIA UN NUEVO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Inauguración 23 de junio, a partir de las 19 horas.

Del 24 de junio al  25 de septiembre de 2016

Comisariado por  Sergio Rubira

Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo es una exposición que se plantea como un ensayo de laboratorio y una forma de investigar sobre los dispositivos de exposición que se han utilizado en algunos de los museos públicos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid. Se utilizará la colección del CA2M y de la Fundación ARCO para examinar algunos de estos montajes. No se trata tanto de reconstruirlos, como de probar cómo funcionarían hoy esas formas de montar, intentando evidenciar cómo la percepción y el significado de las obras de arte quedan condicionados por el modo en el que se exhiben. Estos dispositivos traducían la idea que se tenía de arte, exposición y espectador en las épocas en las que se desarrollaron e incluso pueden vincularse a la representación del poder, asociándose al concepto de autoridad, y a la construcción de identidades. Se convirtieron en un elemento que mediaba y modificaba la interpretación de las obras.

La exposición toma en préstamo el título de la que se inauguró en 1959 en el MoMA de Nueva York y que se llamó Toward the New Museum of Modern Art (Hacia el Nuevo Museo de Arte Moderno). Fue comisariada por Alfred H. Barr Jr., que no sólo impuso el modo en el que debía entenderse la evolución del arte desde las Vanguardias, sino también la manera en la que tenían que verse, incluso mirarse, estas nuevas formas artísticas, desarrollando el montaje en el cubo blanco. Sin embargo, la muestra rompía con ese tipo de montaje supuestamente neutro y objetivo al que se había acostumbrado el público para recuperar la manera abigarrada en que se colgaba en los museos decimonónicos. Su intención era dramatizar la falta de espacio y evidenciar que se hacía necesaria una ampliación del museo utilizando los recursos que el montaje le permitía, siendo muy consciente de que la instalación es un lenguaje.

Se ha tomado también este año como fecha en la que se cierra la investigación sobre los modos de montar en los museos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid, ya que fue en 1959 cuando se inauguró el Museo de Arte Contemporáneo en Madrid, el primero que se abrió con esta denominación específica. Los dispositivos creados para este museo por su primer director, José Luis Fernández del Amo –tanto los pensados para mostrar la colección, como los de la sala de exposiciones temporales, la llamada Sala Negra– serán algunos de los casos de estudio.

La exposición comienza con la recreación del montaje del Museo del Prado, fundado en 1819; un museo que desde el comienzo dedicó espacio a las obras de artistas vivos, como demuestran sus primeros catálogos. Continúa con el Museo de Arte Moderno, inaugurado en 1898, a petición de los propios artistas de la época que demandaban un espacio propio, y con el proyecto no realizado que el arquitecto Fernando García Mercadal hizo para un «nuevo Museo de Arte Moderno» durante los años de la II República y que recibió el Premio Nacional de Arquitectura en 1933.

ARTISTAS

Alberto, Karel Appel, Ibon Aranberri, Elena Asins, Dis Berlin, James Bishop, Bleda y Rosa, Elina Brotherus, Javier Campano, Joan Cardells, Ceesepe, Chema Cobo, Costus, John Chamberlain, Hanne Darboven, Thomas Demand,b Equipo 57, Esther Ferrer, Joan Fontcuberta, Alberto García Alix, Pablo Gargallo, David Goldblatt, Julio González, Rodney Graham,Katharina Grosse, Arturo Herrera, Roni Horn, El Hortelano, Axel Hütte, Concha Jerez, Anish Kapoor, Lucia Koch, Luisa Lambri, Teresa Lanceta, Ouka Leele, Sol Lewitt, Lucebert, Sigfrido Martín Begué, Ana Mendieta, Mitsuo Miura, Antoni Muntadas, Nazario, Ortega Muñoz, Jorge Oteiza, Pablo Palazuelo, Perejaume, Adrian Piper, Georges Rousse, Antonio Saura, Néstor Sanmiguel Diest, Carolee Schneemann, Kiki Seror, Soledad Sevilla, Melanie Smith, Susana Solano, Jesús Rafael Soto, Antoni Tàpies, Frank Thiel, Wolfgang Tillmans, Francesc Torres, Miguel Trillo, Dario Urzay, Eulàlia Valldosera, Patricio Vélez.

Más información en: Centro de Arte Dos de Mayo.

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JOAN FONTCUBERTA- LA FOTOGRAFÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO. Conferencia en la Universidad Politécnica de Valencia
08/06/2016
Conferencia LA FOTOGRAFÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO con JOAN F...

Conferencia LA FOTOGRAFÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO con JOAN FONTCUBERTA, artista, docente, ensayista y crítico. Premio Internacional de Fotografía Hasselblad, uno de los más importantes del mundo (llamado el Nobel de fotografía).

 Participan:

-Joan Fontcuberta (Artista, docente, ensayista y crítico)

-Josep Benlloch (Responsable y coordinador del Máster en fotografía, arte y técnica de la UPV)

-Ramón Campo (Innovafoto)

- Ana Teresa Ortega (Directora del Máster en fotografía, arte y técnica de la UPV)

- Mati Marti (ex alumna del Máster en Fotografía, arte y técnica de la UPV).

Fecha: martes 14 de junio de 10:00 - 11:00h.

Lugar: Centro de Formación Permanente de la Universitat Politécnica de Valencia, camino de Vera s/n.

Información e inscripciones en: Centro Formación Permanente-Universidad Politécnica de Valencia

Conferencia LA FOTOGRAFÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO con JOAN FONTCUBERTA, artista, docente, ensayista y crítico. Premio Internacional de Fotografía Hasselblad, uno de los más importantes del mundo (llamado el Nobel de fotografía).

 Participan:

-Joan Fontcuberta (Artista, docente, ensayista y crítico)

-Josep Benlloch (Responsable y coordinador del Máster en fotografía, arte y técnica de la UPV)

-Ramón Campo (Innovafoto)

- Ana Teresa Ortega (Directora del Máster en fotografía, arte y técnica de la UPV)

- Mati Marti (ex alumna del Máster en Fotografía, arte y técnica de la UPV).

Fecha: martes 14 de junio de 10:00 - 11:00h.

Lugar: Centro de Formación Permanente de la Universitat Politécnica de Valencia, camino de Vera s/n.

Información e inscripciones en: Centro Formación Permanente-Universidad Politécnica de Valencia

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Cabello/Carceller en el MARCO de Vigo
25/05/2016
CABELLO/CARCELLER ...
CABELLO/CARCELLER
Borrador para una exposición sin título
MARCO Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Inauguración: 27 de mayo, 20 h
27 mayo - 25 septiembre, 2016

Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.

Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición retrospectiva permitirá una revisión de su trayectoria, y situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.

Siguiendo la lógica del trabajo de Cabello/Carceller, la exposición está concebida como una infiltración, contaminando la institución con un tipo de discursos que normalmente permanecen ocultos. Los diferentes espacios expositivos superponen diversos momentos de su trayectoria para restaurar la complejidad temporal más allá de la idea de un progreso lineal: las obras se refieren unas a otras en un sentido cronopolítico, donde las piezas más antiguas puedan entenderse como comentarios o referencias para la construcción del sentido de las más recientes.

+ info: http://www.marcovigo.com/es/content/borrador-para-una-exposici-n-sin-t-tulo-cabellocarceller

CABELLO/CARCELLER
Borrador para una exposición sin título
MARCO Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Inauguración: 27 de mayo, 20 h
27 mayo - 25 septiembre, 2016

Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.

Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición retrospectiva permitirá una revisión de su trayectoria, y situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.

Siguiendo la lógica del trabajo de Cabello/Carceller, la exposición está concebida como una infiltración, contaminando la institución con un tipo de discursos que normalmente permanecen ocultos. Los diferentes espacios expositivos superponen diversos momentos de su trayectoria para restaurar la complejidad temporal más allá de la idea de un progreso lineal: las obras se refieren unas a otras en un sentido cronopolítico, donde las piezas más antiguas puedan entenderse como comentarios o referencias para la construcción del sentido de las más recientes.

+ info: http://www.marcovigo.com/es/content/borrador-para-una-exposici-n-sin-t-tulo-cabellocarceller

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SANJA IVEKOVIĆ IN WIENER FESTWOCHEN
20/05/2016
Venue: Alte Post, Dominikanerbastei 11, 1010 Vienna Dates: 25 ...

Venue: Alte Post, Dominikanerbastei 11, 1010 Vienna Dates: 25 May to 19 June, daily 11 a.m. to 8 p.m. Free admission

Opening 24 May 7 p.m.: Performance Universal Anthem, Société Réaliste With: Clemes Salesny & Leo Riegler (musician) 8 p.m.: Perfomance The Winner Takes It All, Dante Buu With: Dante Buu (artist)

Artists Catherine Anyango, Zanny Begg, Anca Benera / Arnold Estefan, Songül Boyraz, Dante Buu, Nicos Charalambidis, Anetta Mona Chişa / Lucia Tkáčová, Mansour Ciss, András Cséfalvay, Anna Daučíková, Yevgeniy Fiks, Petra Gerschner, GLUKLYA / Natalya Pershina-Yakimanskaya, Núria Güell, Sanja Iveković, Gülsün Karamustafa, Szabolcs KissPál, Martin Krenn, Tomasz Kulka, Damian Le Bas, Delaine Le Bas, Lőrinc Borsos, Victor López González, Angela Melitopoulos, Marina Naprushkina, Csaba Nemes, Adrian Paci, Martin Piaček, Lisl Ponger, Tomáš Rafa, Société Réaliste / Ferenc Gróf, R.E.P. Group, Oliver Ressler, Mykola Ridnyi, Juri Schaden, Marika Schmiedt, Roland Sejko, Tim Sharp, Société Réaliste / Ferenc Gróf, Hito Steyerl, Toledo i Dertschei, Artur Żmijewski and others

The “Universal Hospitality” exhibition presents diverse artistic positions organised around topics relating to the current massive migration movements. The title of the exhibition refers to the humanist ideas of Enlightenment being stripped away, it seems, by the rise of a new nationalism, growing populism and increasing xenophobia. The artworks featured illuminate both the hidden foundations of an understanding of national identity based on exclusion and the political, social and economic order responsible for the status quo. Against this backdrop, artists try to open up new spaces of thought and action.

At a time when the values of humanism and emancipation, which Europe seems to take for granted, are shaking in the midst of people in motion, artists envision a world transgressing borders, walls and fences and create trans-national spaces for action and thinking.

The method of governing in which nationalism is closely intertwined with populism, though more virulent in the post-socialist countries, is no longer confined to behind the Iron Curtain. Borders are crossed and closed, throughout the continent. The genie of xenophobia is out of the bottle and looms also in affluent countries as a projection of fear of losing wealth and a comfortable life.

In response, artists from all around Europe strive for a re-entitlement of people, facilitating communication and connectedness through their virtual network, mobilizing the moral and artistic power of civic ideas. The Alte Post of Vienna, which once served as an agent of change curtailing feudal privileges in communication, provides a space for artists’ visions of an open and inclusive world to overcome nationalistic patterns of thinking and exclusion.

With three days of short and long-form presentations, small-group discussions, panel discussions, artist projects and keynote-addresses, the Open Forum provides continuous opportunities for conversation and networking from June 3 to 5.

Production Wiener Festwochen

With the support of Austrian Federal Chancellery, Arts and Culture Division

+ info: http://www.festwochen.at/en/into-the-city/

Venue: Alte Post, Dominikanerbastei 11, 1010 Vienna Dates: 25 May to 19 June, daily 11 a.m. to 8 p.m. Free admission

Opening 24 May 7 p.m.: Performance Universal Anthem, Société Réaliste With: Clemes Salesny & Leo Riegler (musician) 8 p.m.: Perfomance The Winner Takes It All, Dante Buu With: Dante Buu (artist)

Artists Catherine Anyango, Zanny Begg, Anca Benera / Arnold Estefan, Songül Boyraz, Dante Buu, Nicos Charalambidis, Anetta Mona Chişa / Lucia Tkáčová, Mansour Ciss, András Cséfalvay, Anna Daučíková, Yevgeniy Fiks, Petra Gerschner, GLUKLYA / Natalya Pershina-Yakimanskaya, Núria Güell, Sanja Iveković, Gülsün Karamustafa, Szabolcs KissPál, Martin Krenn, Tomasz Kulka, Damian Le Bas, Delaine Le Bas, Lőrinc Borsos, Victor López González, Angela Melitopoulos, Marina Naprushkina, Csaba Nemes, Adrian Paci, Martin Piaček, Lisl Ponger, Tomáš Rafa, Société Réaliste / Ferenc Gróf, R.E.P. Group, Oliver Ressler, Mykola Ridnyi, Juri Schaden, Marika Schmiedt, Roland Sejko, Tim Sharp, Société Réaliste / Ferenc Gróf, Hito Steyerl, Toledo i Dertschei, Artur Żmijewski and others

The “Universal Hospitality” exhibition presents diverse artistic positions organised around topics relating to the current massive migration movements. The title of the exhibition refers to the humanist ideas of Enlightenment being stripped away, it seems, by the rise of a new nationalism, growing populism and increasing xenophobia. The artworks featured illuminate both the hidden foundations of an understanding of national identity based on exclusion and the political, social and economic order responsible for the status quo. Against this backdrop, artists try to open up new spaces of thought and action.

At a time when the values of humanism and emancipation, which Europe seems to take for granted, are shaking in the midst of people in motion, artists envision a world transgressing borders, walls and fences and create trans-national spaces for action and thinking.

The method of governing in which nationalism is closely intertwined with populism, though more virulent in the post-socialist countries, is no longer confined to behind the Iron Curtain. Borders are crossed and closed, throughout the continent. The genie of xenophobia is out of the bottle and looms also in affluent countries as a projection of fear of losing wealth and a comfortable life.

In response, artists from all around Europe strive for a re-entitlement of people, facilitating communication and connectedness through their virtual network, mobilizing the moral and artistic power of civic ideas. The Alte Post of Vienna, which once served as an agent of change curtailing feudal privileges in communication, provides a space for artists’ visions of an open and inclusive world to overcome nationalistic patterns of thinking and exclusion.

With three days of short and long-form presentations, small-group discussions, panel discussions, artist projects and keynote-addresses, the Open Forum provides continuous opportunities for conversation and networking from June 3 to 5.

Production Wiener Festwochen

With the support of Austrian Federal Chancellery, Arts and Culture Division

+ info: http://www.festwochen.at/en/into-the-city/

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HAMISH FULTON AND BRACO DIMITRIJEVIĆ AT TATE BRITAIN
19/05/2016
Conceptual Art in Britain 1964–1979...

Conceptual Art in Britain 1964–1979

12 April – 29 August 2016

In the 1960s artists began to abandon traditional approaches and made ideas the essence of their work. This fascinating exhibition explores this pivotal period in British history, which changed the way we think about art to this day.

It gathers together artists who took art beyond its traditional boundaries to suggest new ways of engaging with the realities of the world beyond the studio, which ultimately led to a questioning of the function and social purpose of art.

The radical and controversial work both scrutinised and consistently took inspiration from the real world. Asking what art is, as well as what it might be for, inevitably led some artists to create work that was often politically engaged with themes and issues ranging from feminism to the Troubles in Northern Ireland.

Seen within the context of its time, spanning Harold Wilson’s first Labour government to the election of Margaret Thatcher, this show reveals conceptual art’slasting legacy.

Artists featured within the show include, among others: Keith ArnattArt & LanguageConrad AtkinsonVictor BurginMichael Craig-MartinHamish FultonMargaret HarrisonSusan HillerJohn HilliardMary KellyJohn LathamRichard LongBruce McLeanDavid Tremlett and Stephen Willats.

+ info: http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/conceptual-art-britain-1964-1979

Conceptual Art in Britain 1964–1979

12 April – 29 August 2016

In the 1960s artists began to abandon traditional approaches and made ideas the essence of their work. This fascinating exhibition explores this pivotal period in British history, which changed the way we think about art to this day.

It gathers together artists who took art beyond its traditional boundaries to suggest new ways of engaging with the realities of the world beyond the studio, which ultimately led to a questioning of the function and social purpose of art.

The radical and controversial work both scrutinised and consistently took inspiration from the real world. Asking what art is, as well as what it might be for, inevitably led some artists to create work that was often politically engaged with themes and issues ranging from feminism to the Troubles in Northern Ireland.

Seen within the context of its time, spanning Harold Wilson’s first Labour government to the election of Margaret Thatcher, this show reveals conceptual art’slasting legacy.

Artists featured within the show include, among others: Keith ArnattArt & LanguageConrad AtkinsonVictor BurginMichael Craig-MartinHamish FultonMargaret HarrisonSusan HillerJohn HilliardMary KellyJohn LathamRichard LongBruce McLeanDavid Tremlett and Stephen Willats.

+ info: http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/conceptual-art-britain-1964-1979

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BRACO DIMITRIJEVIĆ AT GARAGE COSMOS – BRUSSELS
Braco Dimitrijević 19 April –...

Braco Dimitrijević

19 April – 04 June 2016

Exhibition

Selection of works by the early conceptual artist including "Picture of Passer-by and Post-historical device" (1989) and "Post-historicus landmark" (1979). Private view Wednesday 20th April 3pm - 8pm.

Tesla - Despite History (2006)

Film directed, written and narrated by Braco Dimitrijević (2006, 43 min.) The artist will join us for the screening at the Hotel Metropole on Friday, 22nd April (7pm).

Nikola Tesla together with Einstein was one of the most prominent scientists of the first half of the 20th century. They were also connected by a family link - Einstein’s first wife Mileva, herself a prominent scientist and professor of mathematics at Princeton University, was Tesla’s cousin. For Dimitrijevic the case of Tesla is a starting point for complex reflections on the relativity of criteria which shape the official version of history: why does it take centuries for some ideas to be accepted, why are certain ideas recorded while others fall into oblivion, why are some people glorified while others are forgotten. Filmed at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and Nikola Tesla’s Museum in Belgrade, the movie tries to provide answers to those questions from a personal artistic point of view, emphasising not only Tesla’s enormous influence in science but also a possible interaction between his inventiveness and that of 20th century avant-garde art movements.

Hotel Metropole, Einstein room, 31 Place De Brouckère, 1000 Brussels Please confirm your attendance by mail to info@garagecosmos.be

+ info: http://www.garagecosmos.be/index.php?lang=en

Braco Dimitrijević

19 April – 04 June 2016

Exhibition

Selection of works by the early conceptual artist including "Picture of Passer-by and Post-historical device" (1989) and "Post-historicus landmark" (1979). Private view Wednesday 20th April 3pm - 8pm.

Tesla - Despite History (2006)

Film directed, written and narrated by Braco Dimitrijević (2006, 43 min.) The artist will join us for the screening at the Hotel Metropole on Friday, 22nd April (7pm).

Nikola Tesla together with Einstein was one of the most prominent scientists of the first half of the 20th century. They were also connected by a family link - Einstein’s first wife Mileva, herself a prominent scientist and professor of mathematics at Princeton University, was Tesla’s cousin. For Dimitrijevic the case of Tesla is a starting point for complex reflections on the relativity of criteria which shape the official version of history: why does it take centuries for some ideas to be accepted, why are certain ideas recorded while others fall into oblivion, why are some people glorified while others are forgotten. Filmed at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and Nikola Tesla’s Museum in Belgrade, the movie tries to provide answers to those questions from a personal artistic point of view, emphasising not only Tesla’s enormous influence in science but also a possible interaction between his inventiveness and that of 20th century avant-garde art movements.

Hotel Metropole, Einstein room, 31 Place De Brouckère, 1000 Brussels Please confirm your attendance by mail to info@garagecosmos.be

+ info: http://www.garagecosmos.be/index.php?lang=en

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BRACO DIMITRIJEVIĆ AT GALLERIA CIVICA D’ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA – TORINO
a cura di Danilo Eccherdal ...

a cura di Danilo Eccher

dal 16 marzo al 24 luglio 2016

La mostra dedicata a Braco Dimitrijević (Sarajevo 1948, vive e lavora a Parigi), a cura di Danilo Eccher, ripercorre le fasi principali della sua carriera artistica partendo dagli esordi con “The Casual Passers-by I Met”, l’opera che alla fine degli anni Sessanta lo rese celebre a livello internazionale, fino agli esiti più recenti della sua produzione. La ricerca di Dimitrijević abbraccia una complessità di tematiche con una visione a tratti ironica a tratti romantica, e mette in discussione i presupposti di veridicità della storia così come dell’arte e della cultura, lasciando aperti dubbi e interrogativi. Le prime azioni performative gettano le fondamenta del suo pensiero, che oggi si può identificare come un’anticipazione dell’arte relazionale, e affrontano il rapporto tra casualità e creatività attraverso grandi installazioni, fotografie, video, dipinti e sculture che minano e quasi dissacrano l’idea stessa di opera d’arte e il concetto di artista.

+ info: http://www.gamtorino.it/mostra.php?id=569

a cura di Danilo Eccher

dal 16 marzo al 24 luglio 2016

La mostra dedicata a Braco Dimitrijević (Sarajevo 1948, vive e lavora a Parigi), a cura di Danilo Eccher, ripercorre le fasi principali della sua carriera artistica partendo dagli esordi con “The Casual Passers-by I Met”, l’opera che alla fine degli anni Sessanta lo rese celebre a livello internazionale, fino agli esiti più recenti della sua produzione. La ricerca di Dimitrijević abbraccia una complessità di tematiche con una visione a tratti ironica a tratti romantica, e mette in discussione i presupposti di veridicità della storia così come dell’arte e della cultura, lasciando aperti dubbi e interrogativi. Le prime azioni performative gettano le fondamenta del suo pensiero, che oggi si può identificare come un’anticipazione dell’arte relazionale, e affrontano il rapporto tra casualità e creatività attraverso grandi installazioni, fotografie, video, dipinti e sculture che minano e quasi dissacrano l’idea stessa di opera d’arte e il concetto di artista.

+ info: http://www.gamtorino.it/mostra.php?id=569

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JOAN FONTCUBERTA EN EL MUSEO DE LA CAZA Y LA NATURALEZA DE PARÍS
02/04/2016
Safaris/Safarix Du 30 mars...

Safaris/Safarix

Du 30 mars au 4 septembre 2016

Que serait la chasse sans les histoires de chasse ? La tradition orale prend en charge ce récit auto-promotionnel depuis la nuit des temps, avant d’être relayée par des écrits abondants au point d’en faire une forme de genre littéraire. La question de l’authenticité des faits relatés n’attend pas la publication des exploits cynégétiques de Tartarin de Tarascon pour se poser. La somme des glorieux et invérifiables récits de chasse publiés est déjà impressionnante quand le célèbre « tueur de lions » se décide à son tour à jouer la surenchère !

Safaris transpose à l’art contemporain l’ambivalence des histoires de chasse et les œuvres de Mark Beard, de Joan Fontcuberta ou encore de Christian Gonzenbach, rassemblées pour l’exposition, investissent le territoire des chasses fictionnelles… Mêlant les peintures aux documents, les photographies aux témoignages, les pièces réunies attestent de l’insatisfaction immémoriale du chasseur à se contenter de la réalité. Enjoliver ou ensauvager le plus banal des terrains de chasse, attribuer au gibier extrême rareté ou menaçant appétit, conférer à la traque d’impalpables élans héroïques ou mystiques, n’est-ce pas aussi la fonction des récits et des images cynégétiques ?

C’est ainsi qu’en convoquant pour leurs œuvres des styles et des techniques héritées du passé, certains des artistes réunis pour Safaris soulignent la tension entre réalité et fiction qui caractérise l’art cynégétique : entre reportage et propagande, chronique et décorum… une obsession à rendre compte qui ne saurait désenchanter.

+ info: http://www.chassenature.org/exposition-safaris/

Safaris/Safarix

Du 30 mars au 4 septembre 2016

Que serait la chasse sans les histoires de chasse ? La tradition orale prend en charge ce récit auto-promotionnel depuis la nuit des temps, avant d’être relayée par des écrits abondants au point d’en faire une forme de genre littéraire. La question de l’authenticité des faits relatés n’attend pas la publication des exploits cynégétiques de Tartarin de Tarascon pour se poser. La somme des glorieux et invérifiables récits de chasse publiés est déjà impressionnante quand le célèbre « tueur de lions » se décide à son tour à jouer la surenchère !

Safaris transpose à l’art contemporain l’ambivalence des histoires de chasse et les œuvres de Mark Beard, de Joan Fontcuberta ou encore de Christian Gonzenbach, rassemblées pour l’exposition, investissent le territoire des chasses fictionnelles… Mêlant les peintures aux documents, les photographies aux témoignages, les pièces réunies attestent de l’insatisfaction immémoriale du chasseur à se contenter de la réalité. Enjoliver ou ensauvager le plus banal des terrains de chasse, attribuer au gibier extrême rareté ou menaçant appétit, conférer à la traque d’impalpables élans héroïques ou mystiques, n’est-ce pas aussi la fonction des récits et des images cynégétiques ?

C’est ainsi qu’en convoquant pour leurs œuvres des styles et des techniques héritées du passé, certains des artistes réunis pour Safaris soulignent la tension entre réalité et fiction qui caractérise l’art cynégétique : entre reportage et propagande, chronique et décorum… une obsession à rendre compte qui ne saurait désenchanter.

+ info: http://www.chassenature.org/exposition-safaris/
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FIRST FRENCH RETROSPECTIVE OF THE WORK BY NIL YALTER. FRAC LORRAINE
02/02/2016
NIL YALTER...

NIL YALTER

FEBRUARY 05 – JUNE 05, 2016

Opening: Thursday, Feb 4 at 7 PM

On the occasion of the first French retrospective of the work by  Nil Yalter, 49 Nord 6 Est invites you to discover around fifteen pieces by this firmly engaged artist of Turkish origin, most of which have never been shown on the national artistic scene!

A voluntary exile, Nil Yalter (1938, Cairo, Egypt), settled in Paris in 1965. She is a pioneering, spirited, and original artist motivated by social and political convictions. She creates hybrid works that combine video, painting, drawing, photography, collage, as well as performance and installation. Rooted in conceptual art, her work does not reject either form or materiality and, in its singular approach, eludes the contemporary artistic canons.

www.nilyalter.com

+ info: http://www.fraclorraine.org

NIL YALTER

FEBRUARY 05 – JUNE 05, 2016

Opening: Thursday, Feb 4 at 7 PM

On the occasion of the first French retrospective of the work by  Nil Yalter, 49 Nord 6 Est invites you to discover around fifteen pieces by this firmly engaged artist of Turkish origin, most of which have never been shown on the national artistic scene!

A voluntary exile, Nil Yalter (1938, Cairo, Egypt), settled in Paris in 1965. She is a pioneering, spirited, and original artist motivated by social and political convictions. She creates hybrid works that combine video, painting, drawing, photography, collage, as well as performance and installation. Rooted in conceptual art, her work does not reject either form or materiality and, in its singular approach, eludes the contemporary artistic canons.

www.nilyalter.com

+ info: http://www.fraclorraine.org

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ESTHER FERRER “Entre líneas y cosas”
ESTHER FERRER “Entre líneas y c...

ESTHER FERRER “Entre líneas y cosas”

Comisaria, Margarita Aizpuru

Centro de Arte Tomás y Valiente, Madrid – Del 4 de febrero al 17 de abril de 2016

Inauguración el 4 de febrero de 2016 a las 20 h

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) Licenciada en Ciencias Sociales y Periodismo, estudió Arte en París, ciudad en la que reside y trabaja desde 1973. En su ciudad natal creó, junto con otros artistas, un taller de libre expresión. También, una escuela experimental en Elorrio. Ha impartido clases en las escuelas de Bellas Artes de Canadá, Francia, Italia o España, entre otras.

Fue, desde 1967, una de las principales integrantes del grupo Zaj, colectivo creado en 1964, por sus dos primero componentes, Juan Hidalgo y Walter Marchetti, y otros amigos más. Desde entonces y hasta fines de los años noventa los integrantes del colectivo desarrollaron paralelamente sus trayectorias por separado, como es el caso de la larga trayectoria individual de Esther Ferrer.

La artista es una de las creadoras españolas de más sólida trayectoria y de mayor reconocimiento nacional e internacional, a pesar de que durante décadas, esta magnífica artista experimental fue desarrollando, con absoluta coherencia, honestidad y brillantes sus trabajos artísticos sin reconocimiento institucional y dentro de los circuitos paralelos e independientes. Por fin en los últimos tiempos fue seleccionada para representar a España en la Bienal de Venecia, recibió el premio Nacional de Artes Plásticas por parte del Ministerio de Cultura y recientemente recibió el Premio Velázquez.

Artista polifacética, su obra ha recorrido el territorio de las performances, siendo enormemente reconocida a nivel internacional, aunque también es autora numerosas obras y proyectos de artes visuales o plásticas de instalaciones, objetos, series fotográficas y obras radiofónicas, habiendo efectuado a lo largo de los años numerosos proyectos visuales a nivel internacional.

“Entre líneas y cosas”. Esther Ferrer utiliza en sus acciones sus principales herramientas de trabajo como son su propio cuerpo y los objetos. Su cuerpo tendrá un papel protagónico esencial, como se aprecia en todas sus performances, desde las primeras hasta las de ahora mismo. Pero, también, la artista acciona con los objetos en el espacio en la mayoría de sus acciones, siendo muy habitual en ella que una performance se transforme luego en una obra plástica, bi o tridimensional, en una conferencia, una obra sonora y en un texto, o al revés que de estos se origine una performance.

Tanto en sus performances como en sus trabajos puramente plásticos visuales utiliza objetos ordinarios, que suele extraer de la vida cotidiana, como sillas, mesas, relojes, zapatos, hilos, cuerdas, mesas, etc. Muchos de ellos son objetos encontrados y descontextualizados de su función, integrándolos en otro ámbito y otorgándoles otros significados y cualidades, mostrando un interés por lo nimio y las cosas insignificantes o sin valor. Y ello procede del sentido que Marcel Duchamp daba a sus objetos cotidianos descontextualizados, sin transformarlos, sólo trasladándolos de lugar y contexto, otorgándoles una dimensión estética, introduciéndose el arte en el terreno de lo simbólico y afirmando que lo real no es uno sino plural y tiene una pluralidad de significados.

Como la propia Esther Ferrer expresa “…a muchos de estos proyectos los llamo “proyectos espaciales” , precisamente porque…. cuando los hago “mi materia prima” es el espacio….” Y más adelante dice “ Porque tanto la instalación como la performance tienen, en mi opinión tres elementos esenciales: tiempo, espacio y presencia. Aunque los percibamos de diferente manera son los mismos..”

El proyecto de exposición individual y publicación de la artista Esther Ferrer se concreta en una selección de trabajos objetuales y de instalaciones de la creadora, efectuada por la comisaria del proyecto, Margarita Aizpuru.

+ info: http://ceartfuenlabrada.es

ESTHER FERRER “Entre líneas y cosas”

Comisaria, Margarita Aizpuru

Centro de Arte Tomás y Valiente, Madrid – Del 4 de febrero al 17 de abril de 2016

Inauguración el 4 de febrero de 2016 a las 20 h

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) Licenciada en Ciencias Sociales y Periodismo, estudió Arte en París, ciudad en la que reside y trabaja desde 1973. En su ciudad natal creó, junto con otros artistas, un taller de libre expresión. También, una escuela experimental en Elorrio. Ha impartido clases en las escuelas de Bellas Artes de Canadá, Francia, Italia o España, entre otras.

Fue, desde 1967, una de las principales integrantes del grupo Zaj, colectivo creado en 1964, por sus dos primero componentes, Juan Hidalgo y Walter Marchetti, y otros amigos más. Desde entonces y hasta fines de los años noventa los integrantes del colectivo desarrollaron paralelamente sus trayectorias por separado, como es el caso de la larga trayectoria individual de Esther Ferrer.

La artista es una de las creadoras españolas de más sólida trayectoria y de mayor reconocimiento nacional e internacional, a pesar de que durante décadas, esta magnífica artista experimental fue desarrollando, con absoluta coherencia, honestidad y brillantes sus trabajos artísticos sin reconocimiento institucional y dentro de los circuitos paralelos e independientes. Por fin en los últimos tiempos fue seleccionada para representar a España en la Bienal de Venecia, recibió el premio Nacional de Artes Plásticas por parte del Ministerio de Cultura y recientemente recibió el Premio Velázquez.

Artista polifacética, su obra ha recorrido el territorio de las performances, siendo enormemente reconocida a nivel internacional, aunque también es autora numerosas obras y proyectos de artes visuales o plásticas de instalaciones, objetos, series fotográficas y obras radiofónicas, habiendo efectuado a lo largo de los años numerosos proyectos visuales a nivel internacional.

“Entre líneas y cosas”. Esther Ferrer utiliza en sus acciones sus principales herramientas de trabajo como son su propio cuerpo y los objetos. Su cuerpo tendrá un papel protagónico esencial, como se aprecia en todas sus performances, desde las primeras hasta las de ahora mismo. Pero, también, la artista acciona con los objetos en el espacio en la mayoría de sus acciones, siendo muy habitual en ella que una performance se transforme luego en una obra plástica, bi o tridimensional, en una conferencia, una obra sonora y en un texto, o al revés que de estos se origine una performance.

Tanto en sus performances como en sus trabajos puramente plásticos visuales utiliza objetos ordinarios, que suele extraer de la vida cotidiana, como sillas, mesas, relojes, zapatos, hilos, cuerdas, mesas, etc. Muchos de ellos son objetos encontrados y descontextualizados de su función, integrándolos en otro ámbito y otorgándoles otros significados y cualidades, mostrando un interés por lo nimio y las cosas insignificantes o sin valor. Y ello procede del sentido que Marcel Duchamp daba a sus objetos cotidianos descontextualizados, sin transformarlos, sólo trasladándolos de lugar y contexto, otorgándoles una dimensión estética, introduciéndose el arte en el terreno de lo simbólico y afirmando que lo real no es uno sino plural y tiene una pluralidad de significados.

Como la propia Esther Ferrer expresa “…a muchos de estos proyectos los llamo “proyectos espaciales” , precisamente porque…. cuando los hago “mi materia prima” es el espacio….” Y más adelante dice “ Porque tanto la instalación como la performance tienen, en mi opinión tres elementos esenciales: tiempo, espacio y presencia. Aunque los percibamos de diferente manera son los mismos..”

El proyecto de exposición individual y publicación de la artista Esther Ferrer se concreta en una selección de trabajos objetuales y de instalaciones de la creadora, efectuada por la comisaria del proyecto, Margarita Aizpuru.

+ info: http://ceartfuenlabrada.es
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ANA TERESA ORTEGA “Cartografías Silenciadas”
21.01.2016 - 28.02.2016 / SALA SEMPERE...

21.01.2016 - 28.02.2016 / SALA SEMPERE

Museo de la Universidad de Alicante

ANA TERESA ORTEGA CARTOGRAFÍAS SILENCIADAS

Cartografías Silenciadas documenta gráficamente los espacios más emblemáticos de la represión franquista durante la guerra civil y la posguerra: campos de concentración, colonias penitenciarias militarizadas y espacios donde hubo fusilamientos masivos. Cronológicamente abarca desde 1936-1962, fechas que coinciden con la apertura y cierre de estos espacios. En la actualidad estos lugares tienen otros usos y casi no quedan vestigios de lo que fueron, muchos de ellos han desaparecido y en pocos hay una placa que les haga memoria. El proyecto artístico de Ana Teresa Ortega se completa, a modo contextualización, con documentos de archivos relativos al funcionamiento de los campos: su reglamento, normativas, planos, mapas, fotografías de los prisioneros de guerra, etc.

Los campos de concentración fueron el primer eslabón de la cadena represiva del franquismo y tuvieron lugar durante y después de la contienda. El avance del Ejército Nacional fue generando un gran número de prisioneros de guerra republicanos. Abarrotadas las cárceles, habilitaron para ellos todo tipo de centros de detención, escuelas, conventos, iglesias, plazas de toros, barracones en espacios abiertos y otras edificaciones. Estos espacios de concentración tuvieron como finalidad la clasificación militar y político-social de los prisioneros, la depuración, la tortura y la explotación como esclavos para la reconstrucción del país.

El objetivo de toda esta maquinaria era aniquilar la cultura política y minar la moral de la España republicana, así como reeducar a los prisioneros mediante el ejercicio de la violencia física y psicológica. La existencia de esta férrea represión fue la tónica general que marcó la vida en las prisiones y en los centros de reclusión.

La verdadera dimensión de los crímenes de Franco todavía no es demasiado conocida en nuestro país. Sin embargo, a pesar de la mucha documentación expurgada y de los fondos documentales que todavía permanecen cerrados a la investigación, la tenacidad de algunos historiadores –a la que se suma el proyecto Cartografías Silenciadas– ha permitido empezar a conocer la enorme envergadura de estos crímenes y los mecanismos de un sistema represivo envuelto por una enorme burocracia.

+ info: www.mua.ua.es

21.01.2016 - 28.02.2016 / SALA SEMPERE

Museo de la Universidad de Alicante

ANA TERESA ORTEGA CARTOGRAFÍAS SILENCIADAS

Cartografías Silenciadas documenta gráficamente los espacios más emblemáticos de la represión franquista durante la guerra civil y la posguerra: campos de concentración, colonias penitenciarias militarizadas y espacios donde hubo fusilamientos masivos. Cronológicamente abarca desde 1936-1962, fechas que coinciden con la apertura y cierre de estos espacios. En la actualidad estos lugares tienen otros usos y casi no quedan vestigios de lo que fueron, muchos de ellos han desaparecido y en pocos hay una placa que les haga memoria. El proyecto artístico de Ana Teresa Ortega se completa, a modo contextualización, con documentos de archivos relativos al funcionamiento de los campos: su reglamento, normativas, planos, mapas, fotografías de los prisioneros de guerra, etc.

Los campos de concentración fueron el primer eslabón de la cadena represiva del franquismo y tuvieron lugar durante y después de la contienda. El avance del Ejército Nacional fue generando un gran número de prisioneros de guerra republicanos. Abarrotadas las cárceles, habilitaron para ellos todo tipo de centros de detención, escuelas, conventos, iglesias, plazas de toros, barracones en espacios abiertos y otras edificaciones. Estos espacios de concentración tuvieron como finalidad la clasificación militar y político-social de los prisioneros, la depuración, la tortura y la explotación como esclavos para la reconstrucción del país.

El objetivo de toda esta maquinaria era aniquilar la cultura política y minar la moral de la España republicana, así como reeducar a los prisioneros mediante el ejercicio de la violencia física y psicológica. La existencia de esta férrea represión fue la tónica general que marcó la vida en las prisiones y en los centros de reclusión.

La verdadera dimensión de los crímenes de Franco todavía no es demasiado conocida en nuestro país. Sin embargo, a pesar de la mucha documentación expurgada y de los fondos documentales que todavía permanecen cerrados a la investigación, la tenacidad de algunos historiadores –a la que se suma el proyecto Cartografías Silenciadas– ha permitido empezar a conocer la enorme envergadura de estos crímenes y los mecanismos de un sistema represivo envuelto por una enorme burocracia.

+ info: www.mua.ua.es

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Joan Fontcuberta ‘Imago, ergo sum’ en la Sala Canal de Isabel II
15/12/2015
Sala Canal de Isabel II. Del 15 de diciembre al 27 de marzo de 2...Sala Canal de Isabel II. Del 15 de diciembre al 27 de marzo de 2016.

La muestra Joan Fontcuberta. Imago, ergo sum, recoge una amplia selección de algunos de los proyectos más significativos de Joan Fontcuberta, desarrollados entre 1984 y 2014: Herbarium, Sputnik, Securitas, Trepat o Milagros & Co, entre otros. La selección se ha realizado en torno a dos de sus grandes temas: la verosimilitud de las imágenes y los dispositivos de transmisión de ideas. La muestra se completa con dos intervenciones específicas llevadas a cabo en el Museo Nacional de Antropología (Serie Sirenas) y el Museo Nacional de Ciencias Naturales - CSIC (Serie Fauna).  La muestra pretende constatar, a través de piezas en diferentes soportes: fotografías, libros, objetos y audiovisuales, la originalidad de Joan Fontcuberta y la asunción de la fotografía como un medio nuevo que, a diferencia de otros lenguajes heredados de las artes plásticas tradicionales, permite desarrollar líneas equivalentes de un mismo proyecto, unas ajustadas a un espacio expositivo y otras a las páginas de un volumen editorial. De ahí que en la exposición, tan importante como las fotografías, son los libros que a lo largo de su extensa carrera ha ido publicando. Como la práctica totalidad de sus ediciones están agotadas se exponen de manera interactiva en tabletas para consulta del público visitante.

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es artista, comisario, ensayista y docente. Está considerado como uno de los fotógrafos actuales más relevantes de Europa y una de las voces más reconocidas y respetadas en el panorama internacional. Su extensa trayectoria supera ya las cuatro décadas; un largo recorrido que le ha permitido mostrar su trabajo durante estos años en los cinco continentes.

Ha recibido numerosos premios y reconocimientos. En 1994 fue distinguido Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura de Francia. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía, concedido por el Ministerio de Cultura de España y en 2011 el Premio Nacional de Ensayo. En 2013 se convirtió en el primer español que consiguió el Premio Hasselblad como reconocimiento al conjunto de su actividad fotográfica, uno de los galardones más prestigiosos en el mundo de la fotografía, que también han recibido figuras de primer orden como Ansel Adams, Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Richard Avedon, Josef Koudelka o Robert Frank.

Esta exposición se acompaña de un completo catálogo con textos del comisario, Sema D’Acosta, del propio Joan Fontcuberta y del pensador Josep Ramoneda. También se incluye una entrevista realizada al artista por Emmanuelle Waeckerle.

+ info: http://www.madrid.org/cs/Satellite?c=CM_InfPractica_FA&cid=1354542944906&idConsejeria=1109266187224&idListConsj=1109265444710&idOrganismo=1109266228361&language=es&pagename=ComunidadMadrid%2FEstructura&sm=1109170600517

 
Sala Canal de Isabel II. Del 15 de diciembre al 27 de marzo de 2016.

La muestra Joan Fontcuberta. Imago, ergo sum, recoge una amplia selección de algunos de los proyectos más significativos de Joan Fontcuberta, desarrollados entre 1984 y 2014: Herbarium, Sputnik, Securitas, Trepat o Milagros & Co, entre otros. La selección se ha realizado en torno a dos de sus grandes temas: la verosimilitud de las imágenes y los dispositivos de transmisión de ideas. La muestra se completa con dos intervenciones específicas llevadas a cabo en el Museo Nacional de Antropología (Serie Sirenas) y el Museo Nacional de Ciencias Naturales - CSIC (Serie Fauna).  La muestra pretende constatar, a través de piezas en diferentes soportes: fotografías, libros, objetos y audiovisuales, la originalidad de Joan Fontcuberta y la asunción de la fotografía como un medio nuevo que, a diferencia de otros lenguajes heredados de las artes plásticas tradicionales, permite desarrollar líneas equivalentes de un mismo proyecto, unas ajustadas a un espacio expositivo y otras a las páginas de un volumen editorial. De ahí que en la exposición, tan importante como las fotografías, son los libros que a lo largo de su extensa carrera ha ido publicando. Como la práctica totalidad de sus ediciones están agotadas se exponen de manera interactiva en tabletas para consulta del público visitante.

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es artista, comisario, ensayista y docente. Está considerado como uno de los fotógrafos actuales más relevantes de Europa y una de las voces más reconocidas y respetadas en el panorama internacional. Su extensa trayectoria supera ya las cuatro décadas; un largo recorrido que le ha permitido mostrar su trabajo durante estos años en los cinco continentes.

Ha recibido numerosos premios y reconocimientos. En 1994 fue distinguido Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura de Francia. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía, concedido por el Ministerio de Cultura de España y en 2011 el Premio Nacional de Ensayo. En 2013 se convirtió en el primer español que consiguió el Premio Hasselblad como reconocimiento al conjunto de su actividad fotográfica, uno de los galardones más prestigiosos en el mundo de la fotografía, que también han recibido figuras de primer orden como Ansel Adams, Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Richard Avedon, Josef Koudelka o Robert Frank.

Esta exposición se acompaña de un completo catálogo con textos del comisario, Sema D’Acosta, del propio Joan Fontcuberta y del pensador Josep Ramoneda. También se incluye una entrevista realizada al artista por Emmanuelle Waeckerle.

+ info: http://www.madrid.org/cs/Satellite?c=CM_InfPractica_FA&cid=1354542944906&idConsejeria=1109266187224&idListConsj=1109265444710&idOrganismo=1109266228361&language=es&pagename=ComunidadMadrid%2FEstructura&sm=1109170600517

 
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ESTHER FERER en ‘Yo, me, mi, contigo. ViSiONA 04′ Sala de Exposiciones de la Diputación de Huesca
yo, me, mi, conmigo ...
yo, me, mi, conmigo
Sala de exposiciones de la Diputación de Huesca
Del 27 de Noviembre de 2015 al 21 de Febrero de 2016
 

Desde mediados del siglo xx numerosos artistas trabajan con la autobiografía como una parte central de su trabajo, y en muchos casos esta autorreferencialidad es la única materia prima de sus obras artísticas. Estos trabajos no solo ponen de manifiesto la relevancia y la importancia del yo en la sociedad contemporánea, sino también nuestra relación con el otro.

La autobiografía va más allá del autorretrato, los selfies o el relato personal. Desde la primera persona necesitamos autorrepresentarnos, obsesivamente, para imaginar, relatar o inventar nuestra identidad, construyendo de esta forma nuestra propia historia. Somos lo que revelamos, pero en ese proceso, paradójicamente, acabamos revelando lo que no somos.

La exposición de ViSiONA 2015, con el título Yo, me, mí, contigo, reúne obras de once artistas nacionales e internacionales cuyo trabajo se centra en estas prácticas artísticas autobiográficas, haciendo de y con ellos mismos su propia creación, para lo que abordan desde diferentes campos y distintas aproximaciones el concepto contemporáneo del yo. Estos artistas (se) miran desde cuestiones de género, raza, cuerpo, identidad, memoria, familia, pérdida, olvido, enfermedad o paso del tiempo en una interminable búsqueda de su propia identidad, haciendo partícipe al espectador de ese proceso, siempre en construcción.

Cualquiera de los trabajos autobiográficos incluidos en esta exposición contiene elementos inventados, y cualquiera de las ficciones que se muestran es, hasta cierto punto, autobiográfica, lo que nos confunde como espectadores sobre qué es realidad y qué es ficción, desorientándonos sobre lo real de nuestras fantasías y lo ficticio de nuestras vivencias. Yo, me, mí, contigo incluye fotografías, vídeos e instalaciones de los artistas Elina Brotherus, Esther Ferrer, Sophie Calle, Claude Cahun, John Coplans, Guy Ben-Ner, Óscar Muñoz, Ana Mendieta, Miguel Ángel Rebollo, José Oltra y Faustino Villa.

Una parte de estos artistas entienden su trabajo como una prolongación de su propia vida y representan sus experiencias y sus vivencias cotidianas, transformando su obra en una especie de álbum público de sus vidas privadas. Otros, sin embargo, parten de la imaginación, de la construcción de sus autorrepresentaciones, y en el proceso inventan narraciones que las hacen funcionar como una especie de relatos de ficción. Estas dos posiciones tan dispares y antagónicas en sus discursos artísticos, la realidad y la ficción, acaban siendo una misma cosa, mezclándose, uniéndose y confundiéndose, y generando finalmente una nueva categoría estética propia de esta época. Los trabajos autobiográficos/ficcionados de los artistas incluidos en esta exposición se evidencian de alguna manera como una forma de desdoblamiento de los propias artistas, que se sitúan fuera de ellos mismos, contemplándose, haciéndonos contemplarlos, para que nos demos cuenta de que en realidad (nos) contemplamos a (nos)otros mismos.

Yo, me, mí, contigo cuenta también con una parte interactiva en la que el público podrá mandar y compartir sus selfies, que serán incluidos en la propia exposición, cuestionando si el selfie no es más que una versión tecnológica del autorretrato o si, por el contrario, se ha convertido por sí mismo en un nuevo estilo y un nuevo género de (auto)representación (#yoymiselfie).

Dentro de la sala de exposiciones existe un espacio dedicado a la documentación bibliográfica y videográfica sobre el uso y la importancia de las prácticas autobiográficas en el arte y el pensamiento contemporáneos. Este espacio cuenta con una extensión online. Por otra parte, con motivo de la muestra se ha diseñado un completo programa educativo que incluye visitas y talleres didácticos programados para diversos públicos, colectivos y grupos escolares. Asimismo se ha editado un catálogo que incluye, además de reproducciones de los trabajos expuestos, textos de Pedro Vicente, Nerea Ubieto, Gemma San Cornelio y Elena Zapata.

ESTHER FERRER

Autorretrato en el tiempo es el título de una de las instalaciones, probablemente, más conocidas de Esther Ferrer. Perteneciente a la serie El libro de las cabezas, iniciada en 1981, la obra posee un carácter procesual e inacabado. A partir de 1981 y sin una periodicidad fija —en general cada cinco años, si bien el intervalo para la primera fotografía fue de nueve—, la artista se hace una foto, un retrato que secciona por la mitad, y monta las dos mitades resultantes con todas las mitades correspondientes a la foto o retrato anterior. Este proceso o sistema lleva a que haya dos versiones del año 1989, seis de 1994, doce de 1999, y así sucesivamente hasta la actualidad. La obra, por lo tanto, posee cierto carácter seriado. El resultado no es sino una reflexión sobre la acción del tiempo en su propio cuerpo. Si bien se trata de imágenes estáticas, neutrales y hasta cierto punto asépticas, la acción propia de autorretratarse nos lleva a la acción, al hecho performativo de preparar un escenario neutro en el que situarse y enfrentarse al objetivo. La obra resultante bien podría ser considerada testigo y documentación del acto performativo, un acto al que la artista añade más ingredientes y constantes de su obra, como son la presencia humana, el tiempo y su paso, la repetición o el infinito —inherente al carácter inacabado y en curso del proceso de creación de la obra o a su previsible existencia más allá de la vida de su autora—.

© Helena López Camacho

+ info: http://www.dphuesca.es/oferta-cultural/exposicion-sala-dph/-/publicador/exposicion-visiona-04/Wl2Bry594pBV;jsessionid=0F78845E7F8BAF1DFFD92F32738DD712

yo, me, mi, conmigo
Sala de exposiciones de la Diputación de Huesca
Del 27 de Noviembre de 2015 al 21 de Febrero de 2016
 

Desde mediados del siglo xx numerosos artistas trabajan con la autobiografía como una parte central de su trabajo, y en muchos casos esta autorreferencialidad es la única materia prima de sus obras artísticas. Estos trabajos no solo ponen de manifiesto la relevancia y la importancia del yo en la sociedad contemporánea, sino también nuestra relación con el otro.

La autobiografía va más allá del autorretrato, los selfies o el relato personal. Desde la primera persona necesitamos autorrepresentarnos, obsesivamente, para imaginar, relatar o inventar nuestra identidad, construyendo de esta forma nuestra propia historia. Somos lo que revelamos, pero en ese proceso, paradójicamente, acabamos revelando lo que no somos.

La exposición de ViSiONA 2015, con el título Yo, me, mí, contigo, reúne obras de once artistas nacionales e internacionales cuyo trabajo se centra en estas prácticas artísticas autobiográficas, haciendo de y con ellos mismos su propia creación, para lo que abordan desde diferentes campos y distintas aproximaciones el concepto contemporáneo del yo. Estos artistas (se) miran desde cuestiones de género, raza, cuerpo, identidad, memoria, familia, pérdida, olvido, enfermedad o paso del tiempo en una interminable búsqueda de su propia identidad, haciendo partícipe al espectador de ese proceso, siempre en construcción.

Cualquiera de los trabajos autobiográficos incluidos en esta exposición contiene elementos inventados, y cualquiera de las ficciones que se muestran es, hasta cierto punto, autobiográfica, lo que nos confunde como espectadores sobre qué es realidad y qué es ficción, desorientándonos sobre lo real de nuestras fantasías y lo ficticio de nuestras vivencias. Yo, me, mí, contigo incluye fotografías, vídeos e instalaciones de los artistas Elina Brotherus, Esther Ferrer, Sophie Calle, Claude Cahun, John Coplans, Guy Ben-Ner, Óscar Muñoz, Ana Mendieta, Miguel Ángel Rebollo, José Oltra y Faustino Villa.

Una parte de estos artistas entienden su trabajo como una prolongación de su propia vida y representan sus experiencias y sus vivencias cotidianas, transformando su obra en una especie de álbum público de sus vidas privadas. Otros, sin embargo, parten de la imaginación, de la construcción de sus autorrepresentaciones, y en el proceso inventan narraciones que las hacen funcionar como una especie de relatos de ficción. Estas dos posiciones tan dispares y antagónicas en sus discursos artísticos, la realidad y la ficción, acaban siendo una misma cosa, mezclándose, uniéndose y confundiéndose, y generando finalmente una nueva categoría estética propia de esta época. Los trabajos autobiográficos/ficcionados de los artistas incluidos en esta exposición se evidencian de alguna manera como una forma de desdoblamiento de los propias artistas, que se sitúan fuera de ellos mismos, contemplándose, haciéndonos contemplarlos, para que nos demos cuenta de que en realidad (nos) contemplamos a (nos)otros mismos.

Yo, me, mí, contigo cuenta también con una parte interactiva en la que el público podrá mandar y compartir sus selfies, que serán incluidos en la propia exposición, cuestionando si el selfie no es más que una versión tecnológica del autorretrato o si, por el contrario, se ha convertido por sí mismo en un nuevo estilo y un nuevo género de (auto)representación (#yoymiselfie).

Dentro de la sala de exposiciones existe un espacio dedicado a la documentación bibliográfica y videográfica sobre el uso y la importancia de las prácticas autobiográficas en el arte y el pensamiento contemporáneos. Este espacio cuenta con una extensión online. Por otra parte, con motivo de la muestra se ha diseñado un completo programa educativo que incluye visitas y talleres didácticos programados para diversos públicos, colectivos y grupos escolares. Asimismo se ha editado un catálogo que incluye, además de reproducciones de los trabajos expuestos, textos de Pedro Vicente, Nerea Ubieto, Gemma San Cornelio y Elena Zapata.

ESTHER FERRER

Autorretrato en el tiempo es el título de una de las instalaciones, probablemente, más conocidas de Esther Ferrer. Perteneciente a la serie El libro de las cabezas, iniciada en 1981, la obra posee un carácter procesual e inacabado. A partir de 1981 y sin una periodicidad fija —en general cada cinco años, si bien el intervalo para la primera fotografía fue de nueve—, la artista se hace una foto, un retrato que secciona por la mitad, y monta las dos mitades resultantes con todas las mitades correspondientes a la foto o retrato anterior. Este proceso o sistema lleva a que haya dos versiones del año 1989, seis de 1994, doce de 1999, y así sucesivamente hasta la actualidad. La obra, por lo tanto, posee cierto carácter seriado. El resultado no es sino una reflexión sobre la acción del tiempo en su propio cuerpo. Si bien se trata de imágenes estáticas, neutrales y hasta cierto punto asépticas, la acción propia de autorretratarse nos lleva a la acción, al hecho performativo de preparar un escenario neutro en el que situarse y enfrentarse al objetivo. La obra resultante bien podría ser considerada testigo y documentación del acto performativo, un acto al que la artista añade más ingredientes y constantes de su obra, como son la presencia humana, el tiempo y su paso, la repetición o el infinito —inherente al carácter inacabado y en curso del proceso de creación de la obra o a su previsible existencia más allá de la vida de su autora—.

© Helena López Camacho

+ info: http://www.dphuesca.es/oferta-cultural/exposicion-sala-dph/-/publicador/exposicion-visiona-04/Wl2Bry594pBV;jsessionid=0F78845E7F8BAF1DFFD92F32738DD712

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TERRITORIOS COMPARTIBLES. La vida en Escena
18/11/2015
20 Noviembre, 20:00 H. Charla de ESTHER FERRER. ...

20 Noviembre, 20:00 H. Charla de ESTHER FERRER. Lugar: TEM / El musical

22 Noviembre, 12:30 H. Acción. Punto de salida: L'Escorxador, calle San Pedro, 27. Acción: Se hace camino al andar. Acción realizada por Plataforma Salvem el Cabanyal

La charla y la Acción de Esther Ferrer forman parte de Territorios compatibles / la vida en escena. Se trata de un proyecto de Paula Valero que se continuará durante toda la temporada en el teatro del Musical y que propone desplegar un campo de intervención e investigación sobre prácticas escénicas que se desbordan del propio teatro hacia la esfera pública. Se invitará a artistas, arquitectas/os, directoras/es de teatro, y teóricas/os de diferentes ámbitos para generar una actividad de encuentro con las/os vecinas/os del barrio y público en general.

+ info: www.territorioscompartibles.weebly.com

20 Noviembre, 20:00 H. Charla de ESTHER FERRER. Lugar: TEM / El musical

22 Noviembre, 12:30 H. Acción. Punto de salida: L'Escorxador, calle San Pedro, 27. Acción: Se hace camino al andar. Acción realizada por Plataforma Salvem el Cabanyal

La charla y la Acción de Esther Ferrer forman parte de Territorios compatibles / la vida en escena. Se trata de un proyecto de Paula Valero que se continuará durante toda la temporada en el teatro del Musical y que propone desplegar un campo de intervención e investigación sobre prácticas escénicas que se desbordan del propio teatro hacia la esfera pública. Se invitará a artistas, arquitectas/os, directoras/es de teatro, y teóricas/os de diferentes ámbitos para generar una actividad de encuentro con las/os vecinas/os del barrio y público en general.

+ info: www.territorioscompartibles.weebly.com

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Fallece Carlos Leppe
20/10/2015
Nuestro querido artista Carlos Leppe (Chile, 1...

Nuestro querido artista Carlos Leppe (Chile, 1952), una de las figuras pioneras del contestatario panorama performativo chileno durante la década de los 70 y 80, falleció la noche del 16 de octubre.

Nos sentimos tristes por esta gran pérdida, pero afortunados de haber tenido la experiencia de convivir con él en marzo de 2011 con motivo de la exposición El cuerpo de Leppe / Chile en espaivisor.

Siempre nos quedará el recuerdo de su amistad, y su magnífica obra, su inmensa generosidad y confianza.

http://espaivisor.com/exposicion/el-cuerpo-de-leppe-chile/

Nuestro querido artista Carlos Leppe (Chile, 1952), una de las figuras pioneras del contestatario panorama performativo chileno durante la década de los 70 y 80, falleció la noche del 16 de octubre.

Nos sentimos tristes por esta gran pérdida, pero afortunados de haber tenido la experiencia de convivir con él en marzo de 2011 con motivo de la exposición El cuerpo de Leppe / Chile en espaivisor.

Siempre nos quedará el recuerdo de su amistad, y su magnífica obra, su inmensa generosidad y confianza.

http://espaivisor.com/exposicion/el-cuerpo-de-leppe-chile/

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Humberto Rivas y Miguel Trillo participan en una colectiva en Foto Colectania
30/09/2015
CARA A CARA ...

CARA A CARA

EL RETRATO EN LA COLECCIÓN

FOTO COLECTANIA

Inauguración: Martes 6 de octubre a las 20H.

06.10.15 - 13.02.16

FUNDACIÓN FOTO COLECTANIA

Julián Romero, 6

08006 Barcelona

T. 93 217 16 26

www.colectania.es

colectania@colectania.es

+ info: http://www.colectania.es/newsletter/cara/index.html

CARA A CARA

EL RETRATO EN LA COLECCIÓN

FOTO COLECTANIA

Inauguración: Martes 6 de octubre a las 20H.

06.10.15 - 13.02.16

FUNDACIÓN FOTO COLECTANIA

Julián Romero, 6

08006 Barcelona

T. 93 217 16 26

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colectania@colectania.es

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Kyiv Biennial 2015
28/09/2015
Daniel Garcias Andújar, Sanja Iveković and Mladen Stilinović...

Daniel Garcias Andújar, Sanja Iveković and Mladen Stilinović in Kyiv Biennial 2015.

Sept. 8 - Nov. 1, 2015

http://theschoolofkyiv.org

Daniel Garcias Andújar, Sanja Iveković and Mladen Stilinović in Kyiv Biennial 2015.

Sept. 8 - Nov. 1, 2015

http://theschoolofkyiv.org

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Inmaculada Salinas in Göteborg International Biennial for Contemporary Art
A story within a story......

A story within a story...

September 12 - November 22 2015

http://www.gibca.se/index.php/en/home

A story within a story...

September 12 - November 22 2015

http://www.gibca.se/index.php/en/home

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Abierto Valencia 2015
espaivisor ha recibido el Premio a la Mejor Exposición, otorga...

espaivisor ha recibido el Premio a la Mejor Exposición, otorgado por la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte en Abierto Valencia 2015. Han valorado la labor continua realizada por la galería en los contenidos expositivos, y la promoción de sus artistas tanto en las exposiciones en Valencia como en sus proyectos en el exterior. Nos sentimos inmensamente agradecidos y contentos por este reconocimiento a nuestro trabajo.

espaivisor ha recibido el Premio a la Mejor Exposición, otorgado por la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte en Abierto Valencia 2015. Han valorado la labor continua realizada por la galería en los contenidos expositivos, y la promoción de sus artistas tanto en las exposiciones en Valencia como en sus proyectos en el exterior. Nos sentimos inmensamente agradecidos y contentos por este reconocimiento a nuestro trabajo.

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Humberto Rivas en el MACBA
ESPECIES DE ESPACIOS16 jul....

ESPECIES DE ESPACIOS

16 jul. 2015 al 31 ene. 2016

Si nos preguntamos sobre el marco por el que transcurre nuestra vida, podríamos convenir que, para obtener una explicación de nuestro mundo, debemos referirnos tanto a su realidad temporal como a su realidad espacial. Es decir, tanto a la categoría que se desarrolla entre un comienzo y un final –y que está sometida a una mutación constante– como a aquella donde todo sucede porque todo lo abarca y donde todo tiene lugar. En consecuencia, junto a la posibilidad de entender nuestra vida como lo que somos entre el nacimiento y la muerte, también es posible acercarse a ella de modo fragmentario y sobre los cimientos de los espacios por los que se desarrolla y evoluciona.

Obviando que la linealidad de nuestra existencia depende de los dictados de un azar que, por mucho que nos apliquemos, nunca logramos dominar por completo, hemos establecido el punto de partida de nuestro proyecto basándonos en los lugares por los que transcurre. Es decir, en los espacios que nos pueden definir en función del uso que hacemos de ellos.

En el desarrollo de esta aventura, Georges Perec –conocido, entre otras cosas, por su tendencia obsesiva a listar lo que pasa cuando no pasa nada o lo que se nota y que nunca anotamos– se perfila a nuestro juicio como el guía más adecuado. Así, además de ser el autor del libro que da título a la exposición, Perec nos proporciona la pista de los espacios a los que queremos acceder, al margen de cualquier voluntad enciclopédica y abriendo interrogantes en torno a los significados que pudieran tener para cada uno de nosotros.

Concebida a la manera de un edificio fragmentado espacialmente según la tipología que Perec establece en su libro Especies de espacios (Montesinos, 1999), la exposición reúne una selección de obras escogidas por su capacidad de remitir a las áreas en las que actuamos, somos, nos movemos, pensamos y vivimos. Es decir, a unos espacios que, vistos a través de los ojos de un artista, nos aproximan al significado que pudieran tener para nosotros a través de producciones específicas, de obras pertenecientes a la Colección u otras que, por razones de diversa índole, se nos antojan como el contrapunto ideal para forzar a la imaginación a buscar lo que mejor defina el modo en que los usamos.

Más que una exposición de tesis, archivo o documentación, nuestra propuesta para Especies de espacios se debe entender como una interpretación libre de un libro en su deriva por algunos de los recovecos del espacio público y privado, la intimidad y la vida social, lo que somos y lo que ven de nosotros. En suma, como la deriva de la existencia humana, desde el espacio mínimo y acotado de una página hasta la imposibilidad de poner límites a una idea de espacio en general.

Ignasi Aballí, Lara Almarcegui, Serafín Álvarez, Martí Anson, Marcel Broodthaers, Luz Broto, stanley brouwn, Victor Burgin, Luis Camnitzer, Azahara Cerezo/Mario Santamaria, Joan Colom, Jordi Colomer, Guy Debord, Pep Duran, Andrés Fernández, León Ferrari, Lucio Fontana, Dora García, Gego, Joan Hernández Pijuan, Francisco Ibáñez, Marla Jacarilla, Adrià Julià, Emma Kay, Guillermo Kuitca, Manolo Laguillo, MAIO, Gordon Matta-Clark, Ester Partegàs, Lois Patiño, Gerhard Richter, Humberto Rivas, Pedro G. Romero, Gino Rubert, Francesc Ruiz, Edward Ruscha, Daniel Steegmann Mangrané, Saul Steinberg y Ignacio Uriarte.

Comisario: Frederic Montornés Producción: Museu d'Art Contemporani de Barcelona

http://www.macba.cat/es/expo-especies-de-espacios

ESPECIES DE ESPACIOS

16 jul. 2015 al 31 ene. 2016

Si nos preguntamos sobre el marco por el que transcurre nuestra vida, podríamos convenir que, para obtener una explicación de nuestro mundo, debemos referirnos tanto a su realidad temporal como a su realidad espacial. Es decir, tanto a la categoría que se desarrolla entre un comienzo y un final –y que está sometida a una mutación constante– como a aquella donde todo sucede porque todo lo abarca y donde todo tiene lugar. En consecuencia, junto a la posibilidad de entender nuestra vida como lo que somos entre el nacimiento y la muerte, también es posible acercarse a ella de modo fragmentario y sobre los cimientos de los espacios por los que se desarrolla y evoluciona.

Obviando que la linealidad de nuestra existencia depende de los dictados de un azar que, por mucho que nos apliquemos, nunca logramos dominar por completo, hemos establecido el punto de partida de nuestro proyecto basándonos en los lugares por los que transcurre. Es decir, en los espacios que nos pueden definir en función del uso que hacemos de ellos.

En el desarrollo de esta aventura, Georges Perec –conocido, entre otras cosas, por su tendencia obsesiva a listar lo que pasa cuando no pasa nada o lo que se nota y que nunca anotamos– se perfila a nuestro juicio como el guía más adecuado. Así, además de ser el autor del libro que da título a la exposición, Perec nos proporciona la pista de los espacios a los que queremos acceder, al margen de cualquier voluntad enciclopédica y abriendo interrogantes en torno a los significados que pudieran tener para cada uno de nosotros.

Concebida a la manera de un edificio fragmentado espacialmente según la tipología que Perec establece en su libro Especies de espacios (Montesinos, 1999), la exposición reúne una selección de obras escogidas por su capacidad de remitir a las áreas en las que actuamos, somos, nos movemos, pensamos y vivimos. Es decir, a unos espacios que, vistos a través de los ojos de un artista, nos aproximan al significado que pudieran tener para nosotros a través de producciones específicas, de obras pertenecientes a la Colección u otras que, por razones de diversa índole, se nos antojan como el contrapunto ideal para forzar a la imaginación a buscar lo que mejor defina el modo en que los usamos.

Más que una exposición de tesis, archivo o documentación, nuestra propuesta para Especies de espacios se debe entender como una interpretación libre de un libro en su deriva por algunos de los recovecos del espacio público y privado, la intimidad y la vida social, lo que somos y lo que ven de nosotros. En suma, como la deriva de la existencia humana, desde el espacio mínimo y acotado de una página hasta la imposibilidad de poner límites a una idea de espacio en general.

Ignasi Aballí, Lara Almarcegui, Serafín Álvarez, Martí Anson, Marcel Broodthaers, Luz Broto, stanley brouwn, Victor Burgin, Luis Camnitzer, Azahara Cerezo/Mario Santamaria, Joan Colom, Jordi Colomer, Guy Debord, Pep Duran, Andrés Fernández, León Ferrari, Lucio Fontana, Dora García, Gego, Joan Hernández Pijuan, Francisco Ibáñez, Marla Jacarilla, Adrià Julià, Emma Kay, Guillermo Kuitca, Manolo Laguillo, MAIO, Gordon Matta-Clark, Ester Partegàs, Lois Patiño, Gerhard Richter, Humberto Rivas, Pedro G. Romero, Gino Rubert, Francesc Ruiz, Edward Ruscha, Daniel Steegmann Mangrané, Saul Steinberg y Ignacio Uriarte.

Comisario: Frederic Montornés Producción: Museu d'Art Contemporani de Barcelona

http://www.macba.cat/es/expo-especies-de-espacios

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Nil Yalter in MA’AMINIM, the believers
Mon, 2015-06-08 - Sun, 2015-09-27 ...

Mon, 2015-06-08 - Sun, 2015-09-27

8. 6., 18:00 the lecture: Olivier Hadouchi, 19:00 Opening and guided tour with curator

The exhibition "Ma'aminim the believers" takes the context of the Seine-Saint-Denis department as a fulcrum of the political and social struggles that have agitated France during the last century. Articulating various private and public collections as well as other heterogeneous objects, this exhibition is haunted by this context rather than attempting to illustrate it. It unfolds a loose poetic montage of movies, posters, artworks as well as militant devices discovered along the path of our research, ranging between idealist impulses and crepuscular visions.

The “believers” here are political believers, those who struggle for an ideal and aim at changing the world through collective action. Those who, generation after generation, dare to take the risk to confront reality through the creation of forms. Those who dream the future by inventing critical objects that directly echo back to their present.

Curated by Guillaume Désanges, assisted by Marine Eric and Cybèle Mavrokordopoulou

TRANZITDISPLA · Dittrichova 9/337 · 120 00 Praha 2 CZ · www.tranzitdisplay.cz · info@tranzitdisplay.cz

+420 222 516 982 (Tue - Sun 12 noon - 6 p.m.) · OPENING HOURS Tue - Sun 12 noon - 6 p.m. · FREE ENTRY

http://www.tranzitdisplay.cz/en/vystavy/ma’aminim-believers

Mon, 2015-06-08 - Sun, 2015-09-27

8. 6., 18:00 the lecture: Olivier Hadouchi, 19:00 Opening and guided tour with curator

The exhibition "Ma'aminim the believers" takes the context of the Seine-Saint-Denis department as a fulcrum of the political and social struggles that have agitated France during the last century. Articulating various private and public collections as well as other heterogeneous objects, this exhibition is haunted by this context rather than attempting to illustrate it. It unfolds a loose poetic montage of movies, posters, artworks as well as militant devices discovered along the path of our research, ranging between idealist impulses and crepuscular visions.

The “believers” here are political believers, those who struggle for an ideal and aim at changing the world through collective action. Those who, generation after generation, dare to take the risk to confront reality through the creation of forms. Those who dream the future by inventing critical objects that directly echo back to their present.

Curated by Guillaume Désanges, assisted by Marine Eric and Cybèle Mavrokordopoulou

TRANZITDISPLA · Dittrichova 9/337 · 120 00 Praha 2 CZ · www.tranzitdisplay.cz · info@tranzitdisplay.cz

+420 222 516 982 (Tue - Sun 12 noon - 6 p.m.) · OPENING HOURS Tue - Sun 12 noon - 6 p.m. · FREE ENTRY

http://www.tranzitdisplay.cz/en/vystavy/ma’aminim-believers

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Zones of Conflict. Daniel G. Andújar at HeK (House of Electronic Arts Basel)
17/09/2015
duration: 17.09.2015 - 15.11.2015 Opening: ...

duration: 17.09.2015 - 15.11.2015 Opening: 16.09.2015, 19:00

In his works, Spanish artist Daniel G. Andújar deals with political and social issues and reflects on the relationship between reality and its representation in digital worlds. He starts off with collections of various found media that he uses for his video and Internet projects, as well as arrangements of objects, prints and photographs.

Key themes are the power structures in dominant, hierarchical social systems and the role of technology as an instrument of state control. Andújar uses the representation strategies of media in an ironic and critical manner, asking whether information and communication technologies truly uphold their stated commitment to democratic and egalitarian values. He thus points out the discrepancy between the utopian idea of the Internet as a democratic space, and its actual capabilities and limitations. Andújar thus keeps returning to subversive tactics of occupation and civil disobedience – tactics that use social networks and the Internet to reframe the concept of freedom.

With “Zones of Conflict“ the HeK presents the artist’s first solo exhibition in Switzerland. The exhibition includes works created between 1998 and 2015 on themes related to conflicts, protest movements and geo-political crises. All invite the visitor to take a critical look at today’s communication media and technologies.

Daniel G. Andújar:

Daniel G. Andújar (b. 1966 in Almoradi, Spain) lives and works in Barcelona. He created his first artistic works in the late 1980s, mostly working with video. Early on, he experimented with the creative possibilities of the Internet. In 1996 he founded the fictitious company "Technologies To The People." In this context, he also promoted various collective projects on the Internet, such as art-net-dortmund, e-barcelona.org, e-valencia.org, eseoul.org, e-sevilla.org, e-stuttgart.org, postcapital.org, e-madrid.org, etc. Andujar has taught in several countries and conducted workshops for artists and social collectives. His works have been shown in numerous exhibitions worldwide; the Spanish National Museum Reina Sofia in Madrid hosted a comprehensive, one-man show from January to April 2015.

More info: http://www.hek.ch/en/program/events-en/event/daniel-g-andujar.html

duration: 17.09.2015 - 15.11.2015 Opening: 16.09.2015, 19:00

In his works, Spanish artist Daniel G. Andújar deals with political and social issues and reflects on the relationship between reality and its representation in digital worlds. He starts off with collections of various found media that he uses for his video and Internet projects, as well as arrangements of objects, prints and photographs.

Key themes are the power structures in dominant, hierarchical social systems and the role of technology as an instrument of state control. Andújar uses the representation strategies of media in an ironic and critical manner, asking whether information and communication technologies truly uphold their stated commitment to democratic and egalitarian values. He thus points out the discrepancy between the utopian idea of the Internet as a democratic space, and its actual capabilities and limitations. Andújar thus keeps returning to subversive tactics of occupation and civil disobedience – tactics that use social networks and the Internet to reframe the concept of freedom.

With “Zones of Conflict“ the HeK presents the artist’s first solo exhibition in Switzerland. The exhibition includes works created between 1998 and 2015 on themes related to conflicts, protest movements and geo-political crises. All invite the visitor to take a critical look at today’s communication media and technologies.

Daniel G. Andújar:

Daniel G. Andújar (b. 1966 in Almoradi, Spain) lives and works in Barcelona. He created his first artistic works in the late 1980s, mostly working with video. Early on, he experimented with the creative possibilities of the Internet. In 1996 he founded the fictitious company "Technologies To The People." In this context, he also promoted various collective projects on the Internet, such as art-net-dortmund, e-barcelona.org, e-valencia.org, eseoul.org, e-sevilla.org, e-stuttgart.org, postcapital.org, e-madrid.org, etc. Andujar has taught in several countries and conducted workshops for artists and social collectives. His works have been shown in numerous exhibitions worldwide; the Spanish National Museum Reina Sofia in Madrid hosted a comprehensive, one-man show from January to April 2015.

More info: http://www.hek.ch/en/program/events-en/event/daniel-g-andujar.html

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Sanja Iveković in The World Goes Pop at Tate Modern
14/09/2015
17 September 2015 – 24 January 2016 ...

17 September 2015 – 24 January 2016

The Eyal Ofer Galleries, Level 3

Whaaam! Pop! Kapow! This is pop art, but not as you know it. Tate Modern is ready to tell a global story of pop art, breaking new ground along the way, and revealing a different side to the artistic and cultural phenomenon. From Latin America to Asia, and from Europe to the Middle East, this explosive exhibition connects the dots between art produced around the world during the 1960s and 1970s, showing how different cultures and countries responded to the movement. Politics, the body, domestic revolution, consumption, public protest, and folk – all will be explored and laid bare in eye-popping Technicolor and across many media, from canvas to car bonnets and pinball machines. The exhibition will reveal how pop was never just a celebration of western consumer culture, but was often a subversive international language of protest – a language that is more relevant today than ever.

Artist interview: Sanja Iveković

Was ‘pop art’ a term used by yourself or colleagues or was there a different terminology that referred to a new figurative art movement in the 1960s and early 1970s?

Pop art, minimal art, body art, conceptual art, arte povera … all these terms were in use in the art circles in Yugoslavia in the 1960s and 1970s.

Did you ever consider yourself (now or in the past) a pop artist?

No, I would not consider myself a pop artist. I belong to the generation who came onto the art scene at the beginning of the 1970s. We were commonly known as the ‘conceptualists’. As young artists we were eager to react to the work of the generation before us. We wanted to break with the modernist tradition, which was accepted in socialist Yugoslavia of the 1960s as ‘official art’. Our main concern was the political critique of the high, elite, institutional culture. We questioned the nature and function of art itself, the ‘autonomy’ of the gallery-museum context, the influence of the market logic on the production of the artwork, the social and political role of artists … We shared the opinion that pop art was not radically different from abstract expressionism: the content had changed but everything else stayed the same: the artists were exhibiting in the commercial galleries, their works were quickly accepted by the market … pop art seemed to be just another product of a capitalist mainstream culture. At the time we still believed that the alternative was possible.

I was preoccupied with the question of gender identity and gender roles in society so the politics of the representation of femininity in the mass media was my favourite subject; pop art seemed to be an almost exclusively male movement so it wasn’t inspiring for me.

Did your work engage with current events in the 1960s and early 1970s?

As a woman and as an artist I was formed by the contentious spirit of 1968. I was following the student demonstrations in Yugoslavia but at the Zagreb Fine Art Academy where I was studying I wasn’t generally able to produce works that engaged with the movement. Only on one occasion, for an etching project, did I use a photograph of a well-known female politician who was the president of the Croatian Communist Party. It was my comment on the current political event called the ‘Croatian Spring’. It wasn’t well received by my professors.

How did you choose the subject matter for your work included in The World Goes Pop?

The Yugoslavian socialist government practised a Communist ideology combined with consumerist elements. The subject of this early video, Sweet Violence, is a good example of this. I wanted to deal with the manipulative power of the media, which is a subject that I am still interested in working with. The video consists of the commercials that were part of the economic propaganda programme broadcast on Zagreb television. By placing vertical strips of black tape over the television screen I wanted to create a visual reference to the passive viewer’s captivity at the hands of the system. In this way I could symbolically disconnect viewers from the ‘sweet violence’, violence committed in a tender, endearing and efficient way, and thus even more damaging in its effects.

Where did you get your imagery from (what, if any, sources did you use)?

Since I didn’t have any access to television archives the only way was to record the television programmes.

Were you aware of pop art in other parts of the world?

The information about pop art in other parts of the world was scarce. The Anglo-American media dominance was global.

Was commercial art an influence on your work or the way in which it was made?

In the 1970s I was working as a graphic designer at a large publishing house in Zagreb. Later I started a collaboration with a number of Croatian non-government women’s organisations designing their press material and creating the promotional videos for the television. The knowledge I gained as a graphic designer definitely influenced the way I deal with my artworks.

Was there a feeling at the time that you doing something important and new, making a change…

Yes, the 1970s were heroic in the sense that we felt we are making a change … it was a good feeling.

Was there an audience for the work at the time – and if so what was their reaction to it?

The audience was small but dedicated and enthusiastic.

Looking back at these works, what you do think about them now?

I am pleased to see that young artists find some of my work still inspiring.

September 2015

+ info

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/ey-exhibition-world-goes-pop

17 September 2015 – 24 January 2016

The Eyal Ofer Galleries, Level 3

Whaaam! Pop! Kapow! This is pop art, but not as you know it. Tate Modern is ready to tell a global story of pop art, breaking new ground along the way, and revealing a different side to the artistic and cultural phenomenon. From Latin America to Asia, and from Europe to the Middle East, this explosive exhibition connects the dots between art produced around the world during the 1960s and 1970s, showing how different cultures and countries responded to the movement. Politics, the body, domestic revolution, consumption, public protest, and folk – all will be explored and laid bare in eye-popping Technicolor and across many media, from canvas to car bonnets and pinball machines. The exhibition will reveal how pop was never just a celebration of western consumer culture, but was often a subversive international language of protest – a language that is more relevant today than ever.

Artist interview: Sanja Iveković

Was ‘pop art’ a term used by yourself or colleagues or was there a different terminology that referred to a new figurative art movement in the 1960s and early 1970s?

Pop art, minimal art, body art, conceptual art, arte povera … all these terms were in use in the art circles in Yugoslavia in the 1960s and 1970s.

Did you ever consider yourself (now or in the past) a pop artist?

No, I would not consider myself a pop artist. I belong to the generation who came onto the art scene at the beginning of the 1970s. We were commonly known as the ‘conceptualists’. As young artists we were eager to react to the work of the generation before us. We wanted to break with the modernist tradition, which was accepted in socialist Yugoslavia of the 1960s as ‘official art’. Our main concern was the political critique of the high, elite, institutional culture. We questioned the nature and function of art itself, the ‘autonomy’ of the gallery-museum context, the influence of the market logic on the production of the artwork, the social and political role of artists … We shared the opinion that pop art was not radically different from abstract expressionism: the content had changed but everything else stayed the same: the artists were exhibiting in the commercial galleries, their works were quickly accepted by the market … pop art seemed to be just another product of a capitalist mainstream culture. At the time we still believed that the alternative was possible.

I was preoccupied with the question of gender identity and gender roles in society so the politics of the representation of femininity in the mass media was my favourite subject; pop art seemed to be an almost exclusively male movement so it wasn’t inspiring for me.

Did your work engage with current events in the 1960s and early 1970s?

As a woman and as an artist I was formed by the contentious spirit of 1968. I was following the student demonstrations in Yugoslavia but at the Zagreb Fine Art Academy where I was studying I wasn’t generally able to produce works that engaged with the movement. Only on one occasion, for an etching project, did I use a photograph of a well-known female politician who was the president of the Croatian Communist Party. It was my comment on the current political event called the ‘Croatian Spring’. It wasn’t well received by my professors.

How did you choose the subject matter for your work included in The World Goes Pop?

The Yugoslavian socialist government practised a Communist ideology combined with consumerist elements. The subject of this early video, Sweet Violence, is a good example of this. I wanted to deal with the manipulative power of the media, which is a subject that I am still interested in working with. The video consists of the commercials that were part of the economic propaganda programme broadcast on Zagreb television. By placing vertical strips of black tape over the television screen I wanted to create a visual reference to the passive viewer’s captivity at the hands of the system. In this way I could symbolically disconnect viewers from the ‘sweet violence’, violence committed in a tender, endearing and efficient way, and thus even more damaging in its effects.

Where did you get your imagery from (what, if any, sources did you use)?

Since I didn’t have any access to television archives the only way was to record the television programmes.

Were you aware of pop art in other parts of the world?

The information about pop art in other parts of the world was scarce. The Anglo-American media dominance was global.

Was commercial art an influence on your work or the way in which it was made?

In the 1970s I was working as a graphic designer at a large publishing house in Zagreb. Later I started a collaboration with a number of Croatian non-government women’s organisations designing their press material and creating the promotional videos for the television. The knowledge I gained as a graphic designer definitely influenced the way I deal with my artworks.

Was there a feeling at the time that you doing something important and new, making a change…

Yes, the 1970s were heroic in the sense that we felt we are making a change … it was a good feeling.

Was there an audience for the work at the time – and if so what was their reaction to it?

The audience was small but dedicated and enthusiastic.

Looking back at these works, what you do think about them now?

I am pleased to see that young artists find some of my work still inspiring.

September 2015

+ info

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/ey-exhibition-world-goes-pop

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espaivisor gallery is one of the “Europe’s Top 55 Galleries You Need To Know” by Artnet
24/07/2015
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https://news.artnet.com/art-world/europes-top-galleries-know-part-2-313286

Europe's cities offer a wealth of contemporary art galleries, making the continent an important destination for art lovers across the world. Those looking to admire both established and leading artists, as well as seek out new and emerging talent, flock both to the obvious choices such as London, Berlin, and Paris—not to mention Basel—but also to lesser-known hot-spots like Istanbul, Budapest, and Athens.

While London may be the dominant center, offering a one-stop-shop option for traveling Middle Eastern, Russian, and Asian collectors, in addition to home-grown ones, the European art markets continue to thrive and excite. What's more, Europe's galleries are usually “must-go" destinations if you are following an emerging European talent.

But the European market is eclectic, scattered, and in constant flux. Berlin is still a hotspot, but other hubs are on the rise. Selecting the continent's top commercial galleries can be a tricky task. artnet News has picked 55 contemporary galleries from all across Europe that you need to know. The carefully selected group combines well-known galleries that enjoy widespread recognition, listed by location, as well as smaller spaces that deserve to be in the spotlight.

https://news.artnet.com/art-world/europes-top-galleries-know-part-2-313286

Europe's cities offer a wealth of contemporary art galleries, making the continent an important destination for art lovers across the world. Those looking to admire both established and leading artists, as well as seek out new and emerging talent, flock both to the obvious choices such as London, Berlin, and Paris—not to mention Basel—but also to lesser-known hot-spots like Istanbul, Budapest, and Athens.

While London may be the dominant center, offering a one-stop-shop option for traveling Middle Eastern, Russian, and Asian collectors, in addition to home-grown ones, the European art markets continue to thrive and excite. What's more, Europe's galleries are usually “must-go" destinations if you are following an emerging European talent.

But the European market is eclectic, scattered, and in constant flux. Berlin is still a hotspot, but other hubs are on the rise. Selecting the continent's top commercial galleries can be a tricky task. artnet News has picked 55 contemporary galleries from all across Europe that you need to know. The carefully selected group combines well-known galleries that enjoy widespread recognition, listed by location, as well as smaller spaces that deserve to be in the spotlight.

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TOMISLAV GOTOVAC, SANJA IVEKOVIĆ, LEA LUBLIN: CONSTRUCTION TO TRANSMISSION: ART IN EASTERN EUROPE AND LATIN AMERICA, 1960–1980. MOMA. 05.09.2015 – 03.01.2016
15/06/2015
Construction to Transmission: Art in Eastern E...

Construction to Transmission: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960–1980.

September 5, 2015–January 3, 2016.

The Joan and Preston Robert Tisch Exhibition Gallery, sixth floor.

Construction to Transmission: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960–1980 focuses on the parallels and connections among an international scene of artists working in—and in reference to—Latin America and Eastern Europe during the 1960s and 1970s. The radical experimentation, expansion, and dissemination of ideas that marked the cultural production of these decades (which flanked the widespread student protests of 1968) challenge established art-historical narratives in the West. Artists from Prague to Mexico City developed alternative and ever-expanding networks of distribution and organization, via Paris, Vienna, and Venice, to circumvent the borders established after World War II, local forms of state and military repression, and Western accounts of artistic mastery and individualism. One major transformation across Latin American and Eastern European art scenes was the embrace of institutional critique and an emphasis on the creation of art outside a market context. The exhibition brings together landmark works from MoMA’s collection by Eastern European artists including Geta Brặtescu, Tomislav Gotovac, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Dóra Maurer, and the anti-art collectives Gorgona, OHO, Aktual, and Fluxus East, as well as Latin American artists such as Beatriz González, Lea Lublin, and Ana Mendieta. Particular attention is paid to the group of Argentine artists clustered around the influential Instituto Torcuato Di Tella, including Oscar Bony, David Lamelas, and Marta Minujín, who confronted the aesthetic and political implications of mass media communication—including film, television, and the telex—during a vibrant, experimental period of technological innovation and political tension. Featuring series of works and major installations, several of which are on view for the first time, Construction to Transmission: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960–1980 highlights multiple points of contact, often initiated and sustained through collective actions and personal exchanges between artists. The exhibition suggests possible counter-geographies, realignments, alternative models of solidarity, and new ways of thinking about art produced internationally in relation to the frameworks dictated by the Cold War. Organized by Stuart Comer, Chief Curator, Department of Media and Performance Art; Roxana Marcoci, Senior Curator, Department of Photography; and Christian Rattemeyer, Associate Curator, Department of Drawings and Prints; with Giampaolo Bianconi and Martha Joseph, Curatorial Assistants, Department of Media and Performance Art.

Construction to Transmission: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960–1980.

September 5, 2015–January 3, 2016.

The Joan and Preston Robert Tisch Exhibition Gallery, sixth floor.

Construction to Transmission: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960–1980 focuses on the parallels and connections among an international scene of artists working in—and in reference to—Latin America and Eastern Europe during the 1960s and 1970s. The radical experimentation, expansion, and dissemination of ideas that marked the cultural production of these decades (which flanked the widespread student protests of 1968) challenge established art-historical narratives in the West. Artists from Prague to Mexico City developed alternative and ever-expanding networks of distribution and organization, via Paris, Vienna, and Venice, to circumvent the borders established after World War II, local forms of state and military repression, and Western accounts of artistic mastery and individualism. One major transformation across Latin American and Eastern European art scenes was the embrace of institutional critique and an emphasis on the creation of art outside a market context. The exhibition brings together landmark works from MoMA’s collection by Eastern European artists including Geta Brặtescu, Tomislav Gotovac, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Dóra Maurer, and the anti-art collectives Gorgona, OHO, Aktual, and Fluxus East, as well as Latin American artists such as Beatriz González, Lea Lublin, and Ana Mendieta. Particular attention is paid to the group of Argentine artists clustered around the influential Instituto Torcuato Di Tella, including Oscar Bony, David Lamelas, and Marta Minujín, who confronted the aesthetic and political implications of mass media communication—including film, television, and the telex—during a vibrant, experimental period of technological innovation and political tension. Featuring series of works and major installations, several of which are on view for the first time, Construction to Transmission: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960–1980 highlights multiple points of contact, often initiated and sustained through collective actions and personal exchanges between artists. The exhibition suggests possible counter-geographies, realignments, alternative models of solidarity, and new ways of thinking about art produced internationally in relation to the frameworks dictated by the Cold War. Organized by Stuart Comer, Chief Curator, Department of Media and Performance Art; Roxana Marcoci, Senior Curator, Department of Photography; and Christian Rattemeyer, Associate Curator, Department of Drawings and Prints; with Giampaolo Bianconi and Martha Joseph, Curatorial Assistants, Department of Media and Performance Art.
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LEA LUBLIN: RETROSPECTIVE. LENBACHHOUSE – MUNICH. 25.06.2015 – 13.09.2015
Lenbachhaus presents the first retrospective exhibition dedicat...

Lenbachhaus presents the first retrospective exhibition dedicated to Argentine-French artist Lea Lublin (1929 Brest, Poland – 1999 Paris). Having begun her career as a painter in Buenos Aires, Lublin radically changed course in the mid-1960s to create art that would offer the greatest possible agency and participation for its audience. Lublin belonged to a generation of such artists as Lygia Clark and Allan Kaprow, committed to overcoming the boundaries separating ‘art and life’. Seeking dialogue and confrontation, Lublin’s approach was at once sensual and didactic, challenging yet egalitarian. Her work closely engaged with currents in critical theory, philosophy, and art of her time, and brings them alive for us today. Though familiar to her artistic peers and a younger generation of scholars in France and Argentina, Lublin’s work is still largely unfamiliar to a broader international audience. Spanning three decades, the exhibition at Lenbachhaus focuses on several essential chapters in the artist’s trajectory: the abandonment of painting in favour of environments and actions, the use of dialogue as an art form, the deconstruction of art historical imagery from a psychoanalytical and feminist standpoint, and the inquiry into Marcel Duchamp’s sojourn in Buenos Aires. In addition to photographs, drawings, wall installations, and videos, the exhibition will feature a reconstruction of Lublin’s most ambitious environment “Fluvio Subtunal“ (1969).

On the occasion of the exhibition, Lenbachhaus has restored and preserved a large body of key works from the artist’s estate. Many works are on view for the first time in 20 years. International loans from The Museum of Modern Art in New York, the Centre national des arts plastiques, the Fonds régional d’art contemporain Alsace, and the Bibliothèque nationale de France complete the presentation.

A copiously illustrated catalogue will be published in conjunction with the exhibition featuring contributions by Stephanie Weber, Thibault Boulvain, Catherine Francblin, Teresa Riccardi, Monika Bayer-Wermuth, Isabel Plante, and Pierre Restany. The publication features Lublin’s most important writing and, for the first time, translations of her texts into English and German.

Städtische Galerie im Lenbachhaus. Luisenstraße 33. D-80333 Munich.

http://www.lenbachhaus.de/exhibitions/lea-lublin/?L=1

Lenbachhaus presents the first retrospective exhibition dedicated to Argentine-French artist Lea Lublin (1929 Brest, Poland – 1999 Paris). Having begun her career as a painter in Buenos Aires, Lublin radically changed course in the mid-1960s to create art that would offer the greatest possible agency and participation for its audience. Lublin belonged to a generation of such artists as Lygia Clark and Allan Kaprow, committed to overcoming the boundaries separating ‘art and life’. Seeking dialogue and confrontation, Lublin’s approach was at once sensual and didactic, challenging yet egalitarian. Her work closely engaged with currents in critical theory, philosophy, and art of her time, and brings them alive for us today. Though familiar to her artistic peers and a younger generation of scholars in France and Argentina, Lublin’s work is still largely unfamiliar to a broader international audience. Spanning three decades, the exhibition at Lenbachhaus focuses on several essential chapters in the artist’s trajectory: the abandonment of painting in favour of environments and actions, the use of dialogue as an art form, the deconstruction of art historical imagery from a psychoanalytical and feminist standpoint, and the inquiry into Marcel Duchamp’s sojourn in Buenos Aires. In addition to photographs, drawings, wall installations, and videos, the exhibition will feature a reconstruction of Lublin’s most ambitious environment “Fluvio Subtunal“ (1969).

On the occasion of the exhibition, Lenbachhaus has restored and preserved a large body of key works from the artist’s estate. Many works are on view for the first time in 20 years. International loans from The Museum of Modern Art in New York, the Centre national des arts plastiques, the Fonds régional d’art contemporain Alsace, and the Bibliothèque nationale de France complete the presentation.

A copiously illustrated catalogue will be published in conjunction with the exhibition featuring contributions by Stephanie Weber, Thibault Boulvain, Catherine Francblin, Teresa Riccardi, Monika Bayer-Wermuth, Isabel Plante, and Pierre Restany. The publication features Lublin’s most important writing and, for the first time, translations of her texts into English and German.

Städtische Galerie im Lenbachhaus. Luisenstraße 33. D-80333 Munich.

http://www.lenbachhaus.de/exhibitions/lea-lublin/?L=1

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SANJA IVEKOVIĆ. ICH WAR, ICH BIN, ICH WERDE SEIN! DAADGALERIE. 06.06.2015 – 01.08.2015
Sanja Iveković has been conceiving and executing projects for ...

Sanja Iveković has been conceiving and executing projects for the public sphere since the 1970s. A recurrent theme of her work involves the forms and context of the official culture of memory. With her proposal to reconstruct Ludwig Mies van der Rohe’s monument for Rosa Luxemburg, Karl Liebknecht, and the revolutionaries of the workers’ movement from today’s vantage point, Iveković challenges the dominant politics of remembrance and harks back to the monument’s heavily-contested history, echoes of which could be heard long after the monument was destroyed in 1933.

In the exhibition “Ich war, ich bin, ich werde sein!” (“I was, I am, I shall be!”), Iveković presents the conceptual foundation of the historic “Monument to the November Revolution” by Mies van der Rohe as a research object within the context of left-wing revolutions. She uses the original monument as well as her own proposal as a vehicle to examine and shed light on latent conflicts and contradictions.

The central question of the accompanying symposium, “Memorial For(u)ms – Histories of Possibility” which will take place in HAU on 3–4 July, 2015 is: what kind of discursive and aesthetic form can be attached to a (failed/ unfinished) revolution and what would a reconstruction of the monument stand for today? Rosa Luxemburg’s canonical question ‘Reform or Revolution?’, together with contradictions surrounding the November Revolution of 1918/19 will serve as points of departure for an inquiry into the contradictory nature of revolutionary memory and its form, which merges martyrdom and heroism, optimism and melancholia.

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Sanja Iveković. Ich war, ich bin, ich werde sein! 6. Juni–1. August 2015.

Eröffnung Freitag, 5. Juni 2015, 19–21 Uhr.

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daadgalerie.

Zimmerstraße 90.

10117 Berlin.

www.daadgalerie.de Mo–Sa 11–18 Uhr.

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Memorial For(u)ms – Histories of Possibility. Symposium mit Mikkel Bolt Rasmussen,Boris Buden, Ekaterina Degot, Jodi Dean, Gal Kirn, Bojana Pejić, Gerald Raunig, Milica Tomić, Jelena Vesić, Siegbert Wolf, Ross Wolfe u.a. kuratiert von Antonia Majaca.

///

Eine Produktion des Berliner Künstlerprogramms des DAAD in Zusammenarbeit mit dem HAU Hebbel am Ufer.

3.–4. Juli 2015, 16–21 Uhr.

HAU 1.

Ticketpreis pro Tag: € 8 (ermäßigt € 5).

HAU 1.

Stresemannstraße 29.

10963 Berlin.

www.hebbel-am-ufer.de

Sanja Iveković has been conceiving and executing projects for the public sphere since the 1970s. A recurrent theme of her work involves the forms and context of the official culture of memory. With her proposal to reconstruct Ludwig Mies van der Rohe’s monument for Rosa Luxemburg, Karl Liebknecht, and the revolutionaries of the workers’ movement from today’s vantage point, Iveković challenges the dominant politics of remembrance and harks back to the monument’s heavily-contested history, echoes of which could be heard long after the monument was destroyed in 1933.

In the exhibition “Ich war, ich bin, ich werde sein!” (“I was, I am, I shall be!”), Iveković presents the conceptual foundation of the historic “Monument to the November Revolution” by Mies van der Rohe as a research object within the context of left-wing revolutions. She uses the original monument as well as her own proposal as a vehicle to examine and shed light on latent conflicts and contradictions.

The central question of the accompanying symposium, “Memorial For(u)ms – Histories of Possibility” which will take place in HAU on 3–4 July, 2015 is: what kind of discursive and aesthetic form can be attached to a (failed/ unfinished) revolution and what would a reconstruction of the monument stand for today? Rosa Luxemburg’s canonical question ‘Reform or Revolution?’, together with contradictions surrounding the November Revolution of 1918/19 will serve as points of departure for an inquiry into the contradictory nature of revolutionary memory and its form, which merges martyrdom and heroism, optimism and melancholia.

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Sanja Iveković. Ich war, ich bin, ich werde sein! 6. Juni–1. August 2015.

Eröffnung Freitag, 5. Juni 2015, 19–21 Uhr.

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daadgalerie.

Zimmerstraße 90.

10117 Berlin.

www.daadgalerie.de Mo–Sa 11–18 Uhr.

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Memorial For(u)ms – Histories of Possibility. Symposium mit Mikkel Bolt Rasmussen,Boris Buden, Ekaterina Degot, Jodi Dean, Gal Kirn, Bojana Pejić, Gerald Raunig, Milica Tomić, Jelena Vesić, Siegbert Wolf, Ross Wolfe u.a. kuratiert von Antonia Majaca.

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Eine Produktion des Berliner Künstlerprogramms des DAAD in Zusammenarbeit mit dem HAU Hebbel am Ufer.

3.–4. Juli 2015, 16–21 Uhr.

HAU 1.

Ticketpreis pro Tag: € 8 (ermäßigt € 5).

HAU 1.

Stresemannstraße 29.

10963 Berlin.

www.hebbel-am-ufer.de

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CABELLO/CARCELLER – LOTTY ROSENFELD – LA BIENNALE DI VENEZIA: 56TH INTERNATIONAL ART EXHIBITION IN VENICE. 09.05.2015-22.11.2015
El colectivo Cabello/Carceller forma parte de...

El colectivo Cabello/Carceller forma parte de la exposición Los sujetos, en el Pabellón Español de la Bienal de Venecia (junto a Francesc Ruiz y Pepo Salazar, comisariado por Martí Manen, en donde Dalí estará presente como sujeto pero no se mostrarán sus obras). En su intervención en Venecia, Cabello/Carceller ha trabajado con la idea de frontera, con los límites de ese espacio y con una serie de personajes que desarrollan una narrativa en su interior. «Son tres personajes que ponen de manifiesto, en su relación con los demás, una disidencia sexual».

Lotty Rosenfeld compartirá el Pabellón de Chile con Paz Errázuriz. La exposición, bajo el título Poéticas de la disidencia, está comisariada por Nelly Richard. Los videos que se muestran de Lotty Rosenfeld hablan sobre la extroversión mediática del capitalismo transnacional, en la que el valor económico se traduce en potencia de redes y mercados.

El colectivo Cabello/Carceller forma parte de la exposición Los sujetos, en el Pabellón Español de la Bienal de Venecia (junto a Francesc Ruiz y Pepo Salazar, comisariado por Martí Manen, en donde Dalí estará presente como sujeto pero no se mostrarán sus obras). En su intervención en Venecia, Cabello/Carceller ha trabajado con la idea de frontera, con los límites de ese espacio y con una serie de personajes que desarrollan una narrativa en su interior. «Son tres personajes que ponen de manifiesto, en su relación con los demás, una disidencia sexual».

Lotty Rosenfeld compartirá el Pabellón de Chile con Paz Errázuriz. La exposición, bajo el título Poéticas de la disidencia, está comisariada por Nelly Richard. Los videos que se muestran de Lotty Rosenfeld hablan sobre la extroversión mediática del capitalismo transnacional, en la que el valor económico se traduce en potencia de redes y mercados.

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DANIEL GARCÍA ANDÚJAR: SISTEMA OPERATIVO. EN EL MUSEO REINA SOFÍA. 21.01.2015 – 04.05.2015 / Edificio Sabatini, Planta 3
Through interventions in public space and a critica...

Through interventions in public space and a critical use of digital media and the communication strategies of the corporations connected to it, the theoretical and artistic work developed by Daniel G. Andújar (Almoradí, Alicante, 1966) oscillates between territories that are real (the city) and virtual (the Net). He sets out from the premise that when displaying/dissecting the connections found between both, the inequalities that generate social and power relations are envisaged in a context like the current one.

Operating System presents diverse projects, including a new set of works, Andújar has undertaken over the course of his artistic career to build a corpus that reveals the main constants running through his critical and creative discourse. For instance, projects such as the seminal Technologies To The People (1994) or the installation Individual Citizen Republic Project™: El Sistema (x-devian) (2003), which call into question instrumentalization for speculative ends and/or the social control of communication technologies, triggering the need for us to gain awareness of the dangers and paradoxes of the emancipatory discourse that has been constructed around them.

The considerations of simulated power and the relationship between the real and the virtual form the backbone of works like Se rumorea que… (1999) – which creates fake pieces of news on the gypsy community to explore the influence media narrations have on the construction/transformation of the collective imaginary – or Armed Citizen (1998-2006) and Golpead a los blancos con la cuña roja (2014), two pieces that look at access through the technology of firearms.

A critical approach to current issues, the questioning of the potential of artistic interventions in urban spaces and the deployment of subversive and iconic appropriationist tactics and strategies have also represented a key part of his oeuvre. This is illustrated in works such as La cultura del ladrillo (2004) and Objetos de deseo (2010), which renounce the co-existence of political and economic power in the creation of the housing bubble; Not Found. 1000 casos de estudio (2014), where spaces normally used for advertising feature the standard Internet message that, recontextualised, generates a profound effect of estrangement; Dirigentes (2014), an advertising series that distorts propaganda images of political leaders; and the installation on Picasso, Guernica and the Paris International Exhibition of 1937 that concludes the exhibition.

A través de intervenciones en el espacio público y de un uso ...

A través de intervenciones en el espacio público y de un uso crítico de los medios digitales y de las estrategias comunicativas de las corporaciones vinculadas a los mismos, Daniel G. Andújar (Almoradí, Alicante, 1966) ha desarrollado una producción teórica y artística que bascula entre el territorio de lo real (la ciudad) y el de lo virtual (la Red), todo ello partiendo de la premisa de que al evidenciar/diseccionar las conexiones que existen entre ambos, se puede contribuir a visibilizar las desigualdades que en un contexto como el actual generan las relaciones sociales y de poder.

Sistema operativo presenta junto a una serie de obras de nueva producción, diversos proyectos que Andújar ha realizado a lo largo de su carrera, conformando un corpus que revela las principales constantes de su discurso creativo y crítico. Proyectos como el seminal Technologies To The People (1994) o la instalación Individual Citizen Republic Project™: El Sistema (x-devian) (2003), en los que cuestiona la instrumentalización con fines especulativos y/o de control social de las tecnologías de la comunicación, planteando la necesidad de que tomemos conciencia de los peligros y paradojas del discurso emancipatorio que se ha erigido en torno a las mismas.

La reflexión sobre el poder del simulacro y la relación entre lo real y lo virtual juega un papel clave en obras como Se rumorea que… (1999) -donde a través de la creación de noticias falsas sobre la comunidad gitana se explora la influencia que tienen las narraciones mediáticas en la construcción/transformación del imaginario colectivo- o Armed Citizen (1998-2006) y Golpead a los blancos con la cuña roja (2014), dos piezas en las que se aborda el acceso mediante la tecnología a las armas de fuego.

El acercamiento crítico a temas de actualidad, la indagación sobre las potencialidades de las intervenciones artísticas en el espacio urbano o el empleo de tácticas apropiacionistas y de estrategias de subversión icónica han sido también cruciales en su trabajo. Ejemplos de esto serían obras como La cultura del ladrillo (2004) y Objetos de deseo (2010), con su denuncia de la connivencia entre el poder político y económico en la creación de la burbuja inmobiliaria; Not Found. 1000 casos de estudio (2014), donde se ocupan zonas reservadas a la publicidad con este mensaje habitual en Internet que, recontextualizado, genera un profundo efecto de extrañamiento; Dirigentes (2014), serie publicitaria que distorsiona imágenes propagandísticas de líderes políticos; o la instalación en torno a Picasso, el Guernica y la Exposición Internacional de 1937 que cierra la muestra.

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/daniel-garcia-andujar-sistema-operativo

Through interventions in public space and a critical use of digital media and the communication strategies of the corporations connected to it, the theoretical and artistic work developed by Daniel G. Andújar (Almoradí, Alicante, 1966) oscillates between territories that are real (the city) and virtual (the Net). He sets out from the premise that when displaying/dissecting the connections found between both, the inequalities that generate social and power relations are envisaged in a context like the current one.

Operating System presents diverse projects, including a new set of works, Andújar has undertaken over the course of his artistic career to build a corpus that reveals the main constants running through his critical and creative discourse. For instance, projects such as the seminal Technologies To The People (1994) or the installation Individual Citizen Republic Project™: El Sistema (x-devian) (2003), which call into question instrumentalization for speculative ends and/or the social control of communication technologies, triggering the need for us to gain awareness of the dangers and paradoxes of the emancipatory discourse that has been constructed around them.

The considerations of simulated power and the relationship between the real and the virtual form the backbone of works like Se rumorea que… (1999) – which creates fake pieces of news on the gypsy community to explore the influence media narrations have on the construction/transformation of the collective imaginary – or Armed Citizen (1998-2006) and Golpead a los blancos con la cuña roja (2014), two pieces that look at access through the technology of firearms.

A critical approach to current issues, the questioning of the potential of artistic interventions in urban spaces and the deployment of subversive and iconic appropriationist tactics and strategies have also represented a key part of his oeuvre. This is illustrated in works such as La cultura del ladrillo (2004) and Objetos de deseo (2010), which renounce the co-existence of political and economic power in the creation of the housing bubble; Not Found. 1000 casos de estudio (2014), where spaces normally used for advertising feature the standard Internet message that, recontextualised, generates a profound effect of estrangement; Dirigentes (2014), an advertising series that distorts propaganda images of political leaders; and the installation on Picasso, Guernica and the Paris International Exhibition of 1937 that concludes the exhibition.

A través de intervenciones en el espacio público y de un uso crítico de los medios digitales y de las estrategias comunicativas de las corporaciones vinculadas a los mismos, Daniel G. Andújar (Almoradí, Alicante, 1966) ha desarrollado una producción teórica y artística que bascula entre el territorio de lo real (la ciudad) y el de lo virtual (la Red), todo ello partiendo de la premisa de que al evidenciar/diseccionar las conexiones que existen entre ambos, se puede contribuir a visibilizar las desigualdades que en un contexto como el actual generan las relaciones sociales y de poder.

Sistema operativo presenta junto a una serie de obras de nueva producción, diversos proyectos que Andújar ha realizado a lo largo de su carrera, conformando un corpus que revela las principales constantes de su discurso creativo y crítico. Proyectos como el seminal Technologies To The People (1994) o la instalación Individual Citizen Republic Project™: El Sistema (x-devian) (2003), en los que cuestiona la instrumentalización con fines especulativos y/o de control social de las tecnologías de la comunicación, planteando la necesidad de que tomemos conciencia de los peligros y paradojas del discurso emancipatorio que se ha erigido en torno a las mismas.

La reflexión sobre el poder del simulacro y la relación entre lo real y lo virtual juega un papel clave en obras como Se rumorea que… (1999) -donde a través de la creación de noticias falsas sobre la comunidad gitana se explora la influencia que tienen las narraciones mediáticas en la construcción/transformación del imaginario colectivo- o Armed Citizen (1998-2006) y Golpead a los blancos con la cuña roja (2014), dos piezas en las que se aborda el acceso mediante la tecnología a las armas de fuego.

El acercamiento crítico a temas de actualidad, la indagación sobre las potencialidades de las intervenciones artísticas en el espacio urbano o el empleo de tácticas apropiacionistas y de estrategias de subversión icónica han sido también cruciales en su trabajo. Ejemplos de esto serían obras como La cultura del ladrillo (2004) y Objetos de deseo (2010), con su denuncia de la connivencia entre el poder político y económico en la creación de la burbuja inmobiliaria; Not Found. 1000 casos de estudio (2014), donde se ocupan zonas reservadas a la publicidad con este mensaje habitual en Internet que, recontextualizado, genera un profundo efecto de extrañamiento; Dirigentes (2014), serie publicitaria que distorsiona imágenes propagandísticas de líderes políticos; o la instalación en torno a Picasso, el Guernica y la Exposición Internacional de 1937 que cierra la muestra.

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/daniel-garcia-andujar-sistema-operativo

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ESTHER FERRER, PREMIO VELÁZQUEZ DE ARTES PLÁSTICAS 2014
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PATRICIA GÓMEZ & MARÍA JESÚS GONZÁLEZ. PRIMER PREMIO FIG -FESTIVAL INTERNACIONAL DE GRABADO- BILBAO 2014
"Por el contenido de la investigación, su  mirada original so...

"Por el contenido de la investigación, su  mirada original sobre el mundo de las prisiones y el compromiso con la libertad del individuo, asi como la fuerza innovadora de sus medios expresivos".

"Por el contenido de la investigación, su  mirada original sobre el mundo de las prisiones y el compromiso con la libertad del individuo, asi como la fuerza innovadora de sus medios expresivos".

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NIL YALTER AT THE GWANGJU BIENNALE. 05.09.2014 – 09.11.2014
10th Gwangju Biennale The ...

10th Gwangju Biennale

The 2014 Gwangju Biennale explores the process of dynamism and innovation through the theme of Burning Down the House, to examine the new aesthetic value and the discourses on Asianness.

Burning Down the House looks at the resistance and challenge against established institutions, as well as creative destruction and new start, so that cultural diversity is expressed through traditional forms of art, installation art, performance, new media, movie, theater, music and architecture.

The theme comes from the famous song title of a popular progressive group called Talking Heads from New York during the early 1980s, which has been borrowed because it suitably delivers the direction and purpose of the 2014 Gwangju Biennale.

It is notable that large numbers of performances have been introduced in order to display the dynamism, including movement for transformation and reform, criticism against customs and institutions, political interventions and creative acts.

In addition, about half of Asian artists attended reflecting the prestige of Gwangju Biennale, which has been exploring the Asian value and Asianness during the past twenty years as Asia’s largest biennale, aiming to deliver the discourses on art by including the Third World countries like South America rather than focusing on Europe.

http://www.gwangjubiennale.org/eng/gb/past/intro/?no=10&mode=view&BN_IDX=70

10th Gwangju Biennale

The 2014 Gwangju Biennale explores the process of dynamism and innovation through the theme of Burning Down the House, to examine the new aesthetic value and the discourses on Asianness.

Burning Down the House looks at the resistance and challenge against established institutions, as well as creative destruction and new start, so that cultural diversity is expressed through traditional forms of art, installation art, performance, new media, movie, theater, music and architecture.

The theme comes from the famous song title of a popular progressive group called Talking Heads from New York during the early 1980s, which has been borrowed because it suitably delivers the direction and purpose of the 2014 Gwangju Biennale.

It is notable that large numbers of performances have been introduced in order to display the dynamism, including movement for transformation and reform, criticism against customs and institutions, political interventions and creative acts.

In addition, about half of Asian artists attended reflecting the prestige of Gwangju Biennale, which has been exploring the Asian value and Asianness during the past twenty years as Asia’s largest biennale, aiming to deliver the discourses on art by including the Third World countries like South America rather than focusing on Europe.

http://www.gwangjubiennale.org/eng/gb/past/intro/?no=10&mode=view&BN_IDX=70

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GRACIELA CARNEVALE, CARLOS LEPPE, ESTHER FERRER, JÜRGEN KLAUKE, LOTTY ROSENFELD, MARTHA ROSLER, MLADEN STILINOVIĆ, NIL YALTER, SANJA IVEKOVIĆ, TOMISLAV GOTOVAC: ARTEVIDA. A CITYWIDE CONTEMPORARY ART EXHIBITION
ARTEVIDA. 27.06.2014 - 21.09.2014. Una exposición q...

ARTEVIDA. 27.06.2014 - 21.09.2014. Una exposición que tiene lugar en diferentes espacios de Río de Janeiro en la que se exploran las relaciones que existían, precisamente entre el arte y la vida, desde finales de la década de 1950 hasta comienzos de la de 1980. La exposición está dividida en cuatro secciones: Artevida Cuerpo (en Casa França-Brasil), Artevida Política (en el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro), Artevida Archivo (en la Biblioteca del estado de Río de Janeiro) y Artevida Parque (en la escuela de Artes Visuales del Parque Lage, en la zona de las Caballerizas y el parque circundante). Comisarios: Adriano Pedrosa y Rodrigo Moura. Organiza: Secretaría de Estado de Cultura de Río de Janeiro.

ARTEVIDA. 27.06.2014 - 21.09.2014. Una exposición que tiene lugar en diferentes espacios de Río de Janeiro en la que se exploran las relaciones que existían, precisamente entre el arte y la vida, desde finales de la década de 1950 hasta comienzos de la de 1980. La exposición está dividida en cuatro secciones: Artevida Cuerpo (en Casa França-Brasil), Artevida Política (en el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro), Artevida Archivo (en la Biblioteca del estado de Río de Janeiro) y Artevida Parque (en la escuela de Artes Visuales del Parque Lage, en la zona de las Caballerizas y el parque circundante). Comisarios: Adriano Pedrosa y Rodrigo Moura. Organiza: Secretaría de Estado de Cultura de Río de Janeiro.

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BLEDA Y ROSA: LOST IN LANDSCAPE. MUSEO DI ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA DI TRENTO E ROVERETO. 05.04.2014 – 31.08.2014
"Il viaggiatore riconosce il poco che è suo, scoprendo il molt...

"Il viaggiatore riconosce il poco che è suo, scoprendo il molto che non ha avuto e non avrà". Italo Calvino. La mostra, a cura di Gerardo Mosquera, affronta il tema attraverso le opere di oltre 60 artisti provenienti da tutto il mondo, molti dei quali mai presentati in Italia. Oltre 170 fotografie, 84 opere pittoriche, 10 video, 4 video-installazioni, 4 installazioni, 4 interventi context specific (Gonzalo Diaz, Takahiro Iwasaki, Glexis Novoa e Cristina Lucas), 1 progetto web specific (Simon Faithfull), 1 libro d’artista (Ed Ruscha).

http://www.mart.trento.it/perdutinelpaesaggio

"Il viaggiatore riconosce il poco che è suo, scoprendo il molto che non ha avuto e non avrà". Italo Calvino. La mostra, a cura di Gerardo Mosquera, affronta il tema attraverso le opere di oltre 60 artisti provenienti da tutto il mondo, molti dei quali mai presentati in Italia. Oltre 170 fotografie, 84 opere pittoriche, 10 video, 4 video-installazioni, 4 installazioni, 4 interventi context specific (Gonzalo Diaz, Takahiro Iwasaki, Glexis Novoa e Cristina Lucas), 1 progetto web specific (Simon Faithfull), 1 libro d’artista (Ed Ruscha).

http://www.mart.trento.it/perdutinelpaesaggio

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JOAN FONTCUBERTA: CAMOUFLAGES – MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE, PARIS – 15.01.2014 – 16.03.2014
Artiste contemporain catalan, Joan Fontcuberta a connu pendant ...

Artiste contemporain catalan, Joan Fontcuberta a connu pendant sa jeunesse la dictature franquiste, et avec elle la censure et la falsification de l’information. Diplômé en sciences de l’information, théoricien, critique, historien et professeur, il questionne dans son travail toutes les formes de prétendue vérité. Son œuvre, s’appuyant sur les possibilités offertes par l’image photographique et ses capacités de manipulation, nous entraine dans une réalité à la fois vraisemblable et insolite. http://www.mep-fr.org/evenement/joan-fontcuberta/

Artiste contemporain catalan, Joan Fontcuberta a connu pendant sa jeunesse la dictature franquiste, et avec elle la censure et la falsification de l’information. Diplômé en sciences de l’information, théoricien, critique, historien et professeur, il questionne dans son travail toutes les formes de prétendue vérité. Son œuvre, s’appuyant sur les possibilités offertes par l’image photographique et ses capacités de manipulation, nous entraine dans une réalité à la fois vraisemblable et insolite. http://www.mep-fr.org/evenement/joan-fontcuberta/