06/11/19 - 13/12/19
UNE IMAGE MORCELÉE
Photographies et vidéos féministes en France dans les années 1970
Opening on nov. 12th 6pm
On display from nov. 06 to dec. 13 2019
06/11/19 - 13/12/19
UNE IMAGE MORCELÉE
Photographies et vidéos féministes en France dans les années 1970
Opening on nov. 12th 6pm
On display from nov. 06 to dec. 13 2019
MAC VAL is inaugurating an original exhibition by Nil Yalter, an artist internationally recognised for the engagement and “multistylistic” nature of her art, ranging from video to painting, from collage to photography, from performance to installation. Of this militant artist born in 1938, art critic Georges Boudaille wrote in 1979: “Nil Yalter sees herself as an instrument, an amplifier, in favour of almost obsessional themes: the situation of all immigrant workers and the position of women in all societies.”
Her works, her forms derive from her documentary or sociological material. She explores the conditions of excluded populations or individuals – immigrant male and female workers, exiled communities, women prisoners – by means of investigations and interviews. Nil Yalter gives a voice to individuals who express the difficulty of their everyday life in their quarter, town, country, or society.
“TRANS/HUMANCE” is the first major museum exhibition devoted to Yalter’s work.
It follows the one organised by FRAC Lorraine in 2016 and is designed to be complimentary to the one organised at the Museum Ludwig in Cologne and at the Hessel Museum of Art in Annandale-on-Hudson, New York. From the constructivist paintings of the 1960s to the most recent developments, it offers a retrospective of this body of work which takes a feminist and Marxist perspective on such issues as immigration, gender and class.
Discrimination is the driving theme of this multimedia body of work combining drawing, video, painting, performance, text, photography and objects. This exhibition is also accompanied by the first monograph on the artist’s work to be published in French.
“A photograph of the carer of Nil Yalter, a Franco-Turkish artist born in 1938, the exhibition “TRANS/HUMANCE” sets up connections between her different periods, from the constructivist paintings of the 1960s to two new works conceived for MAC VAL (Niqab Blues, 2018-19 and Gitanes, 2019), via the socio-critical projects of the 1970s and 1980s. The displays includes the first recreation of Yalter’s crucial 1983 exhibition at the ARC “C’est un dur métier que l’exil,” in which men and women speak of their living and working conditions in the secret workshops of the Faubourg Saint-Denis. Many of her works are shown here in their full form, like the video Katran (1978), in which a union activist explains workplace bullying. The works examine the new towns, home to factory workers (Chicago, 1975) whose struggles to improve their existences are depicted along with the effects of their beliefs. The exhibition takes in the set of works which constitute an important record of immigration in France in the 1970s and 80s, but also reflect the artist’s feminist and Marxist positions. Her feminist engagements are to the fore in La Femme sans tête ou La Danse du ventre (1974) and Lapidation (2009), as well as in the interactive video Histoire de peau (2003).
“TRANS/HUMANCE” immerses visitors in a powerful discourse, with words that speak both to our sensibility and to our desire for rational knowledge. These pieces are emblematic of the struggles and desires of a given period yet resonate powerfully with our own, even if the influence of ethnography and political and social events place them within specific places and histories. In this multimedia ensemble, moving images are associated with drawings, gelatin silver photographs and Polaroids, paintings and collages of materials and texts, adapted to the new computer-based technologies of the 1990s–2000s. “TRANS/HUMANCE” offers a magnificent panorama of sixty years of work by a major international artist.”
Text by Fabienne Dumont,
co-curator of the exhibition
TweetMAC VAL is inaugurating an original exhibition by Nil Yalter, an artist internationally recognised for the engagement and “multistylistic” nature of her art, ranging from video to painting, from collage to photography, from performance to installation. Of this militant artist born in 1938, art critic Georges Boudaille wrote in 1979: “Nil Yalter sees herself as an instrument, an amplifier, in favour of almost obsessional themes: the situation of all immigrant workers and the position of women in all societies.”
Her works, her forms derive from her documentary or sociological material. She explores the conditions of excluded populations or individuals – immigrant male and female workers, exiled communities, women prisoners – by means of investigations and interviews. Nil Yalter gives a voice to individuals who express the difficulty of their everyday life in their quarter, town, country, or society.
“TRANS/HUMANCE” is the first major museum exhibition devoted to Yalter’s work.
It follows the one organised by FRAC Lorraine in 2016 and is designed to be complimentary to the one organised at the Museum Ludwig in Cologne and at the Hessel Museum of Art in Annandale-on-Hudson, New York. From the constructivist paintings of the 1960s to the most recent developments, it offers a retrospective of this body of work which takes a feminist and Marxist perspective on such issues as immigration, gender and class.
Discrimination is the driving theme of this multimedia body of work combining drawing, video, painting, performance, text, photography and objects. This exhibition is also accompanied by the first monograph on the artist’s work to be published in French.
“A photograph of the carer of Nil Yalter, a Franco-Turkish artist born in 1938, the exhibition “TRANS/HUMANCE” sets up connections between her different periods, from the constructivist paintings of the 1960s to two new works conceived for MAC VAL (Niqab Blues, 2018-19 and Gitanes, 2019), via the socio-critical projects of the 1970s and 1980s. The displays includes the first recreation of Yalter’s crucial 1983 exhibition at the ARC “C’est un dur métier que l’exil,” in which men and women speak of their living and working conditions in the secret workshops of the Faubourg Saint-Denis. Many of her works are shown here in their full form, like the video Katran (1978), in which a union activist explains workplace bullying. The works examine the new towns, home to factory workers (Chicago, 1975) whose struggles to improve their existences are depicted along with the effects of their beliefs. The exhibition takes in the set of works which constitute an important record of immigration in France in the 1970s and 80s, but also reflect the artist’s feminist and Marxist positions. Her feminist engagements are to the fore in La Femme sans tête ou La Danse du ventre (1974) and Lapidation (2009), as well as in the interactive video Histoire de peau (2003).
“TRANS/HUMANCE” immerses visitors in a powerful discourse, with words that speak both to our sensibility and to our desire for rational knowledge. These pieces are emblematic of the struggles and desires of a given period yet resonate powerfully with our own, even if the influence of ethnography and political and social events place them within specific places and histories. In this multimedia ensemble, moving images are associated with drawings, gelatin silver photographs and Polaroids, paintings and collages of materials and texts, adapted to the new computer-based technologies of the 1990s–2000s. “TRANS/HUMANCE” offers a magnificent panorama of sixty years of work by a major international artist.”
Text by Fabienne Dumont,
co-curator of the exhibition
TweetEste proyecto sobre la obra de Ana Teresa Ortega, que comprende su producción desde los años noventa hasta la actualidad, toma como punto de partida la exposición Visión-revisión de 1990 y como punto de cierre sus últimos proyectos, realizados en la última década, algunos de los cuales se muestran por primera vez al público en esta exposición.
En 1990 la autora presentó por primera vez Foto-esculturas, una serie entre la fotografía y la escultura en la que ya podemos observar algunos elementos de su modus operandi como las referencias a los medios de comunicación y la cultura de masas y una fuerte preocupación por el entorno social y sus efectos en el individuo, que derivará posteriormente hacia lo histórico y lo colectivo. En estas obras elude el papel y utiliza como soportes telas emulsionadas o hierro.
Los intereses surgidos de los primeros proyectos fueron adoptando diferentes aspectos debido a la utilización de otros materiales como el metacrilato y soportes transparentes: Figuras del exilio, La biblioteca, una metáfora del tiempo, Jardines de la memoria y Pensadores dejan paso al siguiente gran tema de sus investigaciones, que concretará en los inicios del siglo XXI, como fue su investigación sobre la memoria histórica. Esta cuestión generará una serie de proyectos consecutivos que arranca con Cartografías silenciadas, continúa con De trabajos forzados y se cierra con Lugares del saber y exilio científico y Presencias sombrías. Una serie de proyectos que han requerido de una larga investigación en los diferentes archivos que custodian información relevante sobre el golpe de estado franquista y la posterior Guerra Civil.
La arquitectura de las salas Goerlich-Ferreres nos ha permitido organizar la exposición alojando cada uno de los proyectos en un espacio diferente, en lugar de una secuencia cronológica, buscando las relaciones que existen entre ellos, para facilitar una más fácil comprensión por parte del visitante.
Pep Benlloch
Este proyecto sobre la obra de Ana Teresa Ortega, que comprende su producción desde los años noventa hasta la actualidad, toma como punto de partida la exposición Visión-revisión de 1990 y como punto de cierre sus últimos proyectos, realizados en la última década, algunos de los cuales se muestran por primera vez al público en esta exposición.
En 1990 la autora presentó por primera vez Foto-esculturas, una serie entre la fotografía y la escultura en la que ya podemos observar algunos elementos de su modus operandi como las referencias a los medios de comunicación y la cultura de masas y una fuerte preocupación por el entorno social y sus efectos en el individuo, que derivará posteriormente hacia lo histórico y lo colectivo. En estas obras elude el papel y utiliza como soportes telas emulsionadas o hierro.
Los intereses surgidos de los primeros proyectos fueron adoptando diferentes aspectos debido a la utilización de otros materiales como el metacrilato y soportes transparentes: Figuras del exilio, La biblioteca, una metáfora del tiempo, Jardines de la memoria y Pensadores dejan paso al siguiente gran tema de sus investigaciones, que concretará en los inicios del siglo XXI, como fue su investigación sobre la memoria histórica. Esta cuestión generará una serie de proyectos consecutivos que arranca con Cartografías silenciadas, continúa con De trabajos forzados y se cierra con Lugares del saber y exilio científico y Presencias sombrías. Una serie de proyectos que han requerido de una larga investigación en los diferentes archivos que custodian información relevante sobre el golpe de estado franquista y la posterior Guerra Civil.
La arquitectura de las salas Goerlich-Ferreres nos ha permitido organizar la exposición alojando cada uno de los proyectos en un espacio diferente, en lugar de una secuencia cronológica, buscando las relaciones que existen entre ellos, para facilitar una más fácil comprensión por parte del visitante.
Pep Benlloch
- tr. Infundir mesura.
- tr. desus. Determinar la dimensión, medir. U. en Ec.
- tr. desus. considerar (‖ pensar sobre algo analizándolo).
- prnl. Contenerse, moderarse.
- Ascertain the size, amount, or degree of (something) by using an instrument or device marked in standard units.
- Assess the importance, effect, or value of (something)
- archaic Travel over (a certain distance or area)
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- prnl. Contenerse, moderarse.
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- Assess the importance, effect, or value of (something)
- archaic Travel over (a certain distance or area)
«La Vanguardia Feminista de los años 70. Obras de la VERBUND COLLECTION, Viena»
La exposición destaca los hitos de la Vanguardia Feminista que, en la década de los setenta, reescribió el canon de la historia del arte. Muestra más de doscientas obras de 73 artistas como Cindy Sherman, Helena Almeida, Ana Mendieta, Judy Chicago, VALIE EXPORT, Birgit Jürgenssen, Ketty La Rocca, ORLAN, Gina Pane, Martha Rosler o Martha Wilson. El CCCB ha incorporado a la exposición siete artistas locales: Pilar Aymerich, Mari Chordà, Eulàlia Grau, Fina Miralles, Angels Ribé, Eugènia Balcells y Marisa González. También forma parte de este grupo Dorothée Selz, nacida en París pero que vivió y trabajó en Barcelona en los años 70. Mediante el uso de lenguajes y técnicas como la fotografía, el cine, el vídeo, la performance y los happenings, estas artistas deconstruyeron los condicionantes culturales y sociales represivos de la época, así como los mecanismos y automatismos de la opresión a las mujeres. Por primera vez en la historia del arte, las artistas empezaban, como colectivo, a tomar la iniciativa en la «representación de la mujer» mediante la creación de una pluralidad de identidades femeninas determinadas por sí mismas.«Coreografías del género»
Los feminismos actuales son demasiado plurales para recogerlos en un solo relato. En los casi cincuenta años que han pasado desde 1970, se ha abierto el sujeto del feminismo y se ha impuesto el término «género» para indicar que la diferencia sexual (hombres/mujeres, masculino/femenino) no es «natural», sino que está condicionada por la cultura, y que las combinatorias pueden ir más allá de esos polos opuestos. Además, el movimiento feminista se ha combinado cada vez más con otras luchas contra las desigualdades: el sexismo no se puede desligar de otras formas de dominación como el racismo, la homofobia y la transfobia, el especismo, el desprecio hacia las personas pobres o las consideradas discapacitadas o extranjeras. «Coreografías del género» desea reflejar algunas figuras y movimientos de la danza de los géneros, de entre las muchas posibles. Los focos temáticos que la orientan complementan y enriquecen la visión de los años setenta, desde Cataluña y el Estado español, con voces de artistas que no estaban presentes todavía en la escena artística de aquella época. Presenta la obra de las artistas Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Lucía Egaña, Nuria Güell, ideadestroyingmuros, María Llopis, Jesús Martínez Oliva, Julia Montilla, O.R.G.I.A, Daniela Ortiz, Linda Porn, María Ruido, Anna Irina Russell i Txe Roimeser, Mireia Sallarès, Toxic Lesbian y Eulàlia Valldosera.«Un espacio de documentación»
Completa el recorrido un espacio con documentación histórica y un apartado sobre cómic y feminismo, “El cuerpo como conflicto”, comisariado por Marika Vila. Con obras originales de Montse Clavé, Laura Pérez Vernetti, Núria Pompeia, Mariel Soria y Marika Vila."The Feminist Avant-Garde of the 1970s. Works from the VERBUND COLLECTION, Vienna"
The exhibition highlights the milestones of the Avant-Garde Feminism which, in the seventies, rewrote the canon of the history of art. It presents over 200 works by 73 women artists such as Cindy Sherman, Helena Almeida, Ana Mendieta, Judy Chicago, VALIE EXPORT, Birgit Jürgenssen, Ketty La Rocca, ORLAN, Gina Pane, Martha Rosler and Martha Wilson. By means of languages and techniques such as photography, cinema, video, performance and happenings, these artists deconstructed the repressive cultural and social constraints of the time, as well as the mechanisms and automatisms of oppression of women. For the first time in the history of art, women artists began, as a group, to take the initiative in the “representation of women” by creating a plurality of feminine identities that they determined. The CCCB has incorporated seven local artists: Pilar Aymerich, Mari Chordà, Eulàlia Grau, Fina Miralles, Angels Ribé, Eugènia Balcells, and Marisa González, as well as Dorothée Selz, who was born in Paris but who lived and worked in Barcelona in the seventies."Choreographies of Gender"
Today’s feminisms are too plural to fit into a single narrative. In the almost fifty years that have gone by since the seventies, the subject of feminism has been opened up and the term “gender” introduced to indicate that sexual difference (men/women, masculine/feminine) is not natural but conditioned by culture, and that possible manifestations go beyond these opposing poles. The feminist movement has also increasingly joined forces with other fights against inequality: sexism cannot be taken apart from other forms of domination such as racism, homophobia and transphobia, speciesism, and disrespect for poor people or people who are considered disabled or foreign. “Choreographies of Gender” aims to reflect some of the many possible figures and movements in the dance of genders. It is based on thematic focuses that complement and enrich the view of the seventies, from a Catalan and Spanish viewpoint, with the voice of artists who were not yet present on the artistic scene at that time. The show presents the works of the artists Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Lucía Egaña, Nuria Güell, ideadestroyingmuros, María Llopis, Jesús Martínez Oliva, Julia Montilla, O.R.G.I.A, Daniela Ortiz, Linda Porn, María Ruido, Anna Irina Russell and Txe Roimeser, Mireia Sallarès, Toxic Lesbian and Eulàlia Valldosera."A space of documentation"
The route ends with a space dedicated to historial documentation and a section on comics and feminism, "The body as a conflict", curated by Marika Vila. With orginal works by Montse Clavé, Laura Pérez Vernetti, Núria Pompeia, Mariel Soria and Marika Vila. Tweet«La Vanguardia Feminista de los años 70. Obras de la VERBUND COLLECTION, Viena»
La exposición destaca los hitos de la Vanguardia Feminista que, en la década de los setenta, reescribió el canon de la historia del arte. Muestra más de doscientas obras de 73 artistas como Cindy Sherman, Helena Almeida, Ana Mendieta, Judy Chicago, VALIE EXPORT, Birgit Jürgenssen, Ketty La Rocca, ORLAN, Gina Pane, Martha Rosler o Martha Wilson. El CCCB ha incorporado a la exposición siete artistas locales: Pilar Aymerich, Mari Chordà, Eulàlia Grau, Fina Miralles, Angels Ribé, Eugènia Balcells y Marisa González. También forma parte de este grupo Dorothée Selz, nacida en París pero que vivió y trabajó en Barcelona en los años 70. Mediante el uso de lenguajes y técnicas como la fotografía, el cine, el vídeo, la performance y los happenings, estas artistas deconstruyeron los condicionantes culturales y sociales represivos de la época, así como los mecanismos y automatismos de la opresión a las mujeres. Por primera vez en la historia del arte, las artistas empezaban, como colectivo, a tomar la iniciativa en la «representación de la mujer» mediante la creación de una pluralidad de identidades femeninas determinadas por sí mismas.«Coreografías del género»
Los feminismos actuales son demasiado plurales para recogerlos en un solo relato. En los casi cincuenta años que han pasado desde 1970, se ha abierto el sujeto del feminismo y se ha impuesto el término «género» para indicar que la diferencia sexual (hombres/mujeres, masculino/femenino) no es «natural», sino que está condicionada por la cultura, y que las combinatorias pueden ir más allá de esos polos opuestos. Además, el movimiento feminista se ha combinado cada vez más con otras luchas contra las desigualdades: el sexismo no se puede desligar de otras formas de dominación como el racismo, la homofobia y la transfobia, el especismo, el desprecio hacia las personas pobres o las consideradas discapacitadas o extranjeras. «Coreografías del género» desea reflejar algunas figuras y movimientos de la danza de los géneros, de entre las muchas posibles. Los focos temáticos que la orientan complementan y enriquecen la visión de los años setenta, desde Cataluña y el Estado español, con voces de artistas que no estaban presentes todavía en la escena artística de aquella época. Presenta la obra de las artistas Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Lucía Egaña, Nuria Güell, ideadestroyingmuros, María Llopis, Jesús Martínez Oliva, Julia Montilla, O.R.G.I.A, Daniela Ortiz, Linda Porn, María Ruido, Anna Irina Russell i Txe Roimeser, Mireia Sallarès, Toxic Lesbian y Eulàlia Valldosera.«Un espacio de documentación»
Completa el recorrido un espacio con documentación histórica y un apartado sobre cómic y feminismo, “El cuerpo como conflicto”, comisariado por Marika Vila. Con obras originales de Montse Clavé, Laura Pérez Vernetti, Núria Pompeia, Mariel Soria y Marika Vila."The Feminist Avant-Garde of the 1970s. Works from the VERBUND COLLECTION, Vienna"
The exhibition highlights the milestones of the Avant-Garde Feminism which, in the seventies, rewrote the canon of the history of art. It presents over 200 works by 73 women artists such as Cindy Sherman, Helena Almeida, Ana Mendieta, Judy Chicago, VALIE EXPORT, Birgit Jürgenssen, Ketty La Rocca, ORLAN, Gina Pane, Martha Rosler and Martha Wilson. By means of languages and techniques such as photography, cinema, video, performance and happenings, these artists deconstructed the repressive cultural and social constraints of the time, as well as the mechanisms and automatisms of oppression of women. For the first time in the history of art, women artists began, as a group, to take the initiative in the “representation of women” by creating a plurality of feminine identities that they determined. The CCCB has incorporated seven local artists: Pilar Aymerich, Mari Chordà, Eulàlia Grau, Fina Miralles, Angels Ribé, Eugènia Balcells, and Marisa González, as well as Dorothée Selz, who was born in Paris but who lived and worked in Barcelona in the seventies."Choreographies of Gender"
Today’s feminisms are too plural to fit into a single narrative. In the almost fifty years that have gone by since the seventies, the subject of feminism has been opened up and the term “gender” introduced to indicate that sexual difference (men/women, masculine/feminine) is not natural but conditioned by culture, and that possible manifestations go beyond these opposing poles. The feminist movement has also increasingly joined forces with other fights against inequality: sexism cannot be taken apart from other forms of domination such as racism, homophobia and transphobia, speciesism, and disrespect for poor people or people who are considered disabled or foreign. “Choreographies of Gender” aims to reflect some of the many possible figures and movements in the dance of genders. It is based on thematic focuses that complement and enrich the view of the seventies, from a Catalan and Spanish viewpoint, with the voice of artists who were not yet present on the artistic scene at that time. The show presents the works of the artists Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Lucía Egaña, Nuria Güell, ideadestroyingmuros, María Llopis, Jesús Martínez Oliva, Julia Montilla, O.R.G.I.A, Daniela Ortiz, Linda Porn, María Ruido, Anna Irina Russell and Txe Roimeser, Mireia Sallarès, Toxic Lesbian and Eulàlia Valldosera."A space of documentation"
The route ends with a space dedicated to historial documentation and a section on comics and feminism, "The body as a conflict", curated by Marika Vila. With orginal works by Montse Clavé, Laura Pérez Vernetti, Núria Pompeia, Mariel Soria and Marika Vila. TweetVIII Edición - Bestias
Somos brutos, somos feroces, somos crueles. Somos indomables, somos impulsivos, somos temerarios. Somos viscerales, somos imprevisibles, somos violentos. Somos BESTIAS beasts bèsties 兽类 dýr bestie скот bestas šelmy bestien الوحوش piztiak θηρία zveri petojen vadállatok fän
Condenamos la violencia. Criticamos el abuso de poder y denunciamos el uso indiscriminado de de la fuerza. Nos alzamos contra la intolerancia, nos exaltamos al ver escenas de furia, censuramos la crueldad. Vivimos en una sociedad acostumbrada a los excesos, en la que cada día asistimos a situaciones en las que prima la vehemencia.
Nos rebelamos para no acostumbrarnos a esto. Queremos huir de cualquier trance que nos provoque saña, tirantez, disgusto. Estamos radicalmente en contra de la violencia, pero todos somos violentos. Y esa dicotomía nos atormenta.
¿Por qué está el mundo tan lleno de agresividad? ¿Por qué son tan frecuentes la hostilidad y la crueldad entre los seres humanos? ¿Por qué se amenazan entre sí las naciones con el exterminio nuclear? ¿Por qué aumenta la delincuencia prácticamente en todas partes? ¿Cuál puede ser la respuesta? La más cómoda es, desde luego, afirmar que el ser humano es un ser imperfecto, nacido en pecado y agresivo por naturaleza. Además, esta explicación es satisfactoria para casi todo el mundo, porque a quien nace predeterminado no puede culpársele por su forma de comportarse.
El Festival 10 Sentidos, en su VIII edición, pretende reflexionar acerca del concepto de violencia, que nos abruma y nos fascina a partes iguales, que nos rodea y nos persigue, y generar un diálogo para desmantelar el sistema violento e injusto en el que vivimos.
El Festival 10 Sentidos nace en 2011 y se consolida, edición tras edición, con la satisfacción de haber convertido este encuentro con el arte (escénico, plástico, cinematográfico, audiovisual, literario, didáctico…) en un referente y en una cita obligada cada año en València. El Festival de las artes vivas de València.
VIII Edition - Bestias
We are brutish, we are ferocious, we are cruel. We areindomitable, we are impulsive, we are reckless. We are visceral, we are unpredictable, we are violent. Somos BESTIAS beasts bèsties 兽类 dýr bestie скот bestas šelmy bestien الوحوش piztiak θηρία zveri petojen vadállatok fän
We condemn violence. We criticize the abuse of power and denounce the indiscriminate use of force. We rise up against intolerance and we censure cruelty. We are concerned about the scenes of anger around us. Our society is used to be driven by excesses. Every day, we are witnesses of situations in which vehemence prevails.
We rebel so we don’t get used to this. We want to avoid any situation that causes anger, tension, discomfort. We are radically against violence but we are all violent. This dichotomy haunts us.
Why is our world so full of aggressiveness? Why are hostility and cruelty so common between human beings? Why do nations threaten each other with nuclear extermination? Why does crime increase almost everywhere? What could be the answer? The most convenient one is, of course, to claim that human beings are imperfect beings, sinful and violent by nature. This explanation pleases almost everyone, because, predetermined by this nature, nobody can be blamed for the way he or she behaves.
Festival 10 Sentidos, in its 8th edition, aims to reflect on the concept of violence —as violence both overwhelms and fascinates us, surrounds and haunts us— and to open a discussion to overturn the violent and unfair system we live in.
兽类 dýr bestie скот bestas šelmy bestien الوحوش θηρία zveri petojen vadállatok fän
The Festival 10 Sentidos, created in 2011, takes hold edition after edition, with the satisfaction of having turned this experience with the arts (performing arts, visual arts, film, audiovisual, literature, education…) into a reference and a must-see event every May in Valencia. The living arts festival of the city.
TweetVIII Edición - Bestias
Somos brutos, somos feroces, somos crueles. Somos indomables, somos impulsivos, somos temerarios. Somos viscerales, somos imprevisibles, somos violentos. Somos BESTIAS beasts bèsties 兽类 dýr bestie скот bestas šelmy bestien الوحوش piztiak θηρία zveri petojen vadállatok fän
Condenamos la violencia. Criticamos el abuso de poder y denunciamos el uso indiscriminado de de la fuerza. Nos alzamos contra la intolerancia, nos exaltamos al ver escenas de furia, censuramos la crueldad. Vivimos en una sociedad acostumbrada a los excesos, en la que cada día asistimos a situaciones en las que prima la vehemencia.
Nos rebelamos para no acostumbrarnos a esto. Queremos huir de cualquier trance que nos provoque saña, tirantez, disgusto. Estamos radicalmente en contra de la violencia, pero todos somos violentos. Y esa dicotomía nos atormenta.
¿Por qué está el mundo tan lleno de agresividad? ¿Por qué son tan frecuentes la hostilidad y la crueldad entre los seres humanos? ¿Por qué se amenazan entre sí las naciones con el exterminio nuclear? ¿Por qué aumenta la delincuencia prácticamente en todas partes? ¿Cuál puede ser la respuesta? La más cómoda es, desde luego, afirmar que el ser humano es un ser imperfecto, nacido en pecado y agresivo por naturaleza. Además, esta explicación es satisfactoria para casi todo el mundo, porque a quien nace predeterminado no puede culpársele por su forma de comportarse.
El Festival 10 Sentidos, en su VIII edición, pretende reflexionar acerca del concepto de violencia, que nos abruma y nos fascina a partes iguales, que nos rodea y nos persigue, y generar un diálogo para desmantelar el sistema violento e injusto en el que vivimos.
El Festival 10 Sentidos nace en 2011 y se consolida, edición tras edición, con la satisfacción de haber convertido este encuentro con el arte (escénico, plástico, cinematográfico, audiovisual, literario, didáctico…) en un referente y en una cita obligada cada año en València. El Festival de las artes vivas de València.
VIII Edition - Bestias
We are brutish, we are ferocious, we are cruel. We areindomitable, we are impulsive, we are reckless. We are visceral, we are unpredictable, we are violent. Somos BESTIAS beasts bèsties 兽类 dýr bestie скот bestas šelmy bestien الوحوش piztiak θηρία zveri petojen vadállatok fän
We condemn violence. We criticize the abuse of power and denounce the indiscriminate use of force. We rise up against intolerance and we censure cruelty. We are concerned about the scenes of anger around us. Our society is used to be driven by excesses. Every day, we are witnesses of situations in which vehemence prevails.
We rebel so we don’t get used to this. We want to avoid any situation that causes anger, tension, discomfort. We are radically against violence but we are all violent. This dichotomy haunts us.
Why is our world so full of aggressiveness? Why are hostility and cruelty so common between human beings? Why do nations threaten each other with nuclear extermination? Why does crime increase almost everywhere? What could be the answer? The most convenient one is, of course, to claim that human beings are imperfect beings, sinful and violent by nature. This explanation pleases almost everyone, because, predetermined by this nature, nobody can be blamed for the way he or she behaves.
Festival 10 Sentidos, in its 8th edition, aims to reflect on the concept of violence —as violence both overwhelms and fascinates us, surrounds and haunts us— and to open a discussion to overturn the violent and unfair system we live in.
兽类 dýr bestie скот bestas šelmy bestien الوحوش θηρία zveri petojen vadállatok fän
The Festival 10 Sentidos, created in 2011, takes hold edition after edition, with the satisfaction of having turned this experience with the arts (performing arts, visual arts, film, audiovisual, literature, education…) into a reference and a must-see event every May in Valencia. The living arts festival of the city.
TweetLa forma dels temps: pròleg Casa Elizalde
06/11/2018 - 21/12/2018
While refusing any comparison to traditional art media, video characterises for its ephemeral nature and a specific language embedded in time that brings it close to cinema. Generally devoid of a narrative structure, it often deploys moving images to construct symbolic and conceptual imaginaries that implicitly hint to specific social, historical and economical conjunctures. Being the prologue of La forma del temps, – an exhibition scheduled to take place at Casa Elizalde next January -, this video selection gathers together a group of artists that, by way of poetic and seemingly abstract associations between music and images, recount of precise geopolitical contexts while putting forth the potential of video as a creative vehicle of (hi)stories.
Artist list: Marco Godoy, Ángel Marcos, Shahar Marcus, Johanna Reich and Miguel Ángel Rios.
La forma dels temps: pròleg Casa Elizalde
06/11/2018 - 21/12/2018
While refusing any comparison to traditional art media, video characterises for its ephemeral nature and a specific language embedded in time that brings it close to cinema. Generally devoid of a narrative structure, it often deploys moving images to construct symbolic and conceptual imaginaries that implicitly hint to specific social, historical and economical conjunctures. Being the prologue of La forma del temps, – an exhibition scheduled to take place at Casa Elizalde next January -, this video selection gathers together a group of artists that, by way of poetic and seemingly abstract associations between music and images, recount of precise geopolitical contexts while putting forth the potential of video as a creative vehicle of (hi)stories.
Artist list: Marco Godoy, Ángel Marcos, Shahar Marcus, Johanna Reich and Miguel Ángel Rios.
CaixaForum Madrid ha acogido la ceremonia de entrega de los Premios Arte y Mecenazgo, que reconocen a los principales referentes del ámbito privado en el estímulo de la escena artística española. El acto, presidido por la directora general adjunta de la Fundación Bancaria ”la Caixa”, Elisa Durán, ha contado con la presencia de la artista vallisoletana Dora García, la Galería espaivisor de Valencia y la Fundación Rosón Arte Contemporáneo de Pontevedra, como ganadores de esta edición en sus categorías de Artista, Galería y Mecenas, respectivamente.
Instituidos en 2011 estos premios reconocen el compromiso privado con el sistema del arte en España y permiten dar visibilidad a la dedicación y la generosidad de aquellos que han contribuido de forma especial al patrimonio artístico colectivo.
En la ceremonia también ha participado Jorge Herralde, fundador y presidente de Editorial Anagrama, que ha establecido paralelismos y confluencias entre el sector editorial y el del arte. Además se ha celebrado una mesa redonda en la que han participado el mecenas José María Lafuente, la galerista Silvia Dauder y el artista Antoni Miralda.
+infoCaixaForum Madrid has hosted the award ceremony of the Art and Patronage Awards, which recognize the main references of the private sphere in the encouragement of the Spanish art scene. The event, chaired by the Deputy Director General of the "la Caixa" Banking Foundation, Elisa Durán, was attended by the Valladolid artist Dora García, espaivisor gallery from Valencia and the Contemporary Art Foundation of Pontevedra, as winners of this edition in its categories of Artist, Gallery and Maecenas, respectively.
Instituted in 2011, these awards recognize the private commitment to the art scene in Spain and allows to give visibility to the dedication and generosity of those who have contributed in a special way to the collective artistic heritage.
Jorge Herralde, founder and president of Editorial Anagrama, has established parallels and confluences in the publishing sector and art. In addition, a round table was held in which the patrons José María Lafuente, the gallerist Silvia Dauder and the artist Antoni Miralda have participated.
TweetCaixaForum Madrid ha acogido la ceremonia de entrega de los Premios Arte y Mecenazgo, que reconocen a los principales referentes del ámbito privado en el estímulo de la escena artística española. El acto, presidido por la directora general adjunta de la Fundación Bancaria ”la Caixa”, Elisa Durán, ha contado con la presencia de la artista vallisoletana Dora García, la Galería espaivisor de Valencia y la Fundación Rosón Arte Contemporáneo de Pontevedra, como ganadores de esta edición en sus categorías de Artista, Galería y Mecenas, respectivamente.
Instituidos en 2011 estos premios reconocen el compromiso privado con el sistema del arte en España y permiten dar visibilidad a la dedicación y la generosidad de aquellos que han contribuido de forma especial al patrimonio artístico colectivo.
En la ceremonia también ha participado Jorge Herralde, fundador y presidente de Editorial Anagrama, que ha establecido paralelismos y confluencias entre el sector editorial y el del arte. Además se ha celebrado una mesa redonda en la que han participado el mecenas José María Lafuente, la galerista Silvia Dauder y el artista Antoni Miralda.
+infoCaixaForum Madrid has hosted the award ceremony of the Art and Patronage Awards, which recognize the main references of the private sphere in the encouragement of the Spanish art scene. The event, chaired by the Deputy Director General of the "la Caixa" Banking Foundation, Elisa Durán, was attended by the Valladolid artist Dora García, espaivisor gallery from Valencia and the Contemporary Art Foundation of Pontevedra, as winners of this edition in its categories of Artist, Gallery and Maecenas, respectively.
Instituted in 2011, these awards recognize the private commitment to the art scene in Spain and allows to give visibility to the dedication and generosity of those who have contributed in a special way to the collective artistic heritage.
Jorge Herralde, founder and president of Editorial Anagrama, has established parallels and confluences in the publishing sector and art. In addition, a round table was held in which the patrons José María Lafuente, the gallerist Silvia Dauder and the artist Antoni Miralda have participated.
Tweet19/10/2018 - 20/01/2019 Centro Galego de Arte Contemporánea CGAC
Bleda y Rosa. Geografía del tiempo reúne veinticinco años del trabajo fotográfico de María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) articulándolo en torno a la serie Campos de batalla: un proyecto iniciado en 1994 y finalizado recientemente mostrado al público al completo por primera vez. La muestra se abre con Campos de fútbol (1992-1995), el primer proyecto que obtuvo reconocimiento público, una serie que, estableciendo una dialéctica entre lugar, tiempo y memoria, anuncia los ejes conceptuales en torno a los que posteriormente girará su trabajo. La exposición se completa con obras pertenecientes a las series Origen (2003-) y Prontuario. Notas en torno a la guerra y la revolución (2011-).
Bleda y Rosa, que recibieron en 2008 el Premio Nacional de Fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España, son una de las referencias más destacadas de la fotografía española contemporánea. Su trabajo propone, desde una excelente factura formal, una interrogación crítica sobre las imágenes y la historia, sobre la relación entre el pasado y el presente, y sobre los discursos y visiones que atraviesa esa relación. Organizan: Bombas Gens Centre d’Art, Museo Universidad de Navarra, Centro Galego de Arte Contemporánea
Bleda y Rosa. A Geography of Time is an exhibition of twenty-five years of photographic work by María Bleda (Castellón, 1969) and José María Rosa (Albacete, 1970) focusing on their series Campos de batalla (Battlefields). Started in 1994 and recently finished, their project is exhibited as a whole for the first time. The exhibition starts with Campos de fútbol (Football Pitches, 1992-1995), their first project to gain public recognition, which establishes a dialogue between space, time, and memory, and develops the conceptual framework of their future projects such as the series Origen (Origin, 2003-) and Prontuario. Notas en torno a la guerra y la revolución (Prontuarium, Notes on War and Revolution, 2011-), also included in the exhibition.
Bleda y Rosa, who were awarded with the National Photography Prize by The Ministry of Culture of Spain in 2008, are one of the most relevant contributors to Spanish contemporary photography. Their superbly crafted work critically examines images and history, the relationship between past and present, and the discourses and visions around that relationship.
Organised by: Bombas Gens Centre d’Art, Museo Universidad de Navarra, Centro Galego de Arte Contemporánea
Tweet19/10/2018 - 20/01/2019 Centro Galego de Arte Contemporánea CGAC
Bleda y Rosa. Geografía del tiempo reúne veinticinco años del trabajo fotográfico de María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) articulándolo en torno a la serie Campos de batalla: un proyecto iniciado en 1994 y finalizado recientemente mostrado al público al completo por primera vez. La muestra se abre con Campos de fútbol (1992-1995), el primer proyecto que obtuvo reconocimiento público, una serie que, estableciendo una dialéctica entre lugar, tiempo y memoria, anuncia los ejes conceptuales en torno a los que posteriormente girará su trabajo. La exposición se completa con obras pertenecientes a las series Origen (2003-) y Prontuario. Notas en torno a la guerra y la revolución (2011-).
Bleda y Rosa, que recibieron en 2008 el Premio Nacional de Fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España, son una de las referencias más destacadas de la fotografía española contemporánea. Su trabajo propone, desde una excelente factura formal, una interrogación crítica sobre las imágenes y la historia, sobre la relación entre el pasado y el presente, y sobre los discursos y visiones que atraviesa esa relación. Organizan: Bombas Gens Centre d’Art, Museo Universidad de Navarra, Centro Galego de Arte Contemporánea
Bleda y Rosa. A Geography of Time is an exhibition of twenty-five years of photographic work by María Bleda (Castellón, 1969) and José María Rosa (Albacete, 1970) focusing on their series Campos de batalla (Battlefields). Started in 1994 and recently finished, their project is exhibited as a whole for the first time. The exhibition starts with Campos de fútbol (Football Pitches, 1992-1995), their first project to gain public recognition, which establishes a dialogue between space, time, and memory, and develops the conceptual framework of their future projects such as the series Origen (Origin, 2003-) and Prontuario. Notas en torno a la guerra y la revolución (Prontuarium, Notes on War and Revolution, 2011-), also included in the exhibition.
Bleda y Rosa, who were awarded with the National Photography Prize by The Ministry of Culture of Spain in 2008, are one of the most relevant contributors to Spanish contemporary photography. Their superbly crafted work critically examines images and history, the relationship between past and present, and the discourses and visions around that relationship.
Organised by: Bombas Gens Centre d’Art, Museo Universidad de Navarra, Centro Galego de Arte Contemporánea
TweetEl Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria de la Universidad Miguel Hernández (UMH) de Elche inaugurará el próximo viernes, 5 de octubre, la muestra “All appears to be normal”, de las artistas Patricia Gómez y María Jesús González, en colaboración con la galería valenciana Espai Visor. La inauguración tendrá lugar a las 12:30 horas en la Sala Universitas del edificio Rectorado y Consejo Social del campus de Elche. Asimismo, de forma paralela, la UMH inaugurará en la Sala Gris de este edificio la exposición “M”, de las artistas Claudia Martínez, Deva Sand y Laura Torrado, en colaboración con la galería alicantina Santamaca. Ambas muestras estarán abiertas al público hasta el 24 de enero.
All appears to be normal” es el título del proyecto de las artistas valencianas con intervenciones y exposiciones en centros de arte internacionales Patricia Gómez y Mª Jesús González. En la obra, recopilan varios trabajos realizados “en” y “a partir” de diferentes prisiones de Valencia, Palma de Mallorca y Philadelphia (EE.UU.). “All appears to be normal” es la frase repetida por los oficiales carcelarios en la prisión de Holmesburg (Philadelphia) cuando hacían el recuento a partir del libro de registro de sus presos. Como diapasón, se escuchaba la constatación mantenida de una supuesta normalidad en los espacios sociabilizados para el castigo. En esa línea discursiva, las paredes de diferentes prisiones se convierten para Gómez y González en contenedores de información y testimonios, tanto de la comunidad presa, como del personal de seguridad. Huellas registradas en un archivo físico mediante técnicas de estampación y sustracción que, fuera del contexto del espacio original, adquieren una connotación crítica acerca de los dispositivos de poder que construyen la lógica de vigilancia contemporánea.
Según los organizadores, “Depth of Surface”, “Antigua Prisión de Palma” y “Proyecto para cárcel abandonada” son algunas de las series que se podrán ver en lo que viene a ser una traslación del propio estudio de las artistas a la sala de exposiciones. La muestra recoge registros videográficos y fotográficos, arranques murales y numerosas muestras que desenvuelven una metodología espacial y nemotécnica similar a la que desarrollan en sus propias intervenciones.
“All appears to be normal” se ha completado con la edición de una publicación sobre el trabajo de las autoras y cuenta con una subvención para la organización de actividades y proyectos culturales y artísticos de la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de Generalitat Valenciana.
Por otro lado, la UMH expondrá en la Sala Gris una muestra colectiva que pone el acento sobre aspectos de lo cotidiano, que cuenta con la colaboración de la galería alicantina Santamaca. Según la artista Claudia Martínez, a través del nudo cerámico, el tejido dibujado y el entrecruzamiento de elementos, la obra habla de la levedad de lo orgánico, del tejido subyacente a todo lo real. Según Deva Sand, su objetivo era buscar una segunda fórmula, una segunda oportunidad al objeto, incluso una segunda localización con tal de escapar a la aniquilación de las cosas. Finalmente, Laura Torrado afirma que, a través de la escenografía, busca sugerir la tensión de las relaciones íntimas y la irrealidad de los lugares cotidianos vividos.
El Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria de la UMH tiene como objetivo trazar puentes entre la investigación artística y la realidad tangible del mundo profesional del arte contemporáneo, por eso colabora con galerías de la Comunidad Valenciana para la realización de proyectos expositivos. Fruto de ello son las exposiciones como “Metamorfosis” (2014), de la artista china Bingyi, en colaboración con Galería Charpa, “Mind Games” (2015), de Tactel Graphics, y Bad-Places (2015), de Kalo Vicent, en colaboración con Mr.Pink de Valencia, y “Lugares Comunes” (2016-2017), de los artistas urbanos Luce y Eltono, en colaboración con SET Espai d’Art de Valencia.
El Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria de la Universidad Miguel Hernández (UMH) de Elche inaugurará el próximo viernes, 5 de octubre, la muestra “All appears to be normal”, de las artistas Patricia Gómez y María Jesús González, en colaboración con la galería valenciana Espai Visor. La inauguración tendrá lugar a las 12:30 horas en la Sala Universitas del edificio Rectorado y Consejo Social del campus de Elche. Asimismo, de forma paralela, la UMH inaugurará en la Sala Gris de este edificio la exposición “M”, de las artistas Claudia Martínez, Deva Sand y Laura Torrado, en colaboración con la galería alicantina Santamaca. Ambas muestras estarán abiertas al público hasta el 24 de enero.
All appears to be normal” es el título del proyecto de las artistas valencianas con intervenciones y exposiciones en centros de arte internacionales Patricia Gómez y Mª Jesús González. En la obra, recopilan varios trabajos realizados “en” y “a partir” de diferentes prisiones de Valencia, Palma de Mallorca y Philadelphia (EE.UU.). “All appears to be normal” es la frase repetida por los oficiales carcelarios en la prisión de Holmesburg (Philadelphia) cuando hacían el recuento a partir del libro de registro de sus presos. Como diapasón, se escuchaba la constatación mantenida de una supuesta normalidad en los espacios sociabilizados para el castigo. En esa línea discursiva, las paredes de diferentes prisiones se convierten para Gómez y González en contenedores de información y testimonios, tanto de la comunidad presa, como del personal de seguridad. Huellas registradas en un archivo físico mediante técnicas de estampación y sustracción que, fuera del contexto del espacio original, adquieren una connotación crítica acerca de los dispositivos de poder que construyen la lógica de vigilancia contemporánea.
Según los organizadores, “Depth of Surface”, “Antigua Prisión de Palma” y “Proyecto para cárcel abandonada” son algunas de las series que se podrán ver en lo que viene a ser una traslación del propio estudio de las artistas a la sala de exposiciones. La muestra recoge registros videográficos y fotográficos, arranques murales y numerosas muestras que desenvuelven una metodología espacial y nemotécnica similar a la que desarrollan en sus propias intervenciones.
“All appears to be normal” se ha completado con la edición de una publicación sobre el trabajo de las autoras y cuenta con una subvención para la organización de actividades y proyectos culturales y artísticos de la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de Generalitat Valenciana.
Por otro lado, la UMH expondrá en la Sala Gris una muestra colectiva que pone el acento sobre aspectos de lo cotidiano, que cuenta con la colaboración de la galería alicantina Santamaca. Según la artista Claudia Martínez, a través del nudo cerámico, el tejido dibujado y el entrecruzamiento de elementos, la obra habla de la levedad de lo orgánico, del tejido subyacente a todo lo real. Según Deva Sand, su objetivo era buscar una segunda fórmula, una segunda oportunidad al objeto, incluso una segunda localización con tal de escapar a la aniquilación de las cosas. Finalmente, Laura Torrado afirma que, a través de la escenografía, busca sugerir la tensión de las relaciones íntimas y la irrealidad de los lugares cotidianos vividos.
El Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria de la UMH tiene como objetivo trazar puentes entre la investigación artística y la realidad tangible del mundo profesional del arte contemporáneo, por eso colabora con galerías de la Comunidad Valenciana para la realización de proyectos expositivos. Fruto de ello son las exposiciones como “Metamorfosis” (2014), de la artista china Bingyi, en colaboración con Galería Charpa, “Mind Games” (2015), de Tactel Graphics, y Bad-Places (2015), de Kalo Vicent, en colaboración con Mr.Pink de Valencia, y “Lugares Comunes” (2016-2017), de los artistas urbanos Luce y Eltono, en colaboración con SET Espai d’Art de Valencia.
Comisario: Pep Benlloch
Nacido en Buenos Aires en 1937, Humberto Rivas se trasladó a Barcelona junto a su familia en el año 1976 tras el golpe militar en Argentina, donde permaneció hasta su muerte en 2009. En la Ciudad Condal, en los años setenta, su obra resultó imprescindible para el reconocimiento de la fotografía como soporte de creación artística. Situada en aquellos momentos en una situación de marginalidad con respecto a otras disciplinas, la fotografía encontró otra manera de documentar gracias a la obra de Rivas, que se interesa por el paso del tiempo, la huella de la cultura y la memoria.
Fundación MAPFRE Bárbara de Braganza Room (Madrid) Curator: Pep Benlloch Born in Buenos Aires in 1937, Humberto Rivas moved to Barcelona with his family in 1976 after the military coup in Argentina, where he remained until his death in 2009. In the Ciudad Condal, in the seventies, his work was essential for the recognition of photography as a support for artistic creation. Located at that time in a situation of marginality with respect to other disciplines, photography found another way to document thanks to the work of Rivas, who is interested in the passage of time, the imprint of culture and memory.
TweetComisario: Pep Benlloch
Nacido en Buenos Aires en 1937, Humberto Rivas se trasladó a Barcelona junto a su familia en el año 1976 tras el golpe militar en Argentina, donde permaneció hasta su muerte en 2009. En la Ciudad Condal, en los años setenta, su obra resultó imprescindible para el reconocimiento de la fotografía como soporte de creación artística. Situada en aquellos momentos en una situación de marginalidad con respecto a otras disciplinas, la fotografía encontró otra manera de documentar gracias a la obra de Rivas, que se interesa por el paso del tiempo, la huella de la cultura y la memoria.
Fundación MAPFRE Bárbara de Braganza Room (Madrid) Curator: Pep Benlloch Born in Buenos Aires in 1937, Humberto Rivas moved to Barcelona with his family in 1976 after the military coup in Argentina, where he remained until his death in 2009. In the Ciudad Condal, in the seventies, his work was essential for the recognition of photography as a support for artistic creation. Located at that time in a situation of marginality with respect to other disciplines, photography found another way to document thanks to the work of Rivas, who is interested in the passage of time, the imprint of culture and memory.
TweetLa Pinacoteca de São Paulo, museo de la Secretaría de la Cultura del Estado de São Paulo, presenta, del 18 de agosto al 19 de noviembre de 2018, la gran exposición colectiva Mujeres radicales: arte latinoamericano, 1960-1985, en el primer piso de la Pinacoteca. La muestra tiene curaduría de la historiadora de arte británica venezolana Cecilia Fajardo-Hill y de la investigadora argentina italiana Andrea Giunta. Es la primera exposición en la historia que lleva al público un significativo mapeo de las prácticas artísticas experimentales realizadas por artistas latinas y su influencia en la producción internacional. Quince países estarán representados por cerca de 120 artistas, reuniendo más de 280 trabajos en fotografía, video, pintura y otros soportes. La presentación en la capital paulista cierra la itinerancia y cuenta con la colaboración de Valéria Piccoli, curadora jefe de la Pinacoteca.
Mujeres radicales aborda una laguna en la historia del arte al dar visibilidad a la sorprendente producción llevada a cabo entre 1960 y 1985, de esas mujeres residentes en países de Latinoamérica, además de latinas y chicanas nacidas en los EUA. Entre ellas, figuran en la muestra algunas de las artistas más influyentes del siglo XX — como Lygia Pape, Cecilia Vicuña, Ana Mendieta, Anna Maria Maiolino, Beatriz González y Marta Minujín — al lado de nombres menos conocidos – como la artista de performance mexicana Maria Eugenia Chellet,la escultora colombiana Feliza Bursztyn y las brasileñas Leticia Parente, una de las pioneras del videoarte, y Teresinha Soares, escultora y pintora minera[1] que recientemente viene recibiendo atención internacional.
El recorte cronológico de la colectiva se considera decisivo tanto en la historia de Latinoamérica como en la construcción del arte contemporáneo y en las transformaciones acerca de la representación simbólica y figurativa del cuerpo femenino. A lo largo de ese periodo, estas artistas pioneras partieron de la noción del cuerpo como un campo político y se embarcaron en investigaciones radicales y poéticas para desafiar las clasificaciones dominantes y los cánones del arte establecido. “Este nuevo enfoque ha instituido una investigación sobre el cuerpo como redescubrimiento del sujeto, algo que, más tarde, vendríamos a entender como un cambio radical en la iconografía del cuerpo”, cuentan las curadoras. Dichas investigaciones, según ellas, acabaron por favorecer la aparición de nuevas iconografías en los campos de la fotografía, de la pintura, de la performance, del video y del arte conceptual.
El enfoque de las artistas latinoamericanas fue una forma de enfrentar la densa atmósfera política y social de un periodo fuertemente marcado por el poder político (de los EUA) y por las atrocidades de la dictaduras apoyadas por aquel país (en Centroamérica y América del Sur), que reprimieron esos cuerpos, incluso los de las mujeres, resultando en trabajos que denunciaban la violencia social, cultural y política de la época. “Las vidas y las obras de esas artistas están imbricadas con las experiencias de la dictadura, del aprisionamiento, del exilio, tortura, violencia, censura y represión, pero también con la emergencia de una nueva sensibilidad”, añade Fajardo-Hill.
Para Giunta, temas como lo poético y lo político son explorados, en la exposición, “en autorretratos, en la relación entre cuerpo y paisaje, en el mapeo del cuerpo y sus inscripciones sociales, en las referencias al erotismo, al poder de las palabras y al cuerpo performático, la resistencia a la dominación, en los feminismos y en los lugares sociales”. Y complementa: “Estos temas cruzaron fronteras y surgieron en obras de artistas que venían trabajando en condiciones culturales muy distintas”. No es en vano que, la muestra se estructura en el espacio expositivo en torno a temas en lugar de categorías geográficas. La curadora de la Pinacoteca, Valéria Piccoli, destaca la importancia de la representatividad de las brasileñas dentro de la muestra: “además de los nombres que participaron de las exposiciones en el Hammer y en el Brooklyn Museum, asimismo vamos a incluir obras de Wilma Martins, Yolanda Freyre, Maria do Carmo Secco y Nelly Gutmacher en la presentación en São Paulo”, revela.
Latinoamérica conserva una fuerte historia de militancia feminista que –a excepción de México y algunos casos aislados en otros países en las décadas de 1970 y 1980 — no fue ampliamente reflejada en las artes. Mujeres radicales propone consolidar, internacionalmente, ese patrimonio estético creado por mujeres que partieron del propio cuerpo para aludir — de manera indirecta, encubierta o explícita –- a las distintas dimensiones de la existencia femenina. Para ello, las curadoras vienen realizando una intensa investigación, desde 2010, que incluye viajes, entrevistas, análisis de publicaciones en las bibliotecas de Getty Foundation, de la Universidad de Texas en Austin entre otras.
El argumento central de la exposición muestra que, aunque buena parte de esas artistas hayan sido figuras decisivas para la expansión y diversificación de la expresión artística en nuestro continente, aún no habían recibido el debido reconocimiento. “La exposición surgió de nuestra convicción compartida de que el amplio conjunto de obras producidas por artistas latinoamericanas y latinas ha sido marginado y sofocado por una historia del arte dominante, canónica y patriarcal”, definen las curadoras. Según el director de la Pinacoteca, Jochen Volz, “fueron, principalmente, artistas mujeres las pioneras que experimentaron nuevas formas de expresión, como performance y video, entre otras. De esta suerte, la itinerancia de la muestra Mujeres radicales para Brasil es de gran relevancia para la investigación contemporánea artística y académica y también para el público en general”.
Este rico conjunto de trabajos, así como los archivos de investigación, recolectados para la concepción de la exposición, llegan finalmente al público paulista, por lo que contribuye a abrir nuevos caminos para la investigación y la comprensión acerca de la historia latinoamericana. “El tema ahora forma parte de una dirección amplia y al mismo tiempo urgente. Mientras tanto, aún hay mucho trabajo por hacer y tenemos plena conciencia de que este es solo el comienzo”, finalizan las curadoras.
From August 18 to November 19, 2018, the Pinacoteca de São Paulo, a museum of the Secretariat of Culture of the State of São Paulo, presents the major group exhibition Radical Women: Latin American Art, 1960-1985, on display on the first floor of the Pinacoteca. Curated by British Venezuelan art historian and curator Cecilia Fajardo-Hill and Italian Argentine researcher Andrea Giunta, the show is the first in history to bring to the public an extensive and notable mapping of the experimental artistic practices by Latin women artists and their influence on international art production. In total, around 120 artists will represent fifteen countries, bringing together more than 280 works in a variety of techniques and on different supports, such as photography, video, painting and others. It´s presentation in São Paulo closes the itinerary and counts with the collaboration of the Pinacoteca’s Chief Curator Valéria Piccoli.
By giving visibility to a remarkable artistic production created between 1960 and 1985 by women who lived in Latin American countries, and by Latina and Chicana women born in the United States, Radical Women addresses a lacuna in the history of art. Among them, the exhibition presents works by some of the most influential artists of the 20th century, – such as Lygia Pape, Cecilia Vicuña, Ana Mendieta, Anna Maria Maiolino, Beatriz Gonzalez and Marta Minujín – alongside that of less well-known such as the performance Mexican artist Maria Eugenia Chellet, the Colombian Feliza Bursztyn and the Brazilians Leticia Parente, one of the pioneers of video art, and Teresinha Soares, a Minas Gerais-born sculptor and painter who has recently been attracting international attention.
The chronological segment of this group show is considered decisive both for the history of Latin America, and for the construction of contemporary art and the transformations concerning the symbolic and figurative of the female body. During this period, these pioneering artists set out to explore the notion of the body as political field and embarked on radical poetic investigations so as to defy the dominant classifications and the established art canons. “This new approach laid the foundations of a research on the body as a rediscovery of the subject, which in turn would later be regarded as a radical change in the iconography of the body,” affirm the curators. According to them, these researches eventually fostered the emergence of new directions within the fields of photography, painting, performance art, video art, as well as conceptual art.
The approach adopted by these Latin American artists was a form of dealing with the dense political and social atmosphere of a period that was deeply marked by patriarchal power (in the United States) and by the atrocities of the dictatorships of the time supported by the former (in Central America and in South America), which repressed these bodies, especially those of women, resulting in works that denounced the social, cultural and political violence of the time. ”The lives and the works of these artists are interwoven with the experiences of dictatorship, of imprisonment, of exile, torture, violence, censorship and repression, but also with the emergence of a new sensibility,” says Fajardo-Hill.
For Giunta, topics such as the poetic and the political are explored in the show “through self-portraits, through the relationship between body and landscape, through the mapping of the body and its social inscriptions, feminisms and social places.” As she goes on to say, “These themes crossed borders, arising in works by artists that had been working in radically different cultural conditions.” It is not by chance that the exhibition space is structured around themes instead of around geographic characteristics. The Pinacoteca’s curator Valéria Piccoli highlights the importance of the representativeness of the Brazilian artists in the show: “in addition to the names that participated in the exhibitions at the Hammer and Brooklyn Museums, we also included works by Wilma Martins, Yolanda Freyre, Maria do Carmo Secco and Nelly Gutmacher in the São Paulo exhibition”, she reveals.
Latin America preserves a strong history of feminist militancy that — with the exception of Mexico and in some isolated cases a few other countries in the 1970s e 1980s – was not widely reflected in the arts. Radical Women proposes to consolidate internationally this aesthetic heritage created by women who center on their own body to allude — in a veiled manner, indirectly or explicitly – to the distinct dimensions of the female existence. For such, the curators have carried out an extensive research since 2010, which includes trips, interviews, and analyses of publications found in the libraries of the Getty Foundation, Texas University, among several others.
The central argument of the exhibition shows that even though a large part of these artists were decisive figures in the expansion and diversification of the artistic expression in our continent, they nonetheless have not received due recognition. As the curators define, “The show stemmed from our common conviction that a vast group of works produced by Latin American and Latina artists has been marginalized and by a dominant, canonical and patriarchal art history. ”According to the Director of the Pinacoteca, Jochen Volz, “it was mainly women artists who pioneered experimentation with new forms of expression, like performance and video art, among others. Thus, the exhibition Radical Women’s itinerancy across Brazil is of great relevance for contemporary artistic and academic research and for the audience of the museum.
This outstanding ensemble of works, as well as the research archives brought together for the conception of the exhibition finally reach spectators in São Paulo, contributing to open new investigative paths and understandings about Latin American history. “The topic is now part of a wider and at the same time urgent agenda. Yet there is still a lot of work to be done and we are fully aware that this is just the beginning,” say the curators.
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La Pinacoteca de São Paulo, museo de la Secretaría de la Cultura del Estado de São Paulo, presenta, del 18 de agosto al 19 de noviembre de 2018, la gran exposición colectiva Mujeres radicales: arte latinoamericano, 1960-1985, en el primer piso de la Pinacoteca. La muestra tiene curaduría de la historiadora de arte británica venezolana Cecilia Fajardo-Hill y de la investigadora argentina italiana Andrea Giunta. Es la primera exposición en la historia que lleva al público un significativo mapeo de las prácticas artísticas experimentales realizadas por artistas latinas y su influencia en la producción internacional. Quince países estarán representados por cerca de 120 artistas, reuniendo más de 280 trabajos en fotografía, video, pintura y otros soportes. La presentación en la capital paulista cierra la itinerancia y cuenta con la colaboración de Valéria Piccoli, curadora jefe de la Pinacoteca.
Mujeres radicales aborda una laguna en la historia del arte al dar visibilidad a la sorprendente producción llevada a cabo entre 1960 y 1985, de esas mujeres residentes en países de Latinoamérica, además de latinas y chicanas nacidas en los EUA. Entre ellas, figuran en la muestra algunas de las artistas más influyentes del siglo XX — como Lygia Pape, Cecilia Vicuña, Ana Mendieta, Anna Maria Maiolino, Beatriz González y Marta Minujín — al lado de nombres menos conocidos – como la artista de performance mexicana Maria Eugenia Chellet,la escultora colombiana Feliza Bursztyn y las brasileñas Leticia Parente, una de las pioneras del videoarte, y Teresinha Soares, escultora y pintora minera[1] que recientemente viene recibiendo atención internacional.
El recorte cronológico de la colectiva se considera decisivo tanto en la historia de Latinoamérica como en la construcción del arte contemporáneo y en las transformaciones acerca de la representación simbólica y figurativa del cuerpo femenino. A lo largo de ese periodo, estas artistas pioneras partieron de la noción del cuerpo como un campo político y se embarcaron en investigaciones radicales y poéticas para desafiar las clasificaciones dominantes y los cánones del arte establecido. “Este nuevo enfoque ha instituido una investigación sobre el cuerpo como redescubrimiento del sujeto, algo que, más tarde, vendríamos a entender como un cambio radical en la iconografía del cuerpo”, cuentan las curadoras. Dichas investigaciones, según ellas, acabaron por favorecer la aparición de nuevas iconografías en los campos de la fotografía, de la pintura, de la performance, del video y del arte conceptual.
El enfoque de las artistas latinoamericanas fue una forma de enfrentar la densa atmósfera política y social de un periodo fuertemente marcado por el poder político (de los EUA) y por las atrocidades de la dictaduras apoyadas por aquel país (en Centroamérica y América del Sur), que reprimieron esos cuerpos, incluso los de las mujeres, resultando en trabajos que denunciaban la violencia social, cultural y política de la época. “Las vidas y las obras de esas artistas están imbricadas con las experiencias de la dictadura, del aprisionamiento, del exilio, tortura, violencia, censura y represión, pero también con la emergencia de una nueva sensibilidad”, añade Fajardo-Hill.
Para Giunta, temas como lo poético y lo político son explorados, en la exposición, “en autorretratos, en la relación entre cuerpo y paisaje, en el mapeo del cuerpo y sus inscripciones sociales, en las referencias al erotismo, al poder de las palabras y al cuerpo performático, la resistencia a la dominación, en los feminismos y en los lugares sociales”. Y complementa: “Estos temas cruzaron fronteras y surgieron en obras de artistas que venían trabajando en condiciones culturales muy distintas”. No es en vano que, la muestra se estructura en el espacio expositivo en torno a temas en lugar de categorías geográficas. La curadora de la Pinacoteca, Valéria Piccoli, destaca la importancia de la representatividad de las brasileñas dentro de la muestra: “además de los nombres que participaron de las exposiciones en el Hammer y en el Brooklyn Museum, asimismo vamos a incluir obras de Wilma Martins, Yolanda Freyre, Maria do Carmo Secco y Nelly Gutmacher en la presentación en São Paulo”, revela.
Latinoamérica conserva una fuerte historia de militancia feminista que –a excepción de México y algunos casos aislados en otros países en las décadas de 1970 y 1980 — no fue ampliamente reflejada en las artes. Mujeres radicales propone consolidar, internacionalmente, ese patrimonio estético creado por mujeres que partieron del propio cuerpo para aludir — de manera indirecta, encubierta o explícita –- a las distintas dimensiones de la existencia femenina. Para ello, las curadoras vienen realizando una intensa investigación, desde 2010, que incluye viajes, entrevistas, análisis de publicaciones en las bibliotecas de Getty Foundation, de la Universidad de Texas en Austin entre otras.
El argumento central de la exposición muestra que, aunque buena parte de esas artistas hayan sido figuras decisivas para la expansión y diversificación de la expresión artística en nuestro continente, aún no habían recibido el debido reconocimiento. “La exposición surgió de nuestra convicción compartida de que el amplio conjunto de obras producidas por artistas latinoamericanas y latinas ha sido marginado y sofocado por una historia del arte dominante, canónica y patriarcal”, definen las curadoras. Según el director de la Pinacoteca, Jochen Volz, “fueron, principalmente, artistas mujeres las pioneras que experimentaron nuevas formas de expresión, como performance y video, entre otras. De esta suerte, la itinerancia de la muestra Mujeres radicales para Brasil es de gran relevancia para la investigación contemporánea artística y académica y también para el público en general”.
Este rico conjunto de trabajos, así como los archivos de investigación, recolectados para la concepción de la exposición, llegan finalmente al público paulista, por lo que contribuye a abrir nuevos caminos para la investigación y la comprensión acerca de la historia latinoamericana. “El tema ahora forma parte de una dirección amplia y al mismo tiempo urgente. Mientras tanto, aún hay mucho trabajo por hacer y tenemos plena conciencia de que este es solo el comienzo”, finalizan las curadoras.
From August 18 to November 19, 2018, the Pinacoteca de São Paulo, a museum of the Secretariat of Culture of the State of São Paulo, presents the major group exhibition Radical Women: Latin American Art, 1960-1985, on display on the first floor of the Pinacoteca. Curated by British Venezuelan art historian and curator Cecilia Fajardo-Hill and Italian Argentine researcher Andrea Giunta, the show is the first in history to bring to the public an extensive and notable mapping of the experimental artistic practices by Latin women artists and their influence on international art production. In total, around 120 artists will represent fifteen countries, bringing together more than 280 works in a variety of techniques and on different supports, such as photography, video, painting and others. It´s presentation in São Paulo closes the itinerary and counts with the collaboration of the Pinacoteca’s Chief Curator Valéria Piccoli.
By giving visibility to a remarkable artistic production created between 1960 and 1985 by women who lived in Latin American countries, and by Latina and Chicana women born in the United States, Radical Women addresses a lacuna in the history of art. Among them, the exhibition presents works by some of the most influential artists of the 20th century, – such as Lygia Pape, Cecilia Vicuña, Ana Mendieta, Anna Maria Maiolino, Beatriz Gonzalez and Marta Minujín – alongside that of less well-known such as the performance Mexican artist Maria Eugenia Chellet, the Colombian Feliza Bursztyn and the Brazilians Leticia Parente, one of the pioneers of video art, and Teresinha Soares, a Minas Gerais-born sculptor and painter who has recently been attracting international attention.
The chronological segment of this group show is considered decisive both for the history of Latin America, and for the construction of contemporary art and the transformations concerning the symbolic and figurative of the female body. During this period, these pioneering artists set out to explore the notion of the body as political field and embarked on radical poetic investigations so as to defy the dominant classifications and the established art canons. “This new approach laid the foundations of a research on the body as a rediscovery of the subject, which in turn would later be regarded as a radical change in the iconography of the body,” affirm the curators. According to them, these researches eventually fostered the emergence of new directions within the fields of photography, painting, performance art, video art, as well as conceptual art.
The approach adopted by these Latin American artists was a form of dealing with the dense political and social atmosphere of a period that was deeply marked by patriarchal power (in the United States) and by the atrocities of the dictatorships of the time supported by the former (in Central America and in South America), which repressed these bodies, especially those of women, resulting in works that denounced the social, cultural and political violence of the time. ”The lives and the works of these artists are interwoven with the experiences of dictatorship, of imprisonment, of exile, torture, violence, censorship and repression, but also with the emergence of a new sensibility,” says Fajardo-Hill.
For Giunta, topics such as the poetic and the political are explored in the show “through self-portraits, through the relationship between body and landscape, through the mapping of the body and its social inscriptions, feminisms and social places.” As she goes on to say, “These themes crossed borders, arising in works by artists that had been working in radically different cultural conditions.” It is not by chance that the exhibition space is structured around themes instead of around geographic characteristics. The Pinacoteca’s curator Valéria Piccoli highlights the importance of the representativeness of the Brazilian artists in the show: “in addition to the names that participated in the exhibitions at the Hammer and Brooklyn Museums, we also included works by Wilma Martins, Yolanda Freyre, Maria do Carmo Secco and Nelly Gutmacher in the São Paulo exhibition”, she reveals.
Latin America preserves a strong history of feminist militancy that — with the exception of Mexico and in some isolated cases a few other countries in the 1970s e 1980s – was not widely reflected in the arts. Radical Women proposes to consolidate internationally this aesthetic heritage created by women who center on their own body to allude — in a veiled manner, indirectly or explicitly – to the distinct dimensions of the female existence. For such, the curators have carried out an extensive research since 2010, which includes trips, interviews, and analyses of publications found in the libraries of the Getty Foundation, Texas University, among several others.
The central argument of the exhibition shows that even though a large part of these artists were decisive figures in the expansion and diversification of the artistic expression in our continent, they nonetheless have not received due recognition. As the curators define, “The show stemmed from our common conviction that a vast group of works produced by Latin American and Latina artists has been marginalized and by a dominant, canonical and patriarchal art history. ”According to the Director of the Pinacoteca, Jochen Volz, “it was mainly women artists who pioneered experimentation with new forms of expression, like performance and video art, among others. Thus, the exhibition Radical Women’s itinerancy across Brazil is of great relevance for contemporary artistic and academic research and for the audience of the museum.
This outstanding ensemble of works, as well as the research archives brought together for the conception of the exhibition finally reach spectators in São Paulo, contributing to open new investigative paths and understandings about Latin American history. “The topic is now part of a wider and at the same time urgent agenda. Yet there is still a lot of work to be done and we are fully aware that this is just the beginning,” say the curators.
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EVERYTHING WAS FOREVER UNTIL IT WAS NO MORE
Speed is the form of ecstasy the technical revolution has bestowed on man… He is caught in a fragment of time cut off from both the past and the future; he is wrenched from the continuity of time; he is outside time…
—Milan Kundera, Slowness, 1996
Change is a constant and imperceptible process. Nothing remains the same and yet it often feels as if things are fixed, solid certainties. Change operates in strange ways. ‘Ta panta rhei’ (everything flows), the ancient Greek philosopher Heraclitus pointed out, meaning that: everything is constantly changing, from the smallest organic particle to the whole universe. According to him, every seemingly stable object is ultimately a figment of one’s imagination; only change itself is real, being constant and in eternal flux, like the continuous flow of the river, which always renews itself and only appearsto remain the same over time. Until recently – and excluding those rarer radical moments of personal, social or political transformation – change has appeared to creep up on us slowly. But then it sometimes happens that one day we ‘wake up’ and experience a sudden break in consciousness. It abruptly dawns on us that our world has changed beyond recognition. We feel as if we have been thrust into the future, unwittingly. In recent years, and particularly since the advent of the technological revolution, it seems that even the Heraclitan constant flow of things has turned into a torrent. Our world seems to be ever accelerating. As James Gleick argues in Faster: The Acceleration of Just About Everything: “We have reached the epoch of the nanosecond. This is the heyday of speed”. The 1st Riga Biennial will reflect on the phenomenon of change – how it is anticipated, experienced, grasped, assimilated and dealt with at this time of accelerated transitions and the increasing speeding up of our lives.
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EVERYTHING WAS FOREVER UNTIL IT WAS NO MORE
Speed is the form of ecstasy the technical revolution has bestowed on man… He is caught in a fragment of time cut off from both the past and the future; he is wrenched from the continuity of time; he is outside time…
—Milan Kundera, Slowness, 1996
Change is a constant and imperceptible process. Nothing remains the same and yet it often feels as if things are fixed, solid certainties. Change operates in strange ways. ‘Ta panta rhei’ (everything flows), the ancient Greek philosopher Heraclitus pointed out, meaning that: everything is constantly changing, from the smallest organic particle to the whole universe. According to him, every seemingly stable object is ultimately a figment of one’s imagination; only change itself is real, being constant and in eternal flux, like the continuous flow of the river, which always renews itself and only appearsto remain the same over time. Until recently – and excluding those rarer radical moments of personal, social or political transformation – change has appeared to creep up on us slowly. But then it sometimes happens that one day we ‘wake up’ and experience a sudden break in consciousness. It abruptly dawns on us that our world has changed beyond recognition. We feel as if we have been thrust into the future, unwittingly. In recent years, and particularly since the advent of the technological revolution, it seems that even the Heraclitan constant flow of things has turned into a torrent. Our world seems to be ever accelerating. As James Gleick argues in Faster: The Acceleration of Just About Everything: “We have reached the epoch of the nanosecond. This is the heyday of speed”. The 1st Riga Biennial will reflect on the phenomenon of change – how it is anticipated, experienced, grasped, assimilated and dealt with at this time of accelerated transitions and the increasing speeding up of our lives.
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espaivisor se complace en informarles de la concesión del Premio Arte y Mecenazgo 2018 de Fundación La Caixa, en su octava edición y en la «Categoría de Galería», a nuestro espacio. En la «Categoría de Artista» el premio ha ido a parar a Dora García, y en la «Categoría de Mecenas» a la Fundación Rosón Arte Contemporáneo. Nuestra más sincera enhorabuena a nuestros compañeros de premio.
El jurado ha considerado que nuestra galería ha sido, y es, referente en la dinamización de la creación artística en España y en la difusión internacional del arte español, reconociendo su profesionalidad y su programa, además de la excelencia en la intermediación entre artistas y coleccionistas a lo largo de sus 12 años de trayectoria.
En 2006 Miriam Lozano (Antella, Valencia 1965) y Mira Bernabéu (Aspe, Alicante 1969) relevaron a Pep Benlloch al mando de la galería Visor, que Pep gestionaba desde su fundación en 1982 impulsando desde ella el medio fotográfico dentro y fuera de España.
espaivisor ha mantenido la esencia de la antigua Visor, pero forjando un proyecto propio con la incorporación de nuevos artistas a la galería. Con ellos, Miriam y Mira han extendido la apuesta de la galería a otras disciplinas y refirmado su compromiso con la sociedad, la política, el feminismo y el contexto en el que se estamos insertos.
Vaya nuestro agradecimiento a aquellos que a lo largo de los últimos 12 años nos han ayudado, en lo personal y en lo profesional, a desarrollar el proyecto espaivisor. Gracias a los artistas por su apoyo incondicional, al equipo de la galería, a los coleccionistas, a los profesionales, y a nuestras familias, que siempre se mantuvieron a nuestro lado. Y muy, especialmente, a Pep Benlloch. Esperamos continuar mucho tiempo disfrutando de vuestro apoyo.
Gracias a todos. Gracias Fundación Arte y Mecenazgo "la Caixa".
Hasta pronto
espaivisor is pleased to inform you that Fundación La Caixa has distinguished us in its Art and Patronage Awards 2018, its eighth edition, in the Gallery category. The prize in the Artist category went to Dora García, and in the Patronage category to Fundación Rosón Arte Contemporáneo. We would like to extend our most sincere congratulations to our fellow winners.
The jury believes that our gallery has been, and is, “a benchmark in dynamising artistic creation in Spain and the international diffusion of Spanish art”, acknowledging its professionalism and its programme, as well as its excellence in liaising between artists and collectors throughout its twelve years so far.
In 2006 Miriam Lozano (Antella, Valencia 1965) and Mira Bernabéu (Aspe, Alicante 1969) took over from Pep Benlloch at the helm of Galería Visor, which Pep had run since it was first opened in 1982, turning it into one of the main driving forces behind photography both in Spain and further afield.
espaivisor has remained faithful to the essence of the former Visor, but has gradually forged a project of its own as new artists have joined our roster. Through their selection, Miriam and Mira have broadened the scope of the gallery towards other disciplines and reaffirmed their commitment with society, politics, feminism and our vital context.
We wish to express our gratitude to all those who have helped us over these last 12 years, both personally and professionally, to develop the espaivisor project. Thanks to the artists for their unconditional support, to the whole team at the gallery, to our collectors, to artworld agents, and to our families, who have always been by our side. And very especially to Pep Benlloch. We hope to continue enjoying your support for a long time to come.
Thanks to everybody. Thanks Fundación Arte y Mecenazgo "la Caixa".
And see you all soon
Tweetespaivisor se complace en informarles de la concesión del Premio Arte y Mecenazgo 2018 de Fundación La Caixa, en su octava edición y en la «Categoría de Galería», a nuestro espacio. En la «Categoría de Artista» el premio ha ido a parar a Dora García, y en la «Categoría de Mecenas» a la Fundación Rosón Arte Contemporáneo. Nuestra más sincera enhorabuena a nuestros compañeros de premio.
El jurado ha considerado que nuestra galería ha sido, y es, referente en la dinamización de la creación artística en España y en la difusión internacional del arte español, reconociendo su profesionalidad y su programa, además de la excelencia en la intermediación entre artistas y coleccionistas a lo largo de sus 12 años de trayectoria.
En 2006 Miriam Lozano (Antella, Valencia 1965) y Mira Bernabéu (Aspe, Alicante 1969) relevaron a Pep Benlloch al mando de la galería Visor, que Pep gestionaba desde su fundación en 1982 impulsando desde ella el medio fotográfico dentro y fuera de España.
espaivisor ha mantenido la esencia de la antigua Visor, pero forjando un proyecto propio con la incorporación de nuevos artistas a la galería. Con ellos, Miriam y Mira han extendido la apuesta de la galería a otras disciplinas y refirmado su compromiso con la sociedad, la política, el feminismo y el contexto en el que se estamos insertos.
Vaya nuestro agradecimiento a aquellos que a lo largo de los últimos 12 años nos han ayudado, en lo personal y en lo profesional, a desarrollar el proyecto espaivisor. Gracias a los artistas por su apoyo incondicional, al equipo de la galería, a los coleccionistas, a los profesionales, y a nuestras familias, que siempre se mantuvieron a nuestro lado. Y muy, especialmente, a Pep Benlloch. Esperamos continuar mucho tiempo disfrutando de vuestro apoyo.
Gracias a todos. Gracias Fundación Arte y Mecenazgo "la Caixa".
Hasta pronto
espaivisor is pleased to inform you that Fundación La Caixa has distinguished us in its Art and Patronage Awards 2018, its eighth edition, in the Gallery category. The prize in the Artist category went to Dora García, and in the Patronage category to Fundación Rosón Arte Contemporáneo. We would like to extend our most sincere congratulations to our fellow winners.
The jury believes that our gallery has been, and is, “a benchmark in dynamising artistic creation in Spain and the international diffusion of Spanish art”, acknowledging its professionalism and its programme, as well as its excellence in liaising between artists and collectors throughout its twelve years so far.
In 2006 Miriam Lozano (Antella, Valencia 1965) and Mira Bernabéu (Aspe, Alicante 1969) took over from Pep Benlloch at the helm of Galería Visor, which Pep had run since it was first opened in 1982, turning it into one of the main driving forces behind photography both in Spain and further afield.
espaivisor has remained faithful to the essence of the former Visor, but has gradually forged a project of its own as new artists have joined our roster. Through their selection, Miriam and Mira have broadened the scope of the gallery towards other disciplines and reaffirmed their commitment with society, politics, feminism and our vital context.
We wish to express our gratitude to all those who have helped us over these last 12 years, both personally and professionally, to develop the espaivisor project. Thanks to the artists for their unconditional support, to the whole team at the gallery, to our collectors, to artworld agents, and to our families, who have always been by our side. And very especially to Pep Benlloch. We hope to continue enjoying your support for a long time to come.
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And see you all soon
TweetAdelantándose al treinta aniversario del IVAM el próximo año 2019, Patricia Gómez (Valencia, 1978) y Mª Jesús González (Valencia, 1978) plantean un proyecto específico para la galería 6 mirando hacia la historia del museo. Su proyecto se centra en la memoria social encapsulada y oculta en los muros de esa sala. Mediante un procedimiento muy próximo a la arqueología, las artistas extraen las capas de pintura que han ido cubriendo las paredes para hacer visible las huellas de la actividad que ha constituido año a año, exposición a exposición, el relato del IVAM.
Con esta acción, Patricia Gómez y Mª Jesús González proponen una reflexión sobre la construcción del IVAM como una suma de unidades estratigráficas que materializan de una manera metafórica los diferentes contextos y agentes que participan de la historia del museo y que conforman el espacio público que es el IVAM a partir de sus diferentes circunstancias políticas, económicas, culturales y sociales.
+info
With this activity Patricia Gómez and María Jesús González offer a reflection on the construction of the IVAM as a sum of stratigraphic units that metaphorically materialise the various contexts and agents that are part of the museum’s history and that shape the IVAM as a public space on the basis of its various political, economic, cultural and social circumstances.
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Adelantándose al treinta aniversario del IVAM el próximo año 2019, Patricia Gómez (Valencia, 1978) y Mª Jesús González (Valencia, 1978) plantean un proyecto específico para la galería 6 mirando hacia la historia del museo. Su proyecto se centra en la memoria social encapsulada y oculta en los muros de esa sala. Mediante un procedimiento muy próximo a la arqueología, las artistas extraen las capas de pintura que han ido cubriendo las paredes para hacer visible las huellas de la actividad que ha constituido año a año, exposición a exposición, el relato del IVAM.
Con esta acción, Patricia Gómez y Mª Jesús González proponen una reflexión sobre la construcción del IVAM como una suma de unidades estratigráficas que materializan de una manera metafórica los diferentes contextos y agentes que participan de la historia del museo y que conforman el espacio público que es el IVAM a partir de sus diferentes circunstancias políticas, económicas, culturales y sociales.
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With this activity Patricia Gómez and María Jesús González offer a reflection on the construction of the IVAM as a sum of stratigraphic units that metaphorically materialise the various contexts and agents that are part of the museum’s history and that shape the IVAM as a public space on the basis of its various political, economic, cultural and social circumstances.
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La exposición se divide en cinco secciones: rompiendo las asignaciones de roles unidimensionales como madre, ama de casa y esposa, juegos de rol, encerrado, el cuerpo hermoso y la sexualidad femenina. Muchos de los artistas representados aquí se alejaron del género de la pintura dominado por los hombres y recurrieron a medios históricamente menos predeterminados como la fotografía, el video, el cine y el espectáculo. El director de la colección, Gabriele Schor, acuñó el concepto de AVANTGARDE FEMINISTA para este movimiento, como una manera de subrayar su importancia.
Artistas:
Helena Almeida, Sonia Andrade, Eleanor Antin, Anneke Barger, Lynda Benglis, Judith Bernstein, Renate Bertlmann, Dara Birnbaum, Teresa Burga, Marcella Campagnano, Judy Chicago, Linda Christanell, Lili Dujourie, Mary Beth Edelson, Renate Eisenegger, VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Margaret Harrison, Lynn Hershman Leeson, Alexis Hunter, Sanja Iveković, Birgit Jürgenssen, Kirsten Justesen, Auguste Kronheim, Ketty La Rocca, Leslie Labowitz, Suzanne Lacy, Suzy Lake, Katalin Ladik, Brigitte Lang, Natalia LL, Karin Mack, Ana Mendieta, Rita Myers, Lorraine O'Grady, ORLAN, Florentina Pakosta, Gina Pane, Leticia Parente, Ewa Partum, Friederike Pezold, Margot Pilz, Ulrike Rosenbach, Martha Rosler, Suzanne Santoro, Carolee Schneemann, Lydia Schouten, Elaine Shemilt, Cindy Sherman , Penny Slinger, Annegret Soltau, Betty Tompkins, Regina Vater, Hannah Wilke, Martha Wilson, Francesca Woodman, Nil Yalter
El comisario principal es Gabriele Schor, director fundador de SAMMLUNG VERBUND Collection, Viena. Curadores en Stavanger son Hanne Beate Ueland y Vibece Salthe.
With an exhibition of works from the SAMMLUNG VERBUND Collection, Stavanger Art Museum is presenting one of the most important phenomena in the art history of the 1970s—the emancipation of women artists, who began to create their own new and collective self-determined image of women in an art world dominated by men. In line with the slogan “the private is political,” these artists reflected on stereotypical social expectations in their works.
The exhibition is divided into five sections: breaking out of one-dimensional role ascriptions as mother, housewife and wife, role-plays, locked up - breaking out, the beautiful body, and female sexuality. Many of the artists represented here moved away from the male-dominated genre of painting and turned to historically less predetermined media like photography, video, film, and performance. The collection director Gabriele Schor coined the concept of FEMINIST AVANTGARDE for this movement—as a way of underscoring its significance.
Artists:
Helena Almeida, Sonia Andrade, Eleanor Antin, Anneke Barger, Lynda Benglis, Judith Bernstein, Renate Bertlmann, Dara Birnbaum, Teresa Burga, Marcella Campagnano, Judy Chicago, Linda Christanell, Lili Dujourie, Mary Beth Edelson, Renate Eisenegger, VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Margaret Harrison, Lynn Hershman Leeson, Alexis Hunter, Sanja Iveković, Birgit Jürgenssen, Kirsten Justesen, Auguste Kronheim, Ketty La Rocca, Leslie Labowitz, Suzanne Lacy, Suzy Lake, Katalin Ladik, Brigitte Lang, Natalia LL, Karin Mack, Ana Mendieta, Rita Myers, Lorraine O’Grady, ORLAN, Florentina Pakosta, Gina Pane, Letícia Parente, Ewa Partum, Friederike Pezold, Margot Pilz, Ulrike Rosenbach, Martha Rosler, Suzanne Santoro, Carolee Schneemann, Lydia Schouten, Elaine Shemilt, Cindy Sherman, Penny Slinger, Annegret Soltau, Betty Tompkins, Regina Vater, Hannah Wilke, Martha Wilson, Francesca Woodman, Nil Yalter
The main curator is Gabriele Schor, founding director of the SAMMLUNG VERBUND Collection, Vienna. Curators in Stavanger are Hanne Beate Ueland and Vibece Salthe.
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La exposición se divide en cinco secciones: rompiendo las asignaciones de roles unidimensionales como madre, ama de casa y esposa, juegos de rol, encerrado, el cuerpo hermoso y la sexualidad femenina. Muchos de los artistas representados aquí se alejaron del género de la pintura dominado por los hombres y recurrieron a medios históricamente menos predeterminados como la fotografía, el video, el cine y el espectáculo. El director de la colección, Gabriele Schor, acuñó el concepto de AVANTGARDE FEMINISTA para este movimiento, como una manera de subrayar su importancia.
Artistas:
Helena Almeida, Sonia Andrade, Eleanor Antin, Anneke Barger, Lynda Benglis, Judith Bernstein, Renate Bertlmann, Dara Birnbaum, Teresa Burga, Marcella Campagnano, Judy Chicago, Linda Christanell, Lili Dujourie, Mary Beth Edelson, Renate Eisenegger, VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Margaret Harrison, Lynn Hershman Leeson, Alexis Hunter, Sanja Iveković, Birgit Jürgenssen, Kirsten Justesen, Auguste Kronheim, Ketty La Rocca, Leslie Labowitz, Suzanne Lacy, Suzy Lake, Katalin Ladik, Brigitte Lang, Natalia LL, Karin Mack, Ana Mendieta, Rita Myers, Lorraine O'Grady, ORLAN, Florentina Pakosta, Gina Pane, Leticia Parente, Ewa Partum, Friederike Pezold, Margot Pilz, Ulrike Rosenbach, Martha Rosler, Suzanne Santoro, Carolee Schneemann, Lydia Schouten, Elaine Shemilt, Cindy Sherman , Penny Slinger, Annegret Soltau, Betty Tompkins, Regina Vater, Hannah Wilke, Martha Wilson, Francesca Woodman, Nil Yalter
El comisario principal es Gabriele Schor, director fundador de SAMMLUNG VERBUND Collection, Viena. Curadores en Stavanger son Hanne Beate Ueland y Vibece Salthe.
With an exhibition of works from the SAMMLUNG VERBUND Collection, Stavanger Art Museum is presenting one of the most important phenomena in the art history of the 1970s—the emancipation of women artists, who began to create their own new and collective self-determined image of women in an art world dominated by men. In line with the slogan “the private is political,” these artists reflected on stereotypical social expectations in their works.
The exhibition is divided into five sections: breaking out of one-dimensional role ascriptions as mother, housewife and wife, role-plays, locked up - breaking out, the beautiful body, and female sexuality. Many of the artists represented here moved away from the male-dominated genre of painting and turned to historically less predetermined media like photography, video, film, and performance. The collection director Gabriele Schor coined the concept of FEMINIST AVANTGARDE for this movement—as a way of underscoring its significance.
Artists:
Helena Almeida, Sonia Andrade, Eleanor Antin, Anneke Barger, Lynda Benglis, Judith Bernstein, Renate Bertlmann, Dara Birnbaum, Teresa Burga, Marcella Campagnano, Judy Chicago, Linda Christanell, Lili Dujourie, Mary Beth Edelson, Renate Eisenegger, VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Margaret Harrison, Lynn Hershman Leeson, Alexis Hunter, Sanja Iveković, Birgit Jürgenssen, Kirsten Justesen, Auguste Kronheim, Ketty La Rocca, Leslie Labowitz, Suzanne Lacy, Suzy Lake, Katalin Ladik, Brigitte Lang, Natalia LL, Karin Mack, Ana Mendieta, Rita Myers, Lorraine O’Grady, ORLAN, Florentina Pakosta, Gina Pane, Letícia Parente, Ewa Partum, Friederike Pezold, Margot Pilz, Ulrike Rosenbach, Martha Rosler, Suzanne Santoro, Carolee Schneemann, Lydia Schouten, Elaine Shemilt, Cindy Sherman, Penny Slinger, Annegret Soltau, Betty Tompkins, Regina Vater, Hannah Wilke, Martha Wilson, Francesca Woodman, Nil Yalter
The main curator is Gabriele Schor, founding director of the SAMMLUNG VERBUND Collection, Vienna. Curators in Stavanger are Hanne Beate Ueland and Vibece Salthe.
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Recientemente un equipo de científicos de la Universidad de Leipzig ha datado una serie de fósiles humanos hallados en el norte de África con una antigüedad de 300.000 años. Los restos de aquellos primeros hombres encontrados en el yacimiento marroquí de Jebel Irhoud han revolucionado el mundo de la antropología, pues desplazan el origen de nuestra especie a un lugar hasta ahora descartado. En estos casi dos siglos transcurridos entre el primer hallazgo y los últimos descubrimientos de Marruecos se ha ido generando una especie de mapa geográfico y temporal sobre el origen de nuestra especie. Una sucesión de fechas, especies, equipos científicos y lugares sobre los que se asienta este trabajo.
“Origen” propone un recorrido físico por las diferentes teorías de la evolución humana desarrolladas durante los siglos XIX, XX y XXI que han situado el origen del hombre, dependiendo de los hallazgos científicos del momento, en distintos espacios geográficos. Un paseo por los lugares donde en algún momento se situó el primer hombre y por la propia historia de la paleoantropología; El valle de Neander, el lago Turkana, la garganta de Olduvai o la sierra de Atapuerca.
Paisaje, socialización y hábitat. Aspectos ligados a las diferentes especies durante el proceso de hominización son el punto de partida para el desarrollo teórico y estético de este proyecto artístico.
Este proyecto fotográfico iniciado por María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) en 2003 se muestra por primera vez completo y ampliado con las trazas más recientes de su investigación, tras una nueva fase de trabajo acometida en el bienio 2017-2018 por parte de ambos artistas que ha contado con el impulso de FCAYC.
Recently a team of scientists from the University of Leipzig has dated a series of human fossils found in North Africa with an age of 300,000 years. The remains of those first human found in the Moroccan site of Jebel Irhoud have revolutionized the world of anthropology, as they displace the origin of our species to a place hitherto discarded.
In these almost two centuries elapsed between the first discovery and the latest discoveries in Morocco, a kind of geographical and temporal map of the origin of our species has been generated. A succession of dates, species, scientific equipment and places on which this work is based.
“Origin” proposes a physical journey through the different theories of human evolution developed during the XIX, XX and XXI centuries that have placed the origin of humans, depending on the scientific findings of the moment, in different geographical spaces. A walk through the places where the first human once stood and the history of paleoanthropology; The valley of Neander, the Turkana lake, the Olduvai Gorge or the Atapuerca mountain range.
Landscape, socialization, and habitat. Aspects linked to the different species during the process of hominization are the starting point for the theoretical and aesthetic development of this artistic project.
Comisariado/Curated by: Rosa Yagüez
Asistencia curatorial / Assistant curator: Alfredo Puente
Agradecimientos/Thanks to: Ana Neira Campos, Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad de Salamanca, CV Colección, Santander, espaivisor, Federico Bernaldo de Quirós, Fundación Botín, Santander. Tweet
Recientemente un equipo de científicos de la Universidad de Leipzig ha datado una serie de fósiles humanos hallados en el norte de África con una antigüedad de 300.000 años. Los restos de aquellos primeros hombres encontrados en el yacimiento marroquí de Jebel Irhoud han revolucionado el mundo de la antropología, pues desplazan el origen de nuestra especie a un lugar hasta ahora descartado. En estos casi dos siglos transcurridos entre el primer hallazgo y los últimos descubrimientos de Marruecos se ha ido generando una especie de mapa geográfico y temporal sobre el origen de nuestra especie. Una sucesión de fechas, especies, equipos científicos y lugares sobre los que se asienta este trabajo.
“Origen” propone un recorrido físico por las diferentes teorías de la evolución humana desarrolladas durante los siglos XIX, XX y XXI que han situado el origen del hombre, dependiendo de los hallazgos científicos del momento, en distintos espacios geográficos. Un paseo por los lugares donde en algún momento se situó el primer hombre y por la propia historia de la paleoantropología; El valle de Neander, el lago Turkana, la garganta de Olduvai o la sierra de Atapuerca.
Paisaje, socialización y hábitat. Aspectos ligados a las diferentes especies durante el proceso de hominización son el punto de partida para el desarrollo teórico y estético de este proyecto artístico.
Este proyecto fotográfico iniciado por María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) en 2003 se muestra por primera vez completo y ampliado con las trazas más recientes de su investigación, tras una nueva fase de trabajo acometida en el bienio 2017-2018 por parte de ambos artistas que ha contado con el impulso de FCAYC.
Recently a team of scientists from the University of Leipzig has dated a series of human fossils found in North Africa with an age of 300,000 years. The remains of those first human found in the Moroccan site of Jebel Irhoud have revolutionized the world of anthropology, as they displace the origin of our species to a place hitherto discarded.
In these almost two centuries elapsed between the first discovery and the latest discoveries in Morocco, a kind of geographical and temporal map of the origin of our species has been generated. A succession of dates, species, scientific equipment and places on which this work is based.
“Origin” proposes a physical journey through the different theories of human evolution developed during the XIX, XX and XXI centuries that have placed the origin of humans, depending on the scientific findings of the moment, in different geographical spaces. A walk through the places where the first human once stood and the history of paleoanthropology; The valley of Neander, the Turkana lake, the Olduvai Gorge or the Atapuerca mountain range.
Landscape, socialization, and habitat. Aspects linked to the different species during the process of hominization are the starting point for the theoretical and aesthetic development of this artistic project.
Comisariado/Curated by: Rosa Yagüez
Asistencia curatorial / Assistant curator: Alfredo Puente
Agradecimientos/Thanks to: Ana Neira Campos, Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad de Salamanca, CV Colección, Santander, espaivisor, Federico Bernaldo de Quirós, Fundación Botín, Santander. Tweet
MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO: EL GIRO DESCOLONIAL EN EL ARTE DE AMÉRICA LATINA, 1960–1985
Claudio Perna
22/03/2018 - 09/09/2018
Memorias del subdesarrollo examina un importante cambio de paradigma que se produjo en la cultura y las artes visuales de América Latina, entre principios de los años sesenta y mediados de los ochenta. Este desplazamiento se caracterizó por articular una contranarrativa a la retórica del desarrollismo, haciendo posible identificar la aparición de un pensamiento descolonial en las prácticas artísticas en la región en estas décadas. Durante este periodo, los intelectuales y los artistas de la región hicieron eco de las críticas que venían del campo de la economía política; al cuestionar modelos culturales y estéticos impuestos tomaron una distancia crítica del canon y del vocabulario formal de la modernidad, incorporando, desde una posición de vanguardia, saberes locales, expresiones populares y vernáculas a su producción. Reconociendo a su vez el valor de las manifestaciones culturales que surgían de las condiciones de pobreza material, muchos artistas, incluso algunos anteriormente afiliados a las vanguardias modernistas de sus respectivos países, establecieron un diálogo con dichas formas culturales, generando así formas de colectivización de la experiencia que fomentaban la conciencia social mediante modos espaciales de percepción y participación. Memorias del subdesarrollo reúne aproximadamente 400 objetos de más de 50 artistas de ocho países de América Latina. La muestra presenta obras de artistas como 3 Nós 3, Benjamin Abrahão, Lola Álvarez Bravo, Joaquim Pedro de Andrade, Luis Arias Vera, Artur Barrio, Jacques Bedel, Fernando "Coco" Bedoya, Lina Bo Bardi, Paulo Bruscky, Athos Bulcão, Teresa Burga, Ivan Cardoso, Antonio Caro, Manuel Casanueva, Elda Cerrato, Víctor Hugo Codocedo, Centro de Arte y Comunicación (CAyC), Colectivo de Acciones de Arte (CADA), Caravana Farkas, Guillermo Deisler, Antonio Dias, Eugenio Dittborn, Juraci Dórea, Juan Downey, Diamela Eltit, Eugenio Espinoza, Escuela de Arte Popular / Universidad Autónoma de Puebla, Thomaz Farkas, León Ferrari, Paulo Freire, Frente Mexicano de Grupos Trabajadores de la Cultura, Marcel Gautherot, Anna Bella Geiger, Rubens Gerchman, Octavio Getino y Fernando Solanas, Carlos Ginzburg, Beatriz González, Víctor Grippo, Juan Guzmán, Graciela Gutiérrez Marx, Grupo Mira, Eduardo Hernández, Leon Hirszman, E.P.S. Huayco, Alfredo Jaar, Leandro Katz, Gastão Magalhães, Antonio Manuel, Jonier Marín, Leo Matiz, Carlos Mayolo y Luis Ospina, Cildo Meireles, No Grupo, Hélio Oiticica, Dámaso Ogaz, Clemente Padín, Lygia Pape, Catalina Parra, Luis Pazos, Claudio Perna, Alfredo Portillos, Norberto Puzzolo, Glauber Rocha, Osvaldo Romberg, Jesús Ruiz Durand, Armando Salas Portugal, Peter Scheier, Falves Silva, Regina Silveira, Taller 4 Rojo, Cecilia Vicuña, Edgardo Antonio Vigo, Horacio Zabala.Más
MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO: EL GIRO DESCOLONIAL EN EL ARTE DE AMÉRICA LATINA, 1960–1985
Claudio Perna
22/03/2018 - 09/09/2018
Memorias del subdesarrollo examina un importante cambio de paradigma que se produjo en la cultura y las artes visuales de América Latina, entre principios de los años sesenta y mediados de los ochenta. Este desplazamiento se caracterizó por articular una contranarrativa a la retórica del desarrollismo, haciendo posible identificar la aparición de un pensamiento descolonial en las prácticas artísticas en la región en estas décadas. Durante este periodo, los intelectuales y los artistas de la región hicieron eco de las críticas que venían del campo de la economía política; al cuestionar modelos culturales y estéticos impuestos tomaron una distancia crítica del canon y del vocabulario formal de la modernidad, incorporando, desde una posición de vanguardia, saberes locales, expresiones populares y vernáculas a su producción. Reconociendo a su vez el valor de las manifestaciones culturales que surgían de las condiciones de pobreza material, muchos artistas, incluso algunos anteriormente afiliados a las vanguardias modernistas de sus respectivos países, establecieron un diálogo con dichas formas culturales, generando así formas de colectivización de la experiencia que fomentaban la conciencia social mediante modos espaciales de percepción y participación. Memorias del subdesarrollo reúne aproximadamente 400 objetos de más de 50 artistas de ocho países de América Latina. La muestra presenta obras de artistas como 3 Nós 3, Benjamin Abrahão, Lola Álvarez Bravo, Joaquim Pedro de Andrade, Luis Arias Vera, Artur Barrio, Jacques Bedel, Fernando "Coco" Bedoya, Lina Bo Bardi, Paulo Bruscky, Athos Bulcão, Teresa Burga, Ivan Cardoso, Antonio Caro, Manuel Casanueva, Elda Cerrato, Víctor Hugo Codocedo, Centro de Arte y Comunicación (CAyC), Colectivo de Acciones de Arte (CADA), Caravana Farkas, Guillermo Deisler, Antonio Dias, Eugenio Dittborn, Juraci Dórea, Juan Downey, Diamela Eltit, Eugenio Espinoza, Escuela de Arte Popular / Universidad Autónoma de Puebla, Thomaz Farkas, León Ferrari, Paulo Freire, Frente Mexicano de Grupos Trabajadores de la Cultura, Marcel Gautherot, Anna Bella Geiger, Rubens Gerchman, Octavio Getino y Fernando Solanas, Carlos Ginzburg, Beatriz González, Víctor Grippo, Juan Guzmán, Graciela Gutiérrez Marx, Grupo Mira, Eduardo Hernández, Leon Hirszman, E.P.S. Huayco, Alfredo Jaar, Leandro Katz, Gastão Magalhães, Antonio Manuel, Jonier Marín, Leo Matiz, Carlos Mayolo y Luis Ospina, Cildo Meireles, No Grupo, Hélio Oiticica, Dámaso Ogaz, Clemente Padín, Lygia Pape, Catalina Parra, Luis Pazos, Claudio Perna, Alfredo Portillos, Norberto Puzzolo, Glauber Rocha, Osvaldo Romberg, Jesús Ruiz Durand, Armando Salas Portugal, Peter Scheier, Falves Silva, Regina Silveira, Taller 4 Rojo, Cecilia Vicuña, Edgardo Antonio Vigo, Horacio Zabala.Más
Espacios entrelazados. Guggenheim Bilbao.
Esther Ferrer
16 /03/ 2018 – 10 /05/ 2018
Esther Ferrer (Donostia/San Sebastián, 1937) es una pionera del arte de performance en España y una de sus principales representantes. Desde el inicio de su carrera, a finales de los años sesenta, desarrolla diferentes líneas de pensamiento a través de una gran variedad de formas y materiales. Su obra puede inscribirse en la corriente de arte minimalista y conceptual. Iniciada en la década de 1960, toma como referentes a creadores como Stéphane Mallarmé, Georges Perec o John Cage, así como los feminismos de aquel momento. Desde 1967, fecha en que comienza a participar en las actividades del grupo Zaj con Walter Marchetti, Ramón Barce y Juan Hidalgo, convierte el arte de acción en su principal medio, si bien a partir de 1970 vuelve a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros y dibujos basados en la serie de los números primos, objetos y piezas sonoras. Con acciones muy directas e irremediablemente provocadoras, el grupo Zaj continúa su andadura hasta 1996, año en que se disuelve, tras su exposición retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS, Madrid). Ferrer define el género de la performance como “el arte que combina el tiempo y el espacio con la presencia de un público que no es mero espectador, sino que también participa en la acción”, valorando por encima de todas las cosas la libertad del espectador: no le ofrece conclusiones, sino preguntas, cuestionamientos, para que, de manera autónoma, genere su propia interpretación personal de la obra. A lo largo de su extensa carrera, la artista ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012, con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco; y en 2014, con el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas. En esta exposición, Esther Ferrer presenta casi exclusivamente instalaciones inéditas, que no se habían materializado hasta ahora, y serán activadas de forma especial a través de performances o de la interacción del público.Más
Espacios entrelazados. Guggenheim Bilbao.
Esther Ferrer
16 /03/ 2018 – 10 /05/ 2018 Esther Ferrer (Donostia / San Sebastián, 1937) is a pioneer of performance art in Spain and one of its main representatives. From the beginning of his career, at the end of the sixties, he develops different lines of thought through a great variety of forms and materials. His work can be inscribed in the stream of minimalist and conceptual art. Started in the 1960s, it takes as references the creators such as Stéphane Mallarmé, Georges Perec and John Cage, as well as the feminisms of that time. Since 1967, when he began to participate in the activities of the Zaj group with Walter Marchetti, Ramón Barce and Juan Hidalgo, he converted the art of action into his main medium, although from 1970 he returned to make plastic works through photographs intervened, installations, paintings and drawings based on the series of prime numbers, objects and sound pieces. With very direct and irremediably provocative actions, the Zaj group continues its journey until 1996, the year in which it dissolves, after its retrospective exhibition at the Reina Sofía National Art Center Museum (MNCARS, Madrid). Ferrer defines the genre of performance as "the art that combines time and space with the presence of an audience that is not a mere spectator, but also participates in the action", valuing above all things the freedom of the spectator : it does not offer conclusions, but questions, questions, so that, autonomously, it generates its own personal interpretation of the work. Throughout her long career, the artist has participated in numerous action art festivals and has exhibited her work in different museums. She has also received several awards: in 1999 she was one of the representatives of Spain at the Venice Biennale; in 2008, she was awarded the National Prize for Plastic Arts; in 2012, with the Gure Artea Award from the Basque Government; and in 2014, with the Marie Claire de l'Art Contemporain Prize and the Velázquez Plastic Arts Prize. In this exhibition, Esther Ferrer presents almost exclusively unpublished installations, which had not materialized until now, and will be activated in a special way through performances or the interaction of the public.More
TweetEspacios entrelazados. Guggenheim Bilbao.
Esther Ferrer
16 /03/ 2018 – 10 /05/ 2018
Esther Ferrer (Donostia/San Sebastián, 1937) es una pionera del arte de performance en España y una de sus principales representantes. Desde el inicio de su carrera, a finales de los años sesenta, desarrolla diferentes líneas de pensamiento a través de una gran variedad de formas y materiales. Su obra puede inscribirse en la corriente de arte minimalista y conceptual. Iniciada en la década de 1960, toma como referentes a creadores como Stéphane Mallarmé, Georges Perec o John Cage, así como los feminismos de aquel momento. Desde 1967, fecha en que comienza a participar en las actividades del grupo Zaj con Walter Marchetti, Ramón Barce y Juan Hidalgo, convierte el arte de acción en su principal medio, si bien a partir de 1970 vuelve a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros y dibujos basados en la serie de los números primos, objetos y piezas sonoras. Con acciones muy directas e irremediablemente provocadoras, el grupo Zaj continúa su andadura hasta 1996, año en que se disuelve, tras su exposición retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS, Madrid). Ferrer define el género de la performance como “el arte que combina el tiempo y el espacio con la presencia de un público que no es mero espectador, sino que también participa en la acción”, valorando por encima de todas las cosas la libertad del espectador: no le ofrece conclusiones, sino preguntas, cuestionamientos, para que, de manera autónoma, genere su propia interpretación personal de la obra. A lo largo de su extensa carrera, la artista ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012, con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco; y en 2014, con el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas. En esta exposición, Esther Ferrer presenta casi exclusivamente instalaciones inéditas, que no se habían materializado hasta ahora, y serán activadas de forma especial a través de performances o de la interacción del público.Más
Espacios entrelazados. Guggenheim Bilbao.
Esther Ferrer
16 /03/ 2018 – 10 /05/ 2018 Esther Ferrer (Donostia / San Sebastián, 1937) is a pioneer of performance art in Spain and one of its main representatives. From the beginning of his career, at the end of the sixties, he develops different lines of thought through a great variety of forms and materials. His work can be inscribed in the stream of minimalist and conceptual art. Started in the 1960s, it takes as references the creators such as Stéphane Mallarmé, Georges Perec and John Cage, as well as the feminisms of that time. Since 1967, when he began to participate in the activities of the Zaj group with Walter Marchetti, Ramón Barce and Juan Hidalgo, he converted the art of action into his main medium, although from 1970 he returned to make plastic works through photographs intervened, installations, paintings and drawings based on the series of prime numbers, objects and sound pieces. With very direct and irremediably provocative actions, the Zaj group continues its journey until 1996, the year in which it dissolves, after its retrospective exhibition at the Reina Sofía National Art Center Museum (MNCARS, Madrid). Ferrer defines the genre of performance as "the art that combines time and space with the presence of an audience that is not a mere spectator, but also participates in the action", valuing above all things the freedom of the spectator : it does not offer conclusions, but questions, questions, so that, autonomously, it generates its own personal interpretation of the work. Throughout her long career, the artist has participated in numerous action art festivals and has exhibited her work in different museums. She has also received several awards: in 1999 she was one of the representatives of Spain at the Venice Biennale; in 2008, she was awarded the National Prize for Plastic Arts; in 2012, with the Gure Artea Award from the Basque Government; and in 2014, with the Marie Claire de l'Art Contemporain Prize and the Velázquez Plastic Arts Prize. In this exhibition, Esther Ferrer presents almost exclusively unpublished installations, which had not materialized until now, and will be activated in a special way through performances or the interaction of the public.More
TweetGEOGRAFÍA DEL TIEMPO.
BLEDA Y ROSA
21/03/2018 - 30/09/2018
Geografía del tiempo reúne veinticinco años del trabajo fotográfico de María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) articulándolo en torno a la serie Campos de batalla: un proyecto iniciado en 1994 y finalizado recientemente que se muestra al completo por primera vez. La muestra se abre con Campos de fútbol (1992-1995), el primer proyecto que obtuvo reconocimiento público, una serie que, estableciendo una dialéctica entre lugar, tiempo y memoria, anuncia los ejes conceptuales en torno a los que posteriormente girará su trabajo. La exposición se completa con obras pertenecientes a las series Origen (2003-), Prontuario, Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).Más
GEOGRAPHY OF TIME.
BLEDA Y ROSA
03/21/2018 - 09/30/2018
Geography of Time brings together twenty-five years of the photographic work of María Bleda (Castellón, 1969) and José María Rosa (Albacete, 1970) articulating it around the series Campos de batalla: a project started in 1994 and recently completed that is shown in full by first time. The exhibition opens with Campos de Fútbol (1992-1995), the first project that won public recognition, a series that, establishing a dialectic between place, time and memory, announces the conceptual axes around which its work will later turn. The exhibition is completed with works belonging to the series OrigEn (2003-), Prontuario, Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).More
TweetGEOGRAFÍA DEL TIEMPO.
BLEDA Y ROSA
21/03/2018 - 30/09/2018
Geografía del tiempo reúne veinticinco años del trabajo fotográfico de María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) articulándolo en torno a la serie Campos de batalla: un proyecto iniciado en 1994 y finalizado recientemente que se muestra al completo por primera vez. La muestra se abre con Campos de fútbol (1992-1995), el primer proyecto que obtuvo reconocimiento público, una serie que, estableciendo una dialéctica entre lugar, tiempo y memoria, anuncia los ejes conceptuales en torno a los que posteriormente girará su trabajo. La exposición se completa con obras pertenecientes a las series Origen (2003-), Prontuario, Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).Más
GEOGRAPHY OF TIME.
BLEDA Y ROSA
03/21/2018 - 09/30/2018
Geography of Time brings together twenty-five years of the photographic work of María Bleda (Castellón, 1969) and José María Rosa (Albacete, 1970) articulating it around the series Campos de batalla: a project started in 1994 and recently completed that is shown in full by first time. The exhibition opens with Campos de Fútbol (1992-1995), the first project that won public recognition, a series that, establishing a dialectic between place, time and memory, announces the conceptual axes around which its work will later turn. The exhibition is completed with works belonging to the series OrigEn (2003-), Prontuario, Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).More
TweetRealizada en el marco del año Francia-Colombia esta exposición presenta obras de artistas colombianos en diálogo con obras de la colección del FRAC PACA.
¿Qué tememos? ¿Cuáles son los objetos y los efectos del miedo? ¿Cómo representarlo? ¿Cómo usarlo? ¿Qué dice el miedo de nosotros? De nuestra relación con el mundo y nuestra relación con el otro? ¿Debemos dejar de tener miedo? ¿Cómo podríamos conjurarlo? ¿Cómo domesticarlo, entenderlo? ¿Cómo “sorprender la catástrofe”? El psiquiatra Boris Cyrulnik afirmaba recientemente en una conferencia que la función del arte es probablemente “remodelar el sufrimiento inevitable de la condición humana”. No se trata entonces de anihilar el miedo sino de confrontarlo, de asimilarlo para poder desactivarlo. A las imágenes manipuladoras y a veces paralizantes de los medios se oponen las obras presentadas en la exposición con un tiempo narrativo diferente. Experiencias visuales e sensoriales, inmersivas o fugaces diversas, responden cada una a contextos espacio-temporales distintos, y nos ofrecen algunas pistas para desarmar el miedo a través del entendimiento, del humor o de la atención.
Artistas: Jürgen Albrecht, Ever Asturillo, Alberto Baraya, Berdaguer&Péjus, Johanna Calle, Santiago Cárdenas, Arnaud Claass, Tony Cragg, Francis Gomila, Beatriz González, Rodney Graham, Laurent Grasso, Leonardo David Herrera, Fabrice Hyber, Paulo Licona, Norman Mejía, Ana María Millán, Oscar Muñoz, Alex Rodriguez, Miguel Ángel Rojas, Maria Isabel Rueda, Doris Salcedo, Edwin Sánchez, Jean Luc Verna, Martin Walde
*Esta exposición toma su título de la novela del escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez publicada en 2011.« There is a faltering scream, or something that sounds like a scream. There is a sound that I cannot and never have been able to identify: a sound that is not human, or is more than human, the sound of lives being extinguished but also the sound of mate-rial things breaking. It’s the sound of things falling from on high, an interrupted and somehow also eternal sound, a sound that didn’t ever end, that kept ringing in my head from that very afternoon and still shows no sign of wanting to leave it. » Juan Gabriel Vásquez
« Better to have your nightmares on your walls than in your head. » DaddyAs part of the France-Colombia year celebrated in France in 2017, the Frac presents an exhibition which brings together works of fifteen Colombian artists and pieces selected from the Frac’s permanent collection. The subject is fear. This fundamental and timeless affect that no human being can escape has a blinding power. As Stephen King wrote, it can plunge us into “complete darkness” and leave us “as helpless as children unable to find the light switch.” As a primary manifestation of our relation to the world, fear is an active element in its construction, as well as in shaping our inner selves. Its ritual and initiatory role in children’s development makes it a driving force in our experience and acquisition of knowledge of the world. It also represents a threshold that must be crossed so that it is finally resolved and dissipated. Fear is at the root of our survival instinct and ability to act. What are we afraid of? What are the objects and effects of fear? How can it be represented? Further, how can it be used? What does fear say about us, about our relationship to the other and the real? Darkness, shapelessness, void, collapse, fragmentation, separation, suffocation, intrusion… primal fears violently reactivated in a world suffering from its inability to take a definite shape, a liquid world, to borrow sociologist Zygmunt Bauman’s metaphor, where human ties are weakened. Some people take advantage of this fragility and transform fear into a powerful manipulative tool, a technique, using its mechanisms to impose their authority in the public and private spheres. As fear becomes a public issue and the source of a social order based on the affective modulation of our daily lives – a phenomenon discussed by Patrick Boucheron and Corey Robin in a recent dialogue – it seems necessary to also point out the importance and foundatio-nal part this emotion plays in the process of our emancipation as individuals. How to take catastrophe by surprise? How not to repress fear, but instead turn a sterile, paralyzing state of mind into a reflexive element unleashing action, reaching out and knowledge? This exhibition at the Frac revolves around these notions: the objects of fear, the mechanisms of its intrumentalization, and the means to conquer it. Paintings, sculptures, installations (some site-specific for this show), photos and videos will dialogue with one another over the museum’s two floors and in its auditorium. Like a provocation in the face of the unrepresentability of anxiety and the shapelessness always associated with fear, art opens up a space for representation, interpretation and speaking out.
Artists: Absalon | Ever Astudillo | Alberto Baraya | Jean Bellissen | Christophe Berdaguer et Marie Péjus | Bruno Botella | Pedro Cabrita Reis | Santiago Cárdenas | Arnaud Claass | Tony Cragg | Francis Gomila | Beatriz González | Rodney Graham | Laurent Grasso | Leonardo David Herrera | Fabrice Hyber | Paulo Licona | Norman Mejía | Ana María Millán | Oscar Muñoz | Alex Rodríguez | Miguel Ángel Rojas | María Isabel Rueda | Doris Salcedo | Edwin Sánchez | Jean-Luc Verna | Martin Walde *This exhibition takes it’s title from a novel by the Colombian writer Juan Gabriel Vásquez published in 2011. TweetRealizada en el marco del año Francia-Colombia esta exposición presenta obras de artistas colombianos en diálogo con obras de la colección del FRAC PACA.
¿Qué tememos? ¿Cuáles son los objetos y los efectos del miedo? ¿Cómo representarlo? ¿Cómo usarlo? ¿Qué dice el miedo de nosotros? De nuestra relación con el mundo y nuestra relación con el otro? ¿Debemos dejar de tener miedo? ¿Cómo podríamos conjurarlo? ¿Cómo domesticarlo, entenderlo? ¿Cómo “sorprender la catástrofe”? El psiquiatra Boris Cyrulnik afirmaba recientemente en una conferencia que la función del arte es probablemente “remodelar el sufrimiento inevitable de la condición humana”. No se trata entonces de anihilar el miedo sino de confrontarlo, de asimilarlo para poder desactivarlo. A las imágenes manipuladoras y a veces paralizantes de los medios se oponen las obras presentadas en la exposición con un tiempo narrativo diferente. Experiencias visuales e sensoriales, inmersivas o fugaces diversas, responden cada una a contextos espacio-temporales distintos, y nos ofrecen algunas pistas para desarmar el miedo a través del entendimiento, del humor o de la atención.
Artistas: Jürgen Albrecht, Ever Asturillo, Alberto Baraya, Berdaguer&Péjus, Johanna Calle, Santiago Cárdenas, Arnaud Claass, Tony Cragg, Francis Gomila, Beatriz González, Rodney Graham, Laurent Grasso, Leonardo David Herrera, Fabrice Hyber, Paulo Licona, Norman Mejía, Ana María Millán, Oscar Muñoz, Alex Rodriguez, Miguel Ángel Rojas, Maria Isabel Rueda, Doris Salcedo, Edwin Sánchez, Jean Luc Verna, Martin Walde
*Esta exposición toma su título de la novela del escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez publicada en 2011.« There is a faltering scream, or something that sounds like a scream. There is a sound that I cannot and never have been able to identify: a sound that is not human, or is more than human, the sound of lives being extinguished but also the sound of mate-rial things breaking. It’s the sound of things falling from on high, an interrupted and somehow also eternal sound, a sound that didn’t ever end, that kept ringing in my head from that very afternoon and still shows no sign of wanting to leave it. » Juan Gabriel Vásquez
« Better to have your nightmares on your walls than in your head. » DaddyAs part of the France-Colombia year celebrated in France in 2017, the Frac presents an exhibition which brings together works of fifteen Colombian artists and pieces selected from the Frac’s permanent collection. The subject is fear. This fundamental and timeless affect that no human being can escape has a blinding power. As Stephen King wrote, it can plunge us into “complete darkness” and leave us “as helpless as children unable to find the light switch.” As a primary manifestation of our relation to the world, fear is an active element in its construction, as well as in shaping our inner selves. Its ritual and initiatory role in children’s development makes it a driving force in our experience and acquisition of knowledge of the world. It also represents a threshold that must be crossed so that it is finally resolved and dissipated. Fear is at the root of our survival instinct and ability to act. What are we afraid of? What are the objects and effects of fear? How can it be represented? Further, how can it be used? What does fear say about us, about our relationship to the other and the real? Darkness, shapelessness, void, collapse, fragmentation, separation, suffocation, intrusion… primal fears violently reactivated in a world suffering from its inability to take a definite shape, a liquid world, to borrow sociologist Zygmunt Bauman’s metaphor, where human ties are weakened. Some people take advantage of this fragility and transform fear into a powerful manipulative tool, a technique, using its mechanisms to impose their authority in the public and private spheres. As fear becomes a public issue and the source of a social order based on the affective modulation of our daily lives – a phenomenon discussed by Patrick Boucheron and Corey Robin in a recent dialogue – it seems necessary to also point out the importance and foundatio-nal part this emotion plays in the process of our emancipation as individuals. How to take catastrophe by surprise? How not to repress fear, but instead turn a sterile, paralyzing state of mind into a reflexive element unleashing action, reaching out and knowledge? This exhibition at the Frac revolves around these notions: the objects of fear, the mechanisms of its intrumentalization, and the means to conquer it. Paintings, sculptures, installations (some site-specific for this show), photos and videos will dialogue with one another over the museum’s two floors and in its auditorium. Like a provocation in the face of the unrepresentability of anxiety and the shapelessness always associated with fear, art opens up a space for representation, interpretation and speaking out.
Artists: Absalon | Ever Astudillo | Alberto Baraya | Jean Bellissen | Christophe Berdaguer et Marie Péjus | Bruno Botella | Pedro Cabrita Reis | Santiago Cárdenas | Arnaud Claass | Tony Cragg | Francis Gomila | Beatriz González | Rodney Graham | Laurent Grasso | Leonardo David Herrera | Fabrice Hyber | Paulo Licona | Norman Mejía | Ana María Millán | Oscar Muñoz | Alex Rodríguez | Miguel Ángel Rojas | María Isabel Rueda | Doris Salcedo | Edwin Sánchez | Jean-Luc Verna | Martin Walde *This exhibition takes it’s title from a novel by the Colombian writer Juan Gabriel Vásquez published in 2011. TweetNuit Blanche 2017
Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet
Edición 2017 de la Noche en Blanco el sábado, 7 de Octubre-
Se organizó una proyección de una obra de la artista turca Nil Yalter (nacido en 1938), frente al café La Perle.
El Café La Perle es una de las direcciones más famosas en el distrito de Marais; vecino el Museo Carnavalet, el café está vinculado a la escena cultural gracias a sus actividades eclécticas (y, por cierto, a las estrellas y creadores que pueblan la terraza).
El café alberga un evento especialmente emocionante: una obra firmada por Yalter, se proyectará al artista feminista famoso por su trabajo en torno al exilio de gran formato en la intersección de la antigua rue du Temple y la rue des Quatre Fils, antes del café.
Titulado París Ciudad de la Luz (1974) y totalmente digitalizada por museos de París, la obra consiste en una serie de signos de veinte dibujadas, impresas sobre tela, que representan a cada distrito de París. Durante toda la noche, pueden venir a ver este trabajo. ¡No se lo puede perder!
Más información:
Nuit Blanche 2017
Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet
2017 White Night Edition on Saturday, October 7
A screening of a work by the Turkish artist Nil Yalter (born in 1938), in front of the cafe La Perle, was organized.
Café La Perle is one of the most famous addresses in the Marais district; next to the Carnavalet Museum, coffee is linked to the cultural scene thanks to its eclectic activities (and, of course, the stars and creators that populate the terrace).
The café hosts an especially exciting event: a work signed by Yalter, will be projected to the feminist artist famous for his work around the large format exile at the intersection of the old rue du Temple and the rue des Quatre Fils, before coffee.
Titled Paris City of Light (1974) and completely digitized by museums in Paris, the work consists of a series of signs of twenty drawn, printed on cloth, representing each district of Paris. Throughout the night, you can come and see this work. You can not miss it!
More information:
TweetNuit Blanche 2017
Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet
Edición 2017 de la Noche en Blanco el sábado, 7 de Octubre-
Se organizó una proyección de una obra de la artista turca Nil Yalter (nacido en 1938), frente al café La Perle.
El Café La Perle es una de las direcciones más famosas en el distrito de Marais; vecino el Museo Carnavalet, el café está vinculado a la escena cultural gracias a sus actividades eclécticas (y, por cierto, a las estrellas y creadores que pueblan la terraza).
El café alberga un evento especialmente emocionante: una obra firmada por Yalter, se proyectará al artista feminista famoso por su trabajo en torno al exilio de gran formato en la intersección de la antigua rue du Temple y la rue des Quatre Fils, antes del café.
Titulado París Ciudad de la Luz (1974) y totalmente digitalizada por museos de París, la obra consiste en una serie de signos de veinte dibujadas, impresas sobre tela, que representan a cada distrito de París. Durante toda la noche, pueden venir a ver este trabajo. ¡No se lo puede perder!
Más información:
Nuit Blanche 2017
Nil Yalter au café La Perle, par le musée Carnavalet
2017 White Night Edition on Saturday, October 7
A screening of a work by the Turkish artist Nil Yalter (born in 1938), in front of the cafe La Perle, was organized.
Café La Perle is one of the most famous addresses in the Marais district; next to the Carnavalet Museum, coffee is linked to the cultural scene thanks to its eclectic activities (and, of course, the stars and creators that populate the terrace).
The café hosts an especially exciting event: a work signed by Yalter, will be projected to the feminist artist famous for his work around the large format exile at the intersection of the old rue du Temple and the rue des Quatre Fils, before coffee.
Titled Paris City of Light (1974) and completely digitized by museums in Paris, the work consists of a series of signs of twenty drawn, printed on cloth, representing each district of Paris. Throughout the night, you can come and see this work. You can not miss it!
More information:
TweetESTHER FERRER | Todas las variaciones son válidas, incluida esta.
Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.
Ferrer otorga a la repetición y al azar la capacidad de potenciar la obra, generando múltiples variaciones que dan paso a la alteridad y lo imprevisible. La muestra que presenta el Museo Reina Sofía, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, recoge estas cuestiones y reflexiona sobre otros aspectos clave de su práctica, como la visibilización del proceso creativo en el tiempo/espacio, y la movilización y transformación del cuerpo. Buscando reforzar y experimentar con las ideas de continuidad y la dimensión performativa del trabajo de Ferrer, la exposición incorpora la activación de ciertas piezas así como un discurso no cronológico que permite conexiones inesperadas y acercamientos cambiantes a su trayectoria. La selección de obras incluye performances e instalaciones, así como una serie de proyectos plásticos, tanto trabajos preparatorios como series acabadas, y documentación de las principales acciones (fotografías y vídeos).
En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas. El catálogo que acompaña la muestra presenta una selección de estos textos.
A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas.
ESTHER FERRER | Todas las variaciones son válidas, incluida esta.
Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.
Ferrer otorga a la repetición y al azar la capacidad de potenciar la obra, generando múltiples variaciones que dan paso a la alteridad y lo imprevisible. La muestra que presenta el Museo Reina Sofía, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, recoge estas cuestiones y reflexiona sobre otros aspectos clave de su práctica, como la visibilización del proceso creativo en el tiempo/espacio, y la movilización y transformación del cuerpo. Buscando reforzar y experimentar con las ideas de continuidad y la dimensión performativa del trabajo de Ferrer, la exposición incorpora la activación de ciertas piezas así como un discurso no cronológico que permite conexiones inesperadas y acercamientos cambiantes a su trayectoria. La selección de obras incluye performances e instalaciones, así como una serie de proyectos plásticos, tanto trabajos preparatorios como series acabadas, y documentación de las principales acciones (fotografías y vídeos).
En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas. El catálogo que acompaña la muestra presenta una selección de estos textos.
A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas.
LAPIERRE ET LA POUSSIÈRE
« La Pierre et la Poussière » [Piedra y polvo]
o
Del sábado, 16 de septiembre de 2017 al domingo, 26 de noviembre de 2017 Para su primera exposición individual en una institución europea, Juan Fernando Herrán (nacido en 1963, vive y trabaja en Bogotá) prevé los carniceros Centro de Arte Contemporáneo La Halle una instalación inspirada en la sedimentación secular propia en la ciudad de Viena.
Si el estudio de los materiales y objetos arqueológicos es la clave para interpretar el pasado, también revela y atestigua la forma en que el presente está arraigado en la historia. Las obras de Juan Fernando Herrán abordan temas que cruzan contextos culturales con temas sociales que no siempre son visibles a primera vista. Para su proyecto en Viena, el artista estaba interesado en trazar y cuestionar el material arqueológico y patrimonial de la ciudad, y cómo la sedimentación formó su historia.
Esta investigación ha alimentado así un proyecto de instalación - reagrupación de la escultura, la fotografía y el vídeo - que toma forma con el espacio del Centro de Arte Contemporáneo La Halle des Bouchers.
Tomado de: cac-lahalledesbouchers.fr
LAPIERRE ET LA POUSSIÈRE
7
« La Pierre et la Poussière » [Stone and Dust] Exhibition from September 16 to November 26 2017 Opening on Friday September 15 at 7pm Curator: Marc Bembekoff, Director of Centre d’art contemporain La Halle des boucherso
From Saturday, September 16, 2017 to Sunday, November 26, 2017 Juan Fernando Herrán (born in 1963, lives and works in Bogotá), for his first solo exhibition in a European institution, proposes for the Contemporary Art Center La Halle des Bouchers an installation inspired by the centuries-old sedimentation of the city of Vienna.
If the study of archaeological materials and objects is the key to interpreting the past, it also reveals and testifies to the way in which the present is rooted in history. The works of Juan Fernando Herrán address issues that cross cultural contexts with societal subjects that are not always visible at first glance. For his project in Vienna, the artist was interested in tracing and questioning the archaeological and patrimonial material of the city, and how sedimentation shaped its history.
This research has thus fed a project of installation - regrouping sculpture, photography and video - which takes shape with the space of the Contemporary Art Center La Halle des Bouchers.
Taken from cac-lahalledesbouchers.fr
TweetLAPIERRE ET LA POUSSIÈRE
« La Pierre et la Poussière » [Piedra y polvo]
o
Del sábado, 16 de septiembre de 2017 al domingo, 26 de noviembre de 2017 Para su primera exposición individual en una institución europea, Juan Fernando Herrán (nacido en 1963, vive y trabaja en Bogotá) prevé los carniceros Centro de Arte Contemporáneo La Halle una instalación inspirada en la sedimentación secular propia en la ciudad de Viena.
Si el estudio de los materiales y objetos arqueológicos es la clave para interpretar el pasado, también revela y atestigua la forma en que el presente está arraigado en la historia. Las obras de Juan Fernando Herrán abordan temas que cruzan contextos culturales con temas sociales que no siempre son visibles a primera vista. Para su proyecto en Viena, el artista estaba interesado en trazar y cuestionar el material arqueológico y patrimonial de la ciudad, y cómo la sedimentación formó su historia.
Esta investigación ha alimentado así un proyecto de instalación - reagrupación de la escultura, la fotografía y el vídeo - que toma forma con el espacio del Centro de Arte Contemporáneo La Halle des Bouchers.
Tomado de: cac-lahalledesbouchers.fr
LAPIERRE ET LA POUSSIÈRE
7
« La Pierre et la Poussière » [Stone and Dust] Exhibition from September 16 to November 26 2017 Opening on Friday September 15 at 7pm Curator: Marc Bembekoff, Director of Centre d’art contemporain La Halle des boucherso
From Saturday, September 16, 2017 to Sunday, November 26, 2017 Juan Fernando Herrán (born in 1963, lives and works in Bogotá), for his first solo exhibition in a European institution, proposes for the Contemporary Art Center La Halle des Bouchers an installation inspired by the centuries-old sedimentation of the city of Vienna.
If the study of archaeological materials and objects is the key to interpreting the past, it also reveals and testifies to the way in which the present is rooted in history. The works of Juan Fernando Herrán address issues that cross cultural contexts with societal subjects that are not always visible at first glance. For his project in Vienna, the artist was interested in tracing and questioning the archaeological and patrimonial material of the city, and how sedimentation shaped its history.
This research has thus fed a project of installation - regrouping sculpture, photography and video - which takes shape with the space of the Contemporary Art Center La Halle des Bouchers.
Taken from cac-lahalledesbouchers.fr
TweetTurbulencias
Obras de la Colección de Arte Contemporáneo ”la Caixa”
El arte constantemente plantea interrogantes sobre el mundo en que vivimos y, actualmente, son especialmente significativas aquellas obras capaces de provocar una conciencia crítica ante nuestro presente social, político y cultural. Esta exposición está compuesta por obras de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo, que en los últimos años ha incorporado el trabajo de un buen número de artistas de distintos entornos geopolíticos con una gran capacidad para procesar de forma estética la realidad en la que vivimos.
Con el título Turbulencias, la exposición destaca la variedad de voces poéticas y relatos sobre un mundo que ya no se comprende desde ópticas únicas o dominantes. También se hace eco de la sensibilización del arte por la agitación que provocan las contradicciones de la globalización, que, aunque nos ha conectado a todos, también ha agudizado las desigualdades sociales, el populismo, el racismo y los movimientos migratorios masivos de un número creciente de desposeídos que aspiran a alcanzar el modo de vida occidental de bienestar y consumo.
Pero las turbulencias de las últimas décadas no impiden que el mundo siga abierto a la conexión colectiva, a los diálogos interculturales y a la libre expresión. Quizás el arte contribuya a estrechar lazos y a generar una mayor conciencia del entorno social, al otorgarle otra visibilidad. La mirada crítica del artista se ejerce a través de lo simbólico, lo imaginario y lo poético, y trata de que seamos nosotros, los espectadores de sus obras, los que demos sentido a su trabajo y a sus reflexiones.
Nota de prensa de Galeria do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional
Turbulence
Works from the "la Caixa" contemporary art collection
8th September - 3rd December 2017Art constantly poses questions regarding the world in which we live. Nowadays, those works capable of provoking critical awareness of our social, political and cultural present are particularly significant. This exhibition is made up of works from the “la Caixa” Contemporary Art Collection, which in recent years has acquired the work of a good number of artists from a wide range of geopolitical contexts and with a great capacity for processing the reality in which we live in an aesthetic form.
Going under the title Turbulence, the exhibition highlights the multiplicity of poetic voices and narratives relating to a world which is no longer understood from unique or dominant perspectives. It also reflects the rising awareness of art as a result of the unrest brought on by the contradictions of globalisation which, despite having connected us all, has also heightened social inequalities, populism, racism and the mass migratory movement of a growing number of dispossessed individuals aspiring to attain a Western lifestyle of wellbeing and consumption.
But the turbulence of recent decades do not stop the world from continuing to be open to collective connections, to inter-cultural dialogues and free speech. Perhaps art can contribute to strengthening ties and to generating a greater awareness of the social environment, by lending it a heightened visibility. The critical gaze of the artist is exercised through the symbolic, the imaginary and the poetic, and their intention is for it to be us, those viewing the works, to give meaning to their work and their reflections.
Press release from Galeria do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional
Turbulencias
Obras de la Colección de Arte Contemporáneo ”la Caixa”
El arte constantemente plantea interrogantes sobre el mundo en que vivimos y, actualmente, son especialmente significativas aquellas obras capaces de provocar una conciencia crítica ante nuestro presente social, político y cultural. Esta exposición está compuesta por obras de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo, que en los últimos años ha incorporado el trabajo de un buen número de artistas de distintos entornos geopolíticos con una gran capacidad para procesar de forma estética la realidad en la que vivimos.
Con el título Turbulencias, la exposición destaca la variedad de voces poéticas y relatos sobre un mundo que ya no se comprende desde ópticas únicas o dominantes. También se hace eco de la sensibilización del arte por la agitación que provocan las contradicciones de la globalización, que, aunque nos ha conectado a todos, también ha agudizado las desigualdades sociales, el populismo, el racismo y los movimientos migratorios masivos de un número creciente de desposeídos que aspiran a alcanzar el modo de vida occidental de bienestar y consumo.
Pero las turbulencias de las últimas décadas no impiden que el mundo siga abierto a la conexión colectiva, a los diálogos interculturales y a la libre expresión. Quizás el arte contribuya a estrechar lazos y a generar una mayor conciencia del entorno social, al otorgarle otra visibilidad. La mirada crítica del artista se ejerce a través de lo simbólico, lo imaginario y lo poético, y trata de que seamos nosotros, los espectadores de sus obras, los que demos sentido a su trabajo y a sus reflexiones.
Nota de prensa de Galeria do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional
Turbulence
Works from the "la Caixa" contemporary art collection
8th September - 3rd December 2017Art constantly poses questions regarding the world in which we live. Nowadays, those works capable of provoking critical awareness of our social, political and cultural present are particularly significant. This exhibition is made up of works from the “la Caixa” Contemporary Art Collection, which in recent years has acquired the work of a good number of artists from a wide range of geopolitical contexts and with a great capacity for processing the reality in which we live in an aesthetic form.
Going under the title Turbulence, the exhibition highlights the multiplicity of poetic voices and narratives relating to a world which is no longer understood from unique or dominant perspectives. It also reflects the rising awareness of art as a result of the unrest brought on by the contradictions of globalisation which, despite having connected us all, has also heightened social inequalities, populism, racism and the mass migratory movement of a growing number of dispossessed individuals aspiring to attain a Western lifestyle of wellbeing and consumption.
But the turbulence of recent decades do not stop the world from continuing to be open to collective connections, to inter-cultural dialogues and free speech. Perhaps art can contribute to strengthening ties and to generating a greater awareness of the social environment, by lending it a heightened visibility. The critical gaze of the artist is exercised through the symbolic, the imaginary and the poetic, and their intention is for it to be us, those viewing the works, to give meaning to their work and their reflections.
Press release from Galeria do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional
En la tarde de ayer durante la presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Ximo Berenguer en la Fundació Foto Colectania se ha desenmascarado la verdad.
Joan Fontcuberta se pronunciaba como creador del personaje y autor de las fotografías que tienen fascinados a los grandes expertos del arte en España. Después de más de un año de la muestra en la Galería Espaivisor y la gira de lanzamiento del libro, se desvela este secreto guardado entre pocos y que ayer se revelaba recordando a los trabajos anteriores de Fontcuberta como Sputnik.
El misterio de este Viviane Maier local como lo llamaba Martin Parr creo gran interés por sus imágenes de gran impacto real del Molino y su trágica y corta vida del personaje. Con este fake o engaño transitorio Fontcuberta pone en evidencia la facilidad con la que se puede engañar al público, así mismo invitando a la reflexión sobre el mercado del arte y como este se va pareciendo cada vez más a la política, donde lo importante es la explotación del beneficio propio y el prestigio por encima del valor artístico.
Tras ser revelada la verdad no se puede negar que las fotografías junto con los textos que son parte de “A chupar del bote” forman un gran archivo que recuerda a los tantos Ximo Berenguer que sacaron a la luz esa España transitoria que hoy por hoy nos sigue sorprendiendo.
Foto cortesía: Fundació Foto Colectania
Yesterday during the presentation of the photographic book "A chupar del bote" by Ximo Berenguer at the Fundació Foto Colectania the truth was unmasked.Joan Fontcuberta pronounced himself as the creator of the character and author of the photographs that have fascinated experts of photography in Spain.
After more than a year of the exhibition in Espaivisor and the launching tour of the book that include text by other characters created by Fontcuberta, this secret, only known among few, revealed itself reminding us of previous works like Sputnik.
The mystery of this Spanish Viviane Maier, as he was called by Martin Parr, create a great interest for his images of high impact showing the reality of the Music Hall El Molino, and the tragic and short life of the character.
With this fake or transient deception Fontcuberta reveals the ease with which the public can be deceived, as well to question the roll of the art market and how it increasingly resembles politics where what is important is the exploitation of personal gain and prestige over artistic value.
After the truth has been revealed we can not deny that the photographs along with the texts that are part of "A chupar del bote" form a great file that reminds the many unknown Ximo Berenguer that brought to light that transitory Spain that even today still keeps on surprising.
Photo courtesy: Fundació Foto Colectania
TweetEn la tarde de ayer durante la presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Ximo Berenguer en la Fundació Foto Colectania se ha desenmascarado la verdad.
Joan Fontcuberta se pronunciaba como creador del personaje y autor de las fotografías que tienen fascinados a los grandes expertos del arte en España. Después de más de un año de la muestra en la Galería Espaivisor y la gira de lanzamiento del libro, se desvela este secreto guardado entre pocos y que ayer se revelaba recordando a los trabajos anteriores de Fontcuberta como Sputnik.
El misterio de este Viviane Maier local como lo llamaba Martin Parr creo gran interés por sus imágenes de gran impacto real del Molino y su trágica y corta vida del personaje. Con este fake o engaño transitorio Fontcuberta pone en evidencia la facilidad con la que se puede engañar al público, así mismo invitando a la reflexión sobre el mercado del arte y como este se va pareciendo cada vez más a la política, donde lo importante es la explotación del beneficio propio y el prestigio por encima del valor artístico.
Tras ser revelada la verdad no se puede negar que las fotografías junto con los textos que son parte de “A chupar del bote” forman un gran archivo que recuerda a los tantos Ximo Berenguer que sacaron a la luz esa España transitoria que hoy por hoy nos sigue sorprendiendo.
Foto cortesía: Fundació Foto Colectania
Yesterday during the presentation of the photographic book "A chupar del bote" by Ximo Berenguer at the Fundació Foto Colectania the truth was unmasked.Joan Fontcuberta pronounced himself as the creator of the character and author of the photographs that have fascinated experts of photography in Spain.
After more than a year of the exhibition in Espaivisor and the launching tour of the book that include text by other characters created by Fontcuberta, this secret, only known among few, revealed itself reminding us of previous works like Sputnik.
The mystery of this Spanish Viviane Maier, as he was called by Martin Parr, create a great interest for his images of high impact showing the reality of the Music Hall El Molino, and the tragic and short life of the character.
With this fake or transient deception Fontcuberta reveals the ease with which the public can be deceived, as well to question the roll of the art market and how it increasingly resembles politics where what is important is the exploitation of personal gain and prestige over artistic value.
After the truth has been revealed we can not deny that the photographs along with the texts that are part of "A chupar del bote" form a great file that reminds the many unknown Ximo Berenguer that brought to light that transitory Spain that even today still keeps on surprising.
Photo courtesy: Fundació Foto Colectania
TweetPresentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Ximo Berenguer. Editorial RM.
Miércoles, 12 de julio de 19:00h en el IVAM. SALA IVAMLAB
El IVAM incorporó a su colección el pasado año 2016 seis fotografías de Ximo Berenguer (Picanya, 1946) de la serie “El Molino” realizadas entre los años 1974 y 1976 en el local de variedades barcelonés. Este trabajo documental ofrece una visión descarnada de los personajes que frecuentaban ese espacio de reunión social, política y cultural.
En la presentación intervendrán:
Mira Bernabeu, artista y director de la Galería Espaivisor de Valencia, comisario de la exposición de Ximo Berenguer realizada en la Galería centrada en la serie “A chupar del bote”.
Fernando Castro, crítico y profesor universitario.
Este libro encumbra la recuperación para la historia de la fotografía española del legado de Ximo Berenguer, autor fallecido prematuramente en 1978 a los 32 años de edad. Valenciano de nacimiento y barcelonés de adopción, Berenguer fue un testigo excepcional del proceso de transición política, que documentó desde las trincheras de la izquierda clandestina, de la cultura marginal y, particularmente, del Movimiento Español de Liberación Homosexual. Su obra, reducida pero intensa, ha sido equiparada a la de Anders Petersen en su Café Lehmitz: un humanismo quebrado entre la ternura y el desgarro.
Para este proyecto Berenguer focalizó su reportaje en El Molino, el popular music hall del Paralelo barcelonés, famoso por la participación del público reclamando diversión y libertad a golpe de coplas, risas y destape. Desde una perspectiva sociológica El Molino reflejó la evolución de la sociedad española, que, liberada del corsé franquista, aspiraba a la normalización democrática.
El texto viene firmado por Manolo de la Mancha, pseudónimo de un escritor o grupo de escritores cuya identidad se desconoce, pero cuyo tono incisivo e irónico parece cercano al estilo de las plumas que nos deleitaron desde las revistas satíricas “Hermano Lobo” o “Por Favor”.
La publicación ha respetado escrupulosamente la maqueta original que Berenguer dejó terminada en 1978 y que finalmente ha podido salir del armario y ver la luz. En una separata encartada, el historiador del arte Horacio Fernández traza la crónica de esta obra póstuma que completa la histórica colección “Palabra e Imagen” con un título que había quedado pendiente.
IVAM. CALLE GUILLEM DE CASTRO 118, 46003 VALENCIA
Presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Ximo Berenguer. Editorial RM.
Miércoles, 12 de julio de 19:00h en el IVAM. SALA IVAMLAB
El IVAM incorporó a su colección el pasado año 2016 seis fotografías de Ximo Berenguer (Picanya, 1946) de la serie “El Molino” realizadas entre los años 1974 y 1976 en el local de variedades barcelonés. Este trabajo documental ofrece una visión descarnada de los personajes que frecuentaban ese espacio de reunión social, política y cultural.
En la presentación intervendrán:
Mira Bernabeu, artista y director de la Galería Espaivisor de Valencia, comisario de la exposición de Ximo Berenguer realizada en la Galería centrada en la serie “A chupar del bote”.
Fernando Castro, crítico y profesor universitario.
Este libro encumbra la recuperación para la historia de la fotografía española del legado de Ximo Berenguer, autor fallecido prematuramente en 1978 a los 32 años de edad. Valenciano de nacimiento y barcelonés de adopción, Berenguer fue un testigo excepcional del proceso de transición política, que documentó desde las trincheras de la izquierda clandestina, de la cultura marginal y, particularmente, del Movimiento Español de Liberación Homosexual. Su obra, reducida pero intensa, ha sido equiparada a la de Anders Petersen en su Café Lehmitz: un humanismo quebrado entre la ternura y el desgarro.
Para este proyecto Berenguer focalizó su reportaje en El Molino, el popular music hall del Paralelo barcelonés, famoso por la participación del público reclamando diversión y libertad a golpe de coplas, risas y destape. Desde una perspectiva sociológica El Molino reflejó la evolución de la sociedad española, que, liberada del corsé franquista, aspiraba a la normalización democrática.
El texto viene firmado por Manolo de la Mancha, pseudónimo de un escritor o grupo de escritores cuya identidad se desconoce, pero cuyo tono incisivo e irónico parece cercano al estilo de las plumas que nos deleitaron desde las revistas satíricas “Hermano Lobo” o “Por Favor”.
La publicación ha respetado escrupulosamente la maqueta original que Berenguer dejó terminada en 1978 y que finalmente ha podido salir del armario y ver la luz. En una separata encartada, el historiador del arte Horacio Fernández traza la crónica de esta obra póstuma que completa la histórica colección “Palabra e Imagen” con un título que había quedado pendiente.
IVAM. CALLE GUILLEM DE CASTRO 118, 46003 VALENCIA
Bleda y Rosa. Geografía del tiempo
08.07.2017 - 19.11.2017
Bleda y Rosa. Geografía del tiempo reúne veinticinco años del trabajo fotográfico de María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) articulándolo en torno a la serie Campos de batalla: un proyecto iniciado en 1994 y finalizado recientemente que se muestra al completo por primera vez. La muestra se abre con Campos de futbol (1992-1995), el primer proyecto que obtuvo reconocimiento público, una serie que, estableciendo una dialéctica entre lugar, tiempo y memoria, anuncia los ejes conceptuales en torno a los que posteriormente girará su trabajo. La exposición se completa con obras pertenecientes a las series Origen (2003-) y Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).
Bleda y Rosa, que recibieron en 2008 el Premio nacional de fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España, son una de las referencias más destacadas de la fotografía española contemporánea. Su trabajo propone, desde una excelente factura formal, una interrogación crítica sobre las imágenes y la historia, sobre la relación entre el pasado y el presente, y sobre los discursos y visiones que atraviesa esa relación.
Más información en Bombas Gens. Centre d ´Art
Bleda y Rosa. Geografía del tiempo
08.07.2017 - 19.11.2017
Bleda y Rosa. Geografía del tiempo reúne veinticinco años del trabajo fotográfico de María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) articulándolo en torno a la serie Campos de batalla: un proyecto iniciado en 1994 y finalizado recientemente que se muestra al completo por primera vez. La muestra se abre con Campos de futbol (1992-1995), el primer proyecto que obtuvo reconocimiento público, una serie que, estableciendo una dialéctica entre lugar, tiempo y memoria, anuncia los ejes conceptuales en torno a los que posteriormente girará su trabajo. La exposición se completa con obras pertenecientes a las series Origen (2003-) y Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).
Bleda y Rosa, que recibieron en 2008 el Premio nacional de fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España, son una de las referencias más destacadas de la fotografía española contemporánea. Su trabajo propone, desde una excelente factura formal, una interrogación crítica sobre las imágenes y la historia, sobre la relación entre el pasado y el presente, y sobre los discursos y visiones que atraviesa esa relación.
Más información en Bombas Gens. Centre d ´Art
Exposición colectiva
MOVIMIENTOS DE TIERRA. ARTE Y NATURALEZA
Desde el 7 de julio hasta el 3 de septiembre.
Las experiencias de los artistas chilenos Cecilia Vicuña, Catalina Correa, Patrick Steeger, Cristián Velasco, José Délano y del británico Hamish Fulton, tras su exploración desde el Altiplano a la Patagonia.
Más información: MNBA Chile
Exposición colectiva
MOVIMIENTOS DE TIERRA. ARTE Y NATURALEZA
Desde el 7 de julio hasta el 3 de septiembre.
Las experiencias de los artistas chilenos Cecilia Vicuña, Catalina Correa, Patrick Steeger, Cristián Velasco, José Délano y del británico Hamish Fulton, tras su exploración desde el Altiplano a la Patagonia.
Más información: MNBA Chile
We are sad to tell you that Françoise Janicot passed away last Sunday, 18th June.
We send all our love to family and friends.
Espaivisor will continue working to spread her magnificent artwork.Nos entristece comunicaros que Françoise Janicot nos dejó el pasado domingo, 18 de junio.
Mandamos todo nuestro cariño a familia y amigos.
Desde espaivisor seguiremos trabajando para difundir su magnífica obra.
We are sad to tell you that Françoise Janicot passed away last Sunday, 18th June.
We send all our love to family and friends.
Espaivisor will continue working to spread her magnificent artwork.Nos entristece comunicaros que Françoise Janicot nos dejó el pasado domingo, 18 de junio.
Mandamos todo nuestro cariño a familia y amigos.
Desde espaivisor seguiremos trabajando para difundir su magnífica obra.
Congratulations to Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio Zevallos and Gabriele Basilico for participating in the art exposition Documenta this 2017 in Atenas and Kassel, Mladen Stilinović may also be mentioned for participating in the Biennale 2017 of art in Venice.
espaivisor team.
Felicidades a Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio Zevallos and Gabriele Basilico por participar en la exposición de arte Documenta este 2017 en Atenas y Kassel, Támbien mencionar a Mladen Stilinović por participar en la Biennale 2017 de arte de Venenecia.
Equipo espaivisor.
Documenta 14th / 2017 Biennale di venezia 57th / 2017 TweetCongratulations to Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio Zevallos and Gabriele Basilico for participating in the art exposition Documenta this 2017 in Atenas and Kassel, Mladen Stilinović may also be mentioned for participating in the Biennale 2017 of art in Venice.
espaivisor team.
Felicidades a Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Sergio Zevallos and Gabriele Basilico por participar en la exposición de arte Documenta este 2017 en Atenas y Kassel, Támbien mencionar a Mladen Stilinović por participar en la Biennale 2017 de arte de Venenecia.
Equipo espaivisor.
Documenta 14th / 2017 Biennale di venezia 57th / 2017 TweetDespués del éxito de la exposición de Ximo Berenguer en nuestra galería, espaivisor se complace en invitarles a la presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Editorial RM y al subsiguiente cóctel para dar la bienvenida a esta naciente publicación. El acto tendrá lugar el próximo jueves 15 de junio a las 13h en el Salón de Juntas del Círculo de Bellas Artes de Madrid, dentro del programa oficial de PhotoEspaña 2017.
Intervendrán el crítico y profesor universitario Fernando Castro, el editor y diseñador Joaquín Gallego, y el artista y director de espaivisor de Valencia, que ha actuado como comisario de la exposición de Ximo Berenguer centrada en la serie “A chupar del bote”.
Este libro encumbra la recuperación para la historia de la fotografía española del legado de Ximo Berenguer, autor fallecido prematuramente en 1978 a los 32 años de edad. Valenciano de nacimiento y barcelonés de adopción, Berenguer fue un testigo excepcional del proceso de transición política, que documentó desde las trincheras de la izquierda clandestina, de la cultura marginal y, particularmente, del Movimiento Español de Liberación Homosexual. Su obra, reducida pero intensa, ha sido equiparada a la de Anders Petersen en su Café Lehmitz: un humanismo quebrado entre la ternura y el desgarro.
Para este proyecto Berenguer focalizó su reportaje en El Molino, el popular music hall del Paralelo barcelonés, famoso por la participación del público reclamando diversión y libertad a golpe de coplas, risas y destape. Desde una perspectiva sociológica El Molino reflejó la evolución de la sociedad española, que, liberada del corsé franquista, aspiraba a la normalización democrática.
El texto viene firmado por Manolo de la Mancha, pseudónimo de un escritor o grupo de escritores cuya identidad se desconoce, pero cuyo tono incisivo e irónico parece cercano al estilo de las plumas que nos deleitaron desde las revistas satíricas “Hermano Lobo” o “Por Favor”.
La publicación ha respetado escrupulosamente la maqueta original que Berenguer dejó terminada en 1978 y que finalmente ha podido salir del armario y ver la luz. En una separata encartada, el historiador del arte Horacio Fernández traza la crónica de esta obra póstuma que completa la histórica colección “Palabra e Imagen” con un título que había quedado pendiente.
Para más información: Galería Fernando Pradilla
Después del éxito de la exposición de Ximo Berenguer en nuestra galería, espaivisor se complace en invitarles a la presentación del libro fotográfico “A chupar del bote” de Editorial RM y al subsiguiente cóctel para dar la bienvenida a esta naciente publicación. El acto tendrá lugar el próximo jueves 15 de junio a las 13h en el Salón de Juntas del Círculo de Bellas Artes de Madrid, dentro del programa oficial de PhotoEspaña 2017.
Intervendrán el crítico y profesor universitario Fernando Castro, el editor y diseñador Joaquín Gallego, y el artista y director de espaivisor de Valencia, que ha actuado como comisario de la exposición de Ximo Berenguer centrada en la serie “A chupar del bote”.
Este libro encumbra la recuperación para la historia de la fotografía española del legado de Ximo Berenguer, autor fallecido prematuramente en 1978 a los 32 años de edad. Valenciano de nacimiento y barcelonés de adopción, Berenguer fue un testigo excepcional del proceso de transición política, que documentó desde las trincheras de la izquierda clandestina, de la cultura marginal y, particularmente, del Movimiento Español de Liberación Homosexual. Su obra, reducida pero intensa, ha sido equiparada a la de Anders Petersen en su Café Lehmitz: un humanismo quebrado entre la ternura y el desgarro.
Para este proyecto Berenguer focalizó su reportaje en El Molino, el popular music hall del Paralelo barcelonés, famoso por la participación del público reclamando diversión y libertad a golpe de coplas, risas y destape. Desde una perspectiva sociológica El Molino reflejó la evolución de la sociedad española, que, liberada del corsé franquista, aspiraba a la normalización democrática.
El texto viene firmado por Manolo de la Mancha, pseudónimo de un escritor o grupo de escritores cuya identidad se desconoce, pero cuyo tono incisivo e irónico parece cercano al estilo de las plumas que nos deleitaron desde las revistas satíricas “Hermano Lobo” o “Por Favor”.
La publicación ha respetado escrupulosamente la maqueta original que Berenguer dejó terminada en 1978 y que finalmente ha podido salir del armario y ver la luz. En una separata encartada, el historiador del arte Horacio Fernández traza la crónica de esta obra póstuma que completa la histórica colección “Palabra e Imagen” con un título que había quedado pendiente.
Para más información: Galería Fernando Pradilla
BRACO DIMITRIJEVIC - A RETROSPECTIVE
Museum of Contemporary Art, Zagreb
27/04/2017 - 21/06/2017
Braco Dimitrijević – A Retrospective presents all the most important phases of the works of this pioneer of conceptual art, who has built an outstanding international career from the end of 1960s to date. The work of Braco Dimitrijević and his 1976 invention of the term Post History were an important influence on two major tendencies in the contemporary art discourse, from critical practices in public space to interventions in museum collections. The constant preoccupations oh his work - the relativity of history in general and of the history of the art in particular, as well as the phenomenon of chance - are represented in this exhibition with both his early works and new works created especially for this occasion.
Further information: www.msu.hr
BRACO DIMITRIJEVIC - A RETROSPECTIVE
Museum of Contemporary Art, Zagreb
27/04/2017 - 21/06/2017
Braco Dimitrijević – A Retrospective presents all the most important phases of the works of this pioneer of conceptual art, who has built an outstanding international career from the end of 1960s to date. The work of Braco Dimitrijević and his 1976 invention of the term Post History were an important influence on two major tendencies in the contemporary art discourse, from critical practices in public space to interventions in museum collections. The constant preoccupations oh his work - the relativity of history in general and of the history of the art in particular, as well as the phenomenon of chance - are represented in this exhibition with both his early works and new works created especially for this occasion.
Further information: www.msu.hr
JÜRGEN KLAUKE
SELBSTGESPRÄCHE. ZEICHNUNGEN 1970 –2016
26/03/2107 - 16/07/2017
Further information: Max Ernst Museum
Comesstraße 42 / Max-Ernst-Allee 1 50321 Brühl (Rheinland)JÜRGEN KLAUKE
SELBSTGESPRÄCHE. ZEICHNUNGEN 1970 –2016
26/03/2107 - 16/07/2017
Further information: Max Ernst Museum
Comesstraße 42 / Max-Ernst-Allee 1 50321 Brühl (Rheinland)As the 14th edition of Documenta docks in Athens, an arrangement that seems designed to highlight two poles of the continent’s economic, social and political destiny, ArtReview has been wondering how art contributes to our understanding of and engagement with these kinds of ‘real’ issues. After all, the representation of a problem is always one step removed from the problem itself. So how does art become more than simply an intellectual narcotic that does nothing other than ease consciences in the face of global suffering? This issue is in part dedicated to investigations into how art interacts with real rather than imagined life.
Inside
Nil Yalter – Mark Rappolt looks into how the Turkish-French artist has used formal experimentation in a lifetime’s work to highlight a range of issues surrounding immigration, feminism and social inequality in general
As the 14th edition of Documenta docks in Athens, an arrangement that seems designed to highlight two poles of the continent’s economic, social and political destiny, ArtReview has been wondering how art contributes to our understanding of and engagement with these kinds of ‘real’ issues. After all, the representation of a problem is always one step removed from the problem itself. So how does art become more than simply an intellectual narcotic that does nothing other than ease consciences in the face of global suffering? This issue is in part dedicated to investigations into how art interacts with real rather than imagined life.
Inside
Nil Yalter – Mark Rappolt looks into how the Turkish-French artist has used formal experimentation in a lifetime’s work to highlight a range of issues surrounding immigration, feminism and social inequality in general
OSWALDO MACIÁ
ECUACIONES (ESCULTURAS ACÚSTICO OLFATIVAS)
CAAM, SALA SAN ANTONIO ABAD. LAS PALMAS DE GRAN CANARIA
Inauguración: Jueves 9 de febrero a las 20,30 horas.
Encuentro y diálogo con el artista: Viernes 1o de febrero a las 19 horas.
Intervienen: Oswaldo Maciá. Artista y Orlando Britto Jinorio. Director del CAAM
CAAM- San Antonio Abad Plaza San Antonio Abad s/n. Las Palmas de Gran Canaria. www.caam.netOSWALDO MACIÁ
ECUACIONES (ESCULTURAS ACÚSTICO OLFATIVAS)
CAAM, SALA SAN ANTONIO ABAD. LAS PALMAS DE GRAN CANARIA
Inauguración: Jueves 9 de febrero a las 20,30 horas.
Encuentro y diálogo con el artista: Viernes 1o de febrero a las 19 horas.
Intervienen: Oswaldo Maciá. Artista y Orlando Britto Jinorio. Director del CAAM
CAAM- San Antonio Abad Plaza San Antonio Abad s/n. Las Palmas de Gran Canaria. www.caam.netWalking on and off the Path – Hamish Fulton
9 de abril - 23 de julio
Hamish Fulton es el artista invitado a abrir el nuevo equipamiento de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, con una muestra de obras inéditas, producidas tras una caminata por la parte occidental de Picos de Europa, en octubre del 2016.
Hamish Fulton es un artista caminante. Nació en Gran Bretaña en 1946 y se ha convertido en uno de los referentes más importantes del arte contemporáneo. Escindiéndose del denominado Land Art, Fulton ha investigado, durante los últimos 50 años y en cientos de caminatas tanto en solitario como grupales, sobre el caminar como práctica artística. Él observa el paisaje, no lo modifica, no deja huella.
Caminar es un acto contra la alienación. Como él mismo apunta: Caminar, sin recurrir a ningún otro medio de locomoción que nuestros propios pies, sin sucedáneos, nos permite experimentar la vida: «relajación, ejercicio, meditación, salud, oxigenar el cerebro, transporte, deporte, marchas de protesta pacíficas, arte y mucho más».
Desde el año 2009, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia se plantea el caminar como un movimiento del pensar. Comparte la idea de ser invisibles, en mayor o menor medida, en un mundo complejo, al tiempo que reivindica toda declaración de intenciones como un compromiso con la acción, más allá de la teoría. FCAYC ha atendido a las reglas que definen el lugar en el que se inserta su acción y para ello ha tenido que caminar en él, percibir las distancias bajo sus pies, entre sus vecindarios, adoptar su vocabulario, comprender la proximidad entre su vertiente salvaje y la intervenida por el hombre. Todo ello ha modelado su filosofía.
Por ello, FCAYC reivindica caminar como política y acude a Hamish Fulton, un referente en la puesta en práctica de esta metodología. El sentido de esta colaboración es afrontar la relación con el contexto como un proceso en curso antes que como una colección de objetos de mayor o menor reflejo artístico.
Para llevar a cabo este proyecto, Fulton ha realizado una caminata circular en solitario durante 14 días, por la zona occidental de Picos de Europa, el contexto en el que se circunscribe la Fundación. En octubre del 2016 y partiendo de Soto de Sajambre, Fulton daba continuidad a otras siete caminatas interconectadas por la Península Ibérica, que ya realizara en las últimas décadas.
Walking on and off the Path (en español: Caminar y apartarse del camino) es el título de una exposición producida por FCAYC y fruto de esas jornadas caminando por la montaña leonesa.
Dos caminatas grupales con el artista y una publicación sobre el caminar, con textos de investigadores de diferentes disciplinas, serán también parte de la propuesta de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia.
Comisariado: Hamish Fulton
Producción y coordinación: FCAYC Agradecimientos: espaivisor Hashtag: #FultonFCAYC Nota de prensa y más información en: Fundación Cerezales Antonino y CiniaWalking on and off the Path – Hamish Fulton
9 de abril - 23 de julio
Hamish Fulton es el artista invitado a abrir el nuevo equipamiento de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, con una muestra de obras inéditas, producidas tras una caminata por la parte occidental de Picos de Europa, en octubre del 2016.
Hamish Fulton es un artista caminante. Nació en Gran Bretaña en 1946 y se ha convertido en uno de los referentes más importantes del arte contemporáneo. Escindiéndose del denominado Land Art, Fulton ha investigado, durante los últimos 50 años y en cientos de caminatas tanto en solitario como grupales, sobre el caminar como práctica artística. Él observa el paisaje, no lo modifica, no deja huella.
Caminar es un acto contra la alienación. Como él mismo apunta: Caminar, sin recurrir a ningún otro medio de locomoción que nuestros propios pies, sin sucedáneos, nos permite experimentar la vida: «relajación, ejercicio, meditación, salud, oxigenar el cerebro, transporte, deporte, marchas de protesta pacíficas, arte y mucho más».
Desde el año 2009, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia se plantea el caminar como un movimiento del pensar. Comparte la idea de ser invisibles, en mayor o menor medida, en un mundo complejo, al tiempo que reivindica toda declaración de intenciones como un compromiso con la acción, más allá de la teoría. FCAYC ha atendido a las reglas que definen el lugar en el que se inserta su acción y para ello ha tenido que caminar en él, percibir las distancias bajo sus pies, entre sus vecindarios, adoptar su vocabulario, comprender la proximidad entre su vertiente salvaje y la intervenida por el hombre. Todo ello ha modelado su filosofía.
Por ello, FCAYC reivindica caminar como política y acude a Hamish Fulton, un referente en la puesta en práctica de esta metodología. El sentido de esta colaboración es afrontar la relación con el contexto como un proceso en curso antes que como una colección de objetos de mayor o menor reflejo artístico.
Para llevar a cabo este proyecto, Fulton ha realizado una caminata circular en solitario durante 14 días, por la zona occidental de Picos de Europa, el contexto en el que se circunscribe la Fundación. En octubre del 2016 y partiendo de Soto de Sajambre, Fulton daba continuidad a otras siete caminatas interconectadas por la Península Ibérica, que ya realizara en las últimas décadas.
Walking on and off the Path (en español: Caminar y apartarse del camino) es el título de una exposición producida por FCAYC y fruto de esas jornadas caminando por la montaña leonesa.
Dos caminatas grupales con el artista y una publicación sobre el caminar, con textos de investigadores de diferentes disciplinas, serán también parte de la propuesta de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia.
Comisariado: Hamish Fulton
Producción y coordinación: FCAYC Agradecimientos: espaivisor Hashtag: #FultonFCAYC Nota de prensa y más información en: Fundación Cerezales Antonino y CiniaBORRADOR PARA UNA EXPOSICIÓN SIN TÍTULO
(CAP. II)
CABELLO/CARCELLER
INAUGURACIÓN 19 ENE 2017 19:00 H. 20 ENE — 7 MAY 2017
COMISARIO MANUEL SEGADE
Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.
Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición es la primera revisión retrospectiva de su trayectoria, que permite situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.
Texto y más información: Centro de Arte Dos de Mayo. Comunidad de Madrid
BORRADOR PARA UNA EXPOSICIÓN SIN TÍTULO
(CAP. II)
CABELLO/CARCELLER
INAUGURACIÓN 19 ENE 2017 19:00 H. 20 ENE — 7 MAY 2017
COMISARIO MANUEL SEGADE
Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.
Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición es la primera revisión retrospectiva de su trayectoria, que permite situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.
Texto y más información: Centro de Arte Dos de Mayo. Comunidad de Madrid
The first episode in this series includes works by Halil Altındere, Heimrad Bäcker, Mária Bartuszová, Geta Brătescu, Dimitrije Bašičević Mangelos, Stano Filko, Oliver Frljić, Ivan Ladislav Galeta, Marcus Geiger, Nina Gojić, Tomislav Gotovac, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Běla Kolářová, Július Koller, Ivan Kožarić, Edward Krasiński, Friedl Kubelka, KwieKulik, Katalin Ladik, Dezső Magyar, Karel Malich, Vlado Martek, Dalibor Martinis, Dora Maurer, Jan Mlčoch, Paul Neagu, Roman Ondák, Goran Petercol, Hans Scheirl, Mladen Stilinović, Petr Štembera, Slaven Tolj, Goran Trbuljak and Wu Tsang.
Curated by What, How & for Whom/WHW in collaboration with Kathrin Rhomberg
My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) takes its title from a work by Mladen Stilinović (1947–2016), to whom the overall project is dedicated. Stilinović's lifelong anti-systemic approach, his quiet but shrewd rebellion against social and artistic conventions, and his artistic practice—which trenchantly and humorously engages with complex themes of ideology, work, money, pain, and poverty—inspired a generation of artists worldwide.
The project takes as its point of departure works from the Kontakt Art Collection, which is based in Vienna and was founded in 2004. Today, the collection includes seminal works by a number of the most prominent artists from Central, Eastern, and Southeast Europe, works created since the 1960s and selected over the years by the members of its advisory committee, which includes Silvia Eiblmayr, Georg Schöllhammer, Jiří Ševčík, Branka Stipančić and Adam Szymczyk. As such, it is a crucial source for research pertaining to the art history of the region, but also a suitable starting point from which to critically approach the very notion of Eastern European Art as a shorthand for the geopolitical paradigm and ideological framework in which it is situated, as well as to examine the mechanisms by which local material is filtered up to international prominence within new circuits of communication, distribution, and exchange in an art world that, since the fall of the Berlin Wall, has become internationalized according to models not unlike those of corporate internationalism.
The exhibition series My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) will stage an interplay of works from the Kontakt Art Collection with other historical, contemporary, and newly produced pieces that interpret and critically examine the collection. The project will interlace geographically and poetically heterogeneous artistic practices in order to challenge the collection as a finalized and ordered body of knowledge that strives to dislocate the Western modernist canon, only to find itself enmeshed in the formation of a “contemporary global canon.”
My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) will unfold over several months in Zagreb (November 2016 – May 2017) as six episodes that influence, contradict, and reinforce each other. Each of these will take place at a number of smaller art spaces, artists’ studios, private apartments, and other locations related to artistic production and the city of Zagreb’s broader cultural landscape. The project revisits the endeavors of artists like Geta Brătescu, Stano Filko, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Július Koller, Ewa Partum and Zofia Kulik to create art that subverted the impact of social norms and various degrees of state control, doing so in a survey that attempts to undermine fixed presentations and interpretations of their work that have dominated the international art circuits during the past few decades with more disorderly and experimental arrangements rooted in the cultural and artistic context of Zagreb.
In times of drastic funding cuts to the cultural sector and its increasing dependency on private money accumulated as a result of financial speculation that has wreaked havoc on social structures, dedicating the project to Mladen Stilinović also means relying on one of his typically astute observations: “All the money is dirty, all the money is ours,”—although there is something less than truthful about claiming to use it as knowingly as Mladen did. Even so, presenting the collection in a number of smaller institutional public, semi-public, and private spaces in Zagreb also represents a chance to create some leeway for wider dissemination of the emancipative content represented by artists’ historical achievements. Most of all, however, it is a chance to open up a playing field in which different criteria underlying the formulation of values, as well as different genealogies, might emerge via the paradoxical endeavor of simultaneously supplying imaginary solutions and revealing said solutions’ impossibility in the current predicament of art and life.
Text courtesy of What, How and For Whom
Image: Mladen Stilinović, My Sweet Little Lamb, 1993; Courtesy: Branka Stipančić
The first episode in this series includes works by Halil Altındere, Heimrad Bäcker, Mária Bartuszová, Geta Brătescu, Dimitrije Bašičević Mangelos, Stano Filko, Oliver Frljić, Ivan Ladislav Galeta, Marcus Geiger, Nina Gojić, Tomislav Gotovac, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Běla Kolářová, Július Koller, Ivan Kožarić, Edward Krasiński, Friedl Kubelka, KwieKulik, Katalin Ladik, Dezső Magyar, Karel Malich, Vlado Martek, Dalibor Martinis, Dora Maurer, Jan Mlčoch, Paul Neagu, Roman Ondák, Goran Petercol, Hans Scheirl, Mladen Stilinović, Petr Štembera, Slaven Tolj, Goran Trbuljak and Wu Tsang.
Curated by What, How & for Whom/WHW in collaboration with Kathrin Rhomberg
My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) takes its title from a work by Mladen Stilinović (1947–2016), to whom the overall project is dedicated. Stilinović's lifelong anti-systemic approach, his quiet but shrewd rebellion against social and artistic conventions, and his artistic practice—which trenchantly and humorously engages with complex themes of ideology, work, money, pain, and poverty—inspired a generation of artists worldwide.
The project takes as its point of departure works from the Kontakt Art Collection, which is based in Vienna and was founded in 2004. Today, the collection includes seminal works by a number of the most prominent artists from Central, Eastern, and Southeast Europe, works created since the 1960s and selected over the years by the members of its advisory committee, which includes Silvia Eiblmayr, Georg Schöllhammer, Jiří Ševčík, Branka Stipančić and Adam Szymczyk. As such, it is a crucial source for research pertaining to the art history of the region, but also a suitable starting point from which to critically approach the very notion of Eastern European Art as a shorthand for the geopolitical paradigm and ideological framework in which it is situated, as well as to examine the mechanisms by which local material is filtered up to international prominence within new circuits of communication, distribution, and exchange in an art world that, since the fall of the Berlin Wall, has become internationalized according to models not unlike those of corporate internationalism.
The exhibition series My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) will stage an interplay of works from the Kontakt Art Collection with other historical, contemporary, and newly produced pieces that interpret and critically examine the collection. The project will interlace geographically and poetically heterogeneous artistic practices in order to challenge the collection as a finalized and ordered body of knowledge that strives to dislocate the Western modernist canon, only to find itself enmeshed in the formation of a “contemporary global canon.”
My Sweet Little Lamb (Everything we see could also be otherwise) will unfold over several months in Zagreb (November 2016 – May 2017) as six episodes that influence, contradict, and reinforce each other. Each of these will take place at a number of smaller art spaces, artists’ studios, private apartments, and other locations related to artistic production and the city of Zagreb’s broader cultural landscape. The project revisits the endeavors of artists like Geta Brătescu, Stano Filko, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Július Koller, Ewa Partum and Zofia Kulik to create art that subverted the impact of social norms and various degrees of state control, doing so in a survey that attempts to undermine fixed presentations and interpretations of their work that have dominated the international art circuits during the past few decades with more disorderly and experimental arrangements rooted in the cultural and artistic context of Zagreb.
In times of drastic funding cuts to the cultural sector and its increasing dependency on private money accumulated as a result of financial speculation that has wreaked havoc on social structures, dedicating the project to Mladen Stilinović also means relying on one of his typically astute observations: “All the money is dirty, all the money is ours,”—although there is something less than truthful about claiming to use it as knowingly as Mladen did. Even so, presenting the collection in a number of smaller institutional public, semi-public, and private spaces in Zagreb also represents a chance to create some leeway for wider dissemination of the emancipative content represented by artists’ historical achievements. Most of all, however, it is a chance to open up a playing field in which different criteria underlying the formulation of values, as well as different genealogies, might emerge via the paradoxical endeavor of simultaneously supplying imaginary solutions and revealing said solutions’ impossibility in the current predicament of art and life.
Text courtesy of What, How and For Whom
Image: Mladen Stilinović, My Sweet Little Lamb, 1993; Courtesy: Branka Stipančić
Imagen: XIMO BERENGUER, Picanya 1946 † Canet de Mar 1978 EL MOLINO #31, 1974 - 1976 CORO DE BAILARINAS EN APOTEOSIS FINAL Fotografía a las sales de plata. Copia vintage 40 x 40 cm enmarcada
Imagen: XIMO BERENGUER, Picanya 1946 † Canet de Mar 1978 EL MOLINO #31, 1974 - 1976 CORO DE BAILARINAS EN APOTEOSIS FINAL Fotografía a las sales de plata. Copia vintage 40 x 40 cm enmarcada
Espaivisor se llena de color gracias a la intervención del artista Cabaio en las persianas de la galería.
Muchas gracias a Santiago (Cabaio) por su gran trabajo y la dedicación.
¡Arte dentro y fuera de la galería!
Espaivisor se llena de color gracias a la intervención del artista Cabaio en las persianas de la galería.
Muchas gracias a Santiago (Cabaio) por su gran trabajo y la dedicación.
¡Arte dentro y fuera de la galería!
Art in Europe: 1945 – 1968, The Continent that the EU does not know.
ZKM Karlsruhe
21 October 2016 – 29 January 2017
Together with the A. S. Puschkin-Museum, the ROSIZO in Moscow and the BOZAR in Brussels, the ZKM is organising the large-scale exhibition project entitled »Art in Europe 1945-1968: Facing the Future« – curated by Eckhart Gillen and Peter Weibel. The exhibition focuses on the connecting cultural forces on the Eurasian continent and takes into account a central cultural region, which has been repeatedly shattered and disrupted by wars and crises in the 20th century. The period of 1945 to 1968, which is highlighted in the exhibition, stands in many ways for artistic and political perspectives, which were forward-looking in contradictory ways. After the end of the Second World War in 1945, the political and cultural boundaries hardened increasingly, until a decisive turning point for shaping the future in European post-war history in the East and West was marked ultimately in 1968 through the Anti-American student revolts and the new Ostpolitik introduced by Willy Brandt.
For the first time since 1945, the concept of retrospectively tracing the history of art in the whole of Europe can now be realised. To date, the attention of historiography was largely focussed on abstract expressionism as a symbolisation of the free West, while the socialist realism embodied the conservatism of the Communist East. But today, we know that this dominant model of art history was a product of the Cold War. For this reason, the exhibition attempts to reinterpret the development of art in Europe from a pan-European perspective and accounts for a specific renaissance of European art and culture in the period of 1945 to 1968. Whilst the exhibition project brings together the neo avant-garde from the East and West, it becomes evident that many new art forms (produced after the war) – from media art to conceptual art, from performance art to sound art – originated in Europe or were formulated simultaneously in Western Europe, the USA, Russia and Eastern Europe in parallel developments.
With the collaborative efforts of three internationally-renowned museums, the exhibition unites approx. 500 loans from over 200 artists into a panorama of pan-European art development on both sides of the historic Iron Curtain.
At the ZKM, which is focussing on the experimental artistic developments of the 1950s and 1960s in one of its programme lines, the exhibition is experiencing independent prioritisation and expansion. Representatives of Western neo avant-garde – like the ZERO group – are now appearing at the ZKM for the first time in the context of new Eastern European and Russian trends that have developed in parallel – such as the Nove Tendencije and the Dvizhenie group.
A new narrative about Europe is developing with the exhibition and the catalogue accompanying it. The separation of Europe as a result of the Yalta Conference in 1945 and the resulting Cold War gravely impacted on both Eastern Europe and Western Europe. The fact that Western Europe accepted this separation until the fall of the Berlin Wall in 1989 amounts to auto-amputation. The exhibition aims to retrospectively bring closer together what grew apart and became distanced during the time of divided Europe and thus further suture the gaping cultural wound that still exists between Eastern and Western Europe. The image of this »suture« itself can be documented multiple times in the artistic manifestations from the time between 1945 and 1968.
This reunification of Eastern and Western Europe, as put into place by the exhibition in the name of art, not only closes a gap within art history. It should also be taken as an active pleading for Europe – to face the future. The exhibition contrasts the current economic and political accounts, which are propelling Europe towards the right and back into the former nationalism, with a committed, alternative narrative. It is the task of art to show alternatives and facilitate change.
Artists: Tomislav Gotovac, Braco Dimitrijević, Tamás Szentjóby, Endre Tót,...
Further information: ZKM Karlsruhe.
Art in Europe: 1945 – 1968, The Continent that the EU does not know.
ZKM Karlsruhe
21 October 2016 – 29 January 2017
Together with the A. S. Puschkin-Museum, the ROSIZO in Moscow and the BOZAR in Brussels, the ZKM is organising the large-scale exhibition project entitled »Art in Europe 1945-1968: Facing the Future« – curated by Eckhart Gillen and Peter Weibel. The exhibition focuses on the connecting cultural forces on the Eurasian continent and takes into account a central cultural region, which has been repeatedly shattered and disrupted by wars and crises in the 20th century. The period of 1945 to 1968, which is highlighted in the exhibition, stands in many ways for artistic and political perspectives, which were forward-looking in contradictory ways. After the end of the Second World War in 1945, the political and cultural boundaries hardened increasingly, until a decisive turning point for shaping the future in European post-war history in the East and West was marked ultimately in 1968 through the Anti-American student revolts and the new Ostpolitik introduced by Willy Brandt.
For the first time since 1945, the concept of retrospectively tracing the history of art in the whole of Europe can now be realised. To date, the attention of historiography was largely focussed on abstract expressionism as a symbolisation of the free West, while the socialist realism embodied the conservatism of the Communist East. But today, we know that this dominant model of art history was a product of the Cold War. For this reason, the exhibition attempts to reinterpret the development of art in Europe from a pan-European perspective and accounts for a specific renaissance of European art and culture in the period of 1945 to 1968. Whilst the exhibition project brings together the neo avant-garde from the East and West, it becomes evident that many new art forms (produced after the war) – from media art to conceptual art, from performance art to sound art – originated in Europe or were formulated simultaneously in Western Europe, the USA, Russia and Eastern Europe in parallel developments.
With the collaborative efforts of three internationally-renowned museums, the exhibition unites approx. 500 loans from over 200 artists into a panorama of pan-European art development on both sides of the historic Iron Curtain.
At the ZKM, which is focussing on the experimental artistic developments of the 1950s and 1960s in one of its programme lines, the exhibition is experiencing independent prioritisation and expansion. Representatives of Western neo avant-garde – like the ZERO group – are now appearing at the ZKM for the first time in the context of new Eastern European and Russian trends that have developed in parallel – such as the Nove Tendencije and the Dvizhenie group.
A new narrative about Europe is developing with the exhibition and the catalogue accompanying it. The separation of Europe as a result of the Yalta Conference in 1945 and the resulting Cold War gravely impacted on both Eastern Europe and Western Europe. The fact that Western Europe accepted this separation until the fall of the Berlin Wall in 1989 amounts to auto-amputation. The exhibition aims to retrospectively bring closer together what grew apart and became distanced during the time of divided Europe and thus further suture the gaping cultural wound that still exists between Eastern and Western Europe. The image of this »suture« itself can be documented multiple times in the artistic manifestations from the time between 1945 and 1968.
This reunification of Eastern and Western Europe, as put into place by the exhibition in the name of art, not only closes a gap within art history. It should also be taken as an active pleading for Europe – to face the future. The exhibition contrasts the current economic and political accounts, which are propelling Europe towards the right and back into the former nationalism, with a committed, alternative narrative. It is the task of art to show alternatives and facilitate change.
Artists: Tomislav Gotovac, Braco Dimitrijević, Tamás Szentjóby, Endre Tót,...
Further information: ZKM Karlsruhe.
Patricia Gómez y Mª Jesús González.
À TOUS LES CLANDESTINS
Museo de Teruel.
Plaza Anselmo Polanco, 3. Teruel
17 de noviembre de 2016 - 15 de enero de 2017
Inauguración: 17 de noviembre a las 20:00 horas
El Museo de Teruel presenta en esta exposición el proyecto premiado con una de las Becas Endesa de Artes Plásticas que otorgaron la Fundación Endesa y la Diputación de Teruel en su XIII Convocatoria (2013-2015) al colectivo formado por M.ª Jesús González y Patricia Gómez. Cuatro de las obras realizadas para la exposición pasarán a formar parte de las colecciones estables de la Sección de Arte Contemporáneo del Museo de Teruel y del fondo artístico de la Fundación Endesa.
El proyecto parte de una línea de investigación iniciada en 2002 por Patricia y Mª Jesús sobre la recuperación de diferentes lugares marcados por el paso del tiempo y el abandono, centrados en la documentación y captura de los rastros y huellas impresos sobre los muros de lugares de reclusión y privación de libertad: "A partir de los diferentes proyectos llevados a cabo en los últimos años hemos podido comprobar cómo los muros de estos lugares, cargados de huellas y mensajes escritos, han funcionado como los soportes de pensamiento de los que por allí pasaron, hasta que una vez desocupados, se han convertido en los únicos testigos de una realidad, muchas veces invisible y alejada de la cotidianidad de nuestras sociedades libres contemporáneas."
En este proyecto se aborda el fenómeno contemporáneo de las migraciones, enfocándose en la ruta que parte desde las costas occidentales africanas a Canarias, una de más significativas e intensas durante los últimos años, y que en la actualidad se encuentra prácticamente desactivada, pero cuyas huellas es posible rastrear a través de los testimonios escritos que muchas personas migrantes dejaron sobre las paredes de los lugares donde permanecieron retenidas. Su punto de partida es una serie de artículos periodísticos e informes de organizaciones humanitarias publicados entre 2004-2010 que hablaban de la multitud de mensajes y dibujos dejados sobre los muros de algunos centros de internamiento, como “El Matorral” en Fuerteventura y el de Nouadhibou (Mauritania), y que hacían alusión, sobretodo, a la experiencia del viaje, sus motivaciones y anhelos.
Estos dos centros en concreto, que se corresponden con los principales puntos de salida y de llegada de la ruta, fueron habilitados, junto a muchos otros, en 2006 durante la llamada “crisis de los cayucos” debido al creciente flujo migratorio que desde las costas mauritanas llegaba a Canarias, pero en la actualidad, se encuentran cerrados y vacíos, aunque se mantienen custodiados.
El objetivo del proyecto ha consistido en rescatar y documentar, por medio de la estampación mural, la fotografía y el vídeo, las huellas escritas que los hombres y mujeres en tránsito fueron dejando a su paso, y ser así un homenaje a su memoria.
Texto y más información en : Museo de Teruel.
Patricia Gómez y Mª Jesús González.
À TOUS LES CLANDESTINS
Museo de Teruel.
Plaza Anselmo Polanco, 3. Teruel
17 de noviembre de 2016 - 15 de enero de 2017
Inauguración: 17 de noviembre a las 20:00 horas
El Museo de Teruel presenta en esta exposición el proyecto premiado con una de las Becas Endesa de Artes Plásticas que otorgaron la Fundación Endesa y la Diputación de Teruel en su XIII Convocatoria (2013-2015) al colectivo formado por M.ª Jesús González y Patricia Gómez. Cuatro de las obras realizadas para la exposición pasarán a formar parte de las colecciones estables de la Sección de Arte Contemporáneo del Museo de Teruel y del fondo artístico de la Fundación Endesa.
El proyecto parte de una línea de investigación iniciada en 2002 por Patricia y Mª Jesús sobre la recuperación de diferentes lugares marcados por el paso del tiempo y el abandono, centrados en la documentación y captura de los rastros y huellas impresos sobre los muros de lugares de reclusión y privación de libertad: "A partir de los diferentes proyectos llevados a cabo en los últimos años hemos podido comprobar cómo los muros de estos lugares, cargados de huellas y mensajes escritos, han funcionado como los soportes de pensamiento de los que por allí pasaron, hasta que una vez desocupados, se han convertido en los únicos testigos de una realidad, muchas veces invisible y alejada de la cotidianidad de nuestras sociedades libres contemporáneas."
En este proyecto se aborda el fenómeno contemporáneo de las migraciones, enfocándose en la ruta que parte desde las costas occidentales africanas a Canarias, una de más significativas e intensas durante los últimos años, y que en la actualidad se encuentra prácticamente desactivada, pero cuyas huellas es posible rastrear a través de los testimonios escritos que muchas personas migrantes dejaron sobre las paredes de los lugares donde permanecieron retenidas. Su punto de partida es una serie de artículos periodísticos e informes de organizaciones humanitarias publicados entre 2004-2010 que hablaban de la multitud de mensajes y dibujos dejados sobre los muros de algunos centros de internamiento, como “El Matorral” en Fuerteventura y el de Nouadhibou (Mauritania), y que hacían alusión, sobretodo, a la experiencia del viaje, sus motivaciones y anhelos.
Estos dos centros en concreto, que se corresponden con los principales puntos de salida y de llegada de la ruta, fueron habilitados, junto a muchos otros, en 2006 durante la llamada “crisis de los cayucos” debido al creciente flujo migratorio que desde las costas mauritanas llegaba a Canarias, pero en la actualidad, se encuentran cerrados y vacíos, aunque se mantienen custodiados.
El objetivo del proyecto ha consistido en rescatar y documentar, por medio de la estampación mural, la fotografía y el vídeo, las huellas escritas que los hombres y mujeres en tránsito fueron dejando a su paso, y ser así un homenaje a su memoria.
Texto y más información en : Museo de Teruel.
PAREIDOLIA. JOAN FONTCUBERTA
Comisario: Mira Bernabeu.
Museo de Arte del Banco de la República.
Del 10 de noviembre de 2016 al 27 de febrero de 2017
Pareidolia es una exposición antológica del artista catalán Joan Fontcuberta (1955) en la que por medio de cinco series emblemáticas de su trabajo: Herbarium, Fauna, Constelaciones, Sputnik y Milagros & Co., se propone una reflexión sobre la naturaleza de la obra del artista y sus estrategias de construcción del engaño y de manipulación de nuestra credulidad ante las imágenes.
Al referirse en su título a la pareidolia -esa tendencia a asociar imágenes o sonidos ante el estímulo producido por un fenómeno o una presencia anónima, real y cotidiana como, por ejemplo, encontrar las formas conocidas de un rostro o la silueta de un animal en las nubes o en la cima de una montaña- la curaduría propone una reflexión crítica sobre los mecanismos de la verdad, ya sea a partir de la subversión del valor informativo de la imagen fotográfica o de la deconstrucción de los discursos de poder, científicos, históricos, culturales o artísticos.
La obra de Joan Fontcuberta conforma un reactivo a la anestesia visual de nuestra época. Pedagogo de la visión, el artista presenta en esta ocasión un cuerpo de obra coherente, revelador de nuestras pequeñas patologías visuales, que a semejanza de la pareidolia, alteran insidiosamente nuestra percepción cotidiana del mundo.
Más información: Museo de Arte del Banco de la República.
PAREIDOLIA. JOAN FONTCUBERTA
Comisario: Mira Bernabeu.
Museo de Arte del Banco de la República.
Del 10 de noviembre de 2016 al 27 de febrero de 2017
Pareidolia es una exposición antológica del artista catalán Joan Fontcuberta (1955) en la que por medio de cinco series emblemáticas de su trabajo: Herbarium, Fauna, Constelaciones, Sputnik y Milagros & Co., se propone una reflexión sobre la naturaleza de la obra del artista y sus estrategias de construcción del engaño y de manipulación de nuestra credulidad ante las imágenes.
Al referirse en su título a la pareidolia -esa tendencia a asociar imágenes o sonidos ante el estímulo producido por un fenómeno o una presencia anónima, real y cotidiana como, por ejemplo, encontrar las formas conocidas de un rostro o la silueta de un animal en las nubes o en la cima de una montaña- la curaduría propone una reflexión crítica sobre los mecanismos de la verdad, ya sea a partir de la subversión del valor informativo de la imagen fotográfica o de la deconstrucción de los discursos de poder, científicos, históricos, culturales o artísticos.
La obra de Joan Fontcuberta conforma un reactivo a la anestesia visual de nuestra época. Pedagogo de la visión, el artista presenta en esta ocasión un cuerpo de obra coherente, revelador de nuestras pequeñas patologías visuales, que a semejanza de la pareidolia, alteran insidiosamente nuestra percepción cotidiana del mundo.
Más información: Museo de Arte del Banco de la República.
LOTHAR BAUMGARTEN
EL BARCO SE HUNDE, EL HIELO SE RESQUEBRAJA
THE SHIP IS GOING UNDER, THE ICE IS BREAKING TROUGH
3 noviembre, 2016 - 16 abril, 2017
Palacio de Cristal, Parque del Retiro. Madrid.
El barco se hunde, el hielo se resquebraja (The ship is going under, the ice is breaking through), la pieza sonora de dos horas que ha concebido de forma específica para el Palacio de Cristal del Parque del Retiro sería la última escala de este proceso. Baumgarten, que durante cuatro décadas ha trabajado con paisajes sonoros, se centra en la fragilidad de la estructura de cristal abovedada de este edificio del siglo XIX para crear una escultura sonora a partir de una serie de grabaciones en audio, realizadas entre 2001 y 2005, del deshielo de las orillas del río Hudson en el norte del Estado de Nueva York. Gracias a un meticuloso trabajo de edición y montaje espacial y secuencial, logra generar la ilusión de que lo que se está resquebrajando es la propia bóveda del Palacio de Cristal. Un edificio que -y esto es algo que a este artista, cuyos proyectos siempre tienen muy en cuenta las arquitecturas y casuísticas concretas de los lugares en los que se desarrollan, le interesa resaltar- está estrechamente vinculado con la historia colonial: fue construido en 1887 con motivo de la Exposición General de las Islas Filipinas, una de las últimas colonias españolas de "ultramar".
Texto y más información en : Museo Reina SofíaLOTHAR BAUMGARTEN
EL BARCO SE HUNDE, EL HIELO SE RESQUEBRAJA
THE SHIP IS GOING UNDER, THE ICE IS BREAKING TROUGH
3 noviembre, 2016 - 16 abril, 2017
Palacio de Cristal, Parque del Retiro. Madrid.
El barco se hunde, el hielo se resquebraja (The ship is going under, the ice is breaking through), la pieza sonora de dos horas que ha concebido de forma específica para el Palacio de Cristal del Parque del Retiro sería la última escala de este proceso. Baumgarten, que durante cuatro décadas ha trabajado con paisajes sonoros, se centra en la fragilidad de la estructura de cristal abovedada de este edificio del siglo XIX para crear una escultura sonora a partir de una serie de grabaciones en audio, realizadas entre 2001 y 2005, del deshielo de las orillas del río Hudson en el norte del Estado de Nueva York. Gracias a un meticuloso trabajo de edición y montaje espacial y secuencial, logra generar la ilusión de que lo que se está resquebrajando es la propia bóveda del Palacio de Cristal. Un edificio que -y esto es algo que a este artista, cuyos proyectos siempre tienen muy en cuenta las arquitecturas y casuísticas concretas de los lugares en los que se desarrollan, le interesa resaltar- está estrechamente vinculado con la historia colonial: fue construido en 1887 con motivo de la Exposición General de las Islas Filipinas, una de las últimas colonias españolas de "ultramar".
Texto y más información en : Museo Reina SofíaBRACO DIMITRIJEVIC. MY BERLIN YEARS. Daniel Marzona. Friedrichstrasse 17 D-10969 Berlin
Opening Friday, October 28, 6–9 pm
Exhibition October 29, 2016 – January 7, 2017
Braco Dimitrijević arrived in Berlin as one of the DAAD guests in 1976 along with On Kawara, Malcolm Morley, Dan Graham, Yvonne Rainer, among others. Coming to grips with Berlin, which at that time was surrounded by a wall and packed with War World II memories, was hard for a young man who grew up in post war Yugoslavia. But after an initial period of getting accustomed to the city, a process in which René Block Galerie played an important role, Berlin proved to be a great inspiration for the artist during an extremely prolific period in his career.
Invited by René Block for a solo exhibition in his gallery on Schaperstrase, in September of 1976, Dimitrijević realized an important public work when he hung a blown up portrait of a woman, a Casual-Passer-By, on the facade of the Hochschule der Künste on Steinplatz. Dimitrijević was already internationally known for similar works, which were realized in Paris, Naples, Zagreb, Venice and in Kassel for documenta 5 in 1972.
That same year another very important cycle of Braco Dimitrijević’s oeuvre started in Berlin. For the first time he was given permission to make installations incorporating original master works from a museum, the Berlin Neue Nationalgalerie, which offered paintings by Mondrian, Kandinsky, Picasso, Manet. In these works with the generic title Triptychos Post Historicus the artist confronts and unites high art, everyday life and nature, changing forever the relationship between the museum collection and the contemporary artist by using existing art works as ‘ready mades’ and as starting points for creating other works of art. Triptychos Post Historicus marked a new departure not only in Dimitrijević’s oeuvre but proved to be prophetic for the ‘appropriation’ tendency which started in the 1980s, as well as being a catalyst for changing curators' attitudes towards art historical chronology.
Berlin, being a city full of historical references, was also an inspiration for a series of photographic pieces titled This Could be a Place of Historical Interest, which were later shown at documenta 6. Paradoxically, these photographs of anonymous sites don’t possess any historical grandeur, but they efficiently question the notion of ‘historical importance’.
The most spectacular work Braco Dimitrijević realized in Berlin is the monument in the garden of the Schloss Charlottenburg. The project, which he initiated during his stay in the city in 1976, was completed in 1979 with the financial assistance of the Berlin Senat, Berlin Lottery, DAAD and Schloss Chalottenburg. It is a 10 meter high, white Carrara marble obelisk, erected in honour of Peter Malwitz’s birthday, a ‘regular’ person that the artist met by chance. Dimitrijević dedicated the obelisk to this passerby's date of birth by engraving with gilded letters in four languages 11 March – This Could be a Day of Historical Importance. This ‘obelisk beyond history’, as the artist put it, is the most monumental conceptual art work ever made. Today visitors can find this monument at the end of the Schloss Charlottenburg garden, still bearing witness to an era when the most adventurous art projects were possible.
Daniel Marzona will present an important selection of Braco Dimitrijević’s work from this period.
Braco Dimitrijević was born in Sarajevo in 1948. From 1968 to 1971 he studied at the Academy of Fine Arts in Zagreb; 1971-1973 post graduate studies at St Martin’s School of Art in London. He received the Major Award of Arts Council of Great Britain in 1978. In 1993 he was made Chevalier des Arts et de Lettres in France. He lives in Paris.
Braco Dimitrijević has had 160 solo exhibitions around the globe including shows at Tate Gallery, London; Ludwig Museum, Cologne; Israel Museum, Jerusalem; MUMOK, Vienna; Russian State Museum, St. Petersburg etc. This year the major retrospective of his work was held at GAM (Museum of Modern Art) in Turin.
The long list of group exhibitions also includes three participations in documenta in Kassel (1972, 1977 and 1992), five participations in Venice Biennale (1976, 1982, 1990, 1993, 2009), São Paulo Biennale, ‘Rhetorical Image’ at the New Museum, New York, “Magiciens de la Terre” at Centre G. Pompidou in Paris etc. This year he took part in “Conceptual Art in Britain” Tate Gallery London, “Transmissions” Museum of Modern Art New York. Currently he is exhibiting at ZKM Karlsruhe in “Art in Europe 1945-1968”.
Dimitrijevic’s works are in 80 public collections including Tate Gallery, London; Museum of Modern Art, New York; Musee National d’Art Moderne Centre Georges Pompidou, Paris; Museum Ludwig, Cologne etc.
Further information: http://www.danielmarzona.com/
Photo: Braco Dimitrijević: Casual passer-by I met at 2.25 PM, Berlin, 1976
BRACO DIMITRIJEVIC. MY BERLIN YEARS. Daniel Marzona. Friedrichstrasse 17 D-10969 Berlin
Opening Friday, October 28, 6–9 pm
Exhibition October 29, 2016 – January 7, 2017
Braco Dimitrijević arrived in Berlin as one of the DAAD guests in 1976 along with On Kawara, Malcolm Morley, Dan Graham, Yvonne Rainer, among others. Coming to grips with Berlin, which at that time was surrounded by a wall and packed with War World II memories, was hard for a young man who grew up in post war Yugoslavia. But after an initial period of getting accustomed to the city, a process in which René Block Galerie played an important role, Berlin proved to be a great inspiration for the artist during an extremely prolific period in his career.
Invited by René Block for a solo exhibition in his gallery on Schaperstrase, in September of 1976, Dimitrijević realized an important public work when he hung a blown up portrait of a woman, a Casual-Passer-By, on the facade of the Hochschule der Künste on Steinplatz. Dimitrijević was already internationally known for similar works, which were realized in Paris, Naples, Zagreb, Venice and in Kassel for documenta 5 in 1972.
That same year another very important cycle of Braco Dimitrijević’s oeuvre started in Berlin. For the first time he was given permission to make installations incorporating original master works from a museum, the Berlin Neue Nationalgalerie, which offered paintings by Mondrian, Kandinsky, Picasso, Manet. In these works with the generic title Triptychos Post Historicus the artist confronts and unites high art, everyday life and nature, changing forever the relationship between the museum collection and the contemporary artist by using existing art works as ‘ready mades’ and as starting points for creating other works of art. Triptychos Post Historicus marked a new departure not only in Dimitrijević’s oeuvre but proved to be prophetic for the ‘appropriation’ tendency which started in the 1980s, as well as being a catalyst for changing curators' attitudes towards art historical chronology.
Berlin, being a city full of historical references, was also an inspiration for a series of photographic pieces titled This Could be a Place of Historical Interest, which were later shown at documenta 6. Paradoxically, these photographs of anonymous sites don’t possess any historical grandeur, but they efficiently question the notion of ‘historical importance’.
The most spectacular work Braco Dimitrijević realized in Berlin is the monument in the garden of the Schloss Charlottenburg. The project, which he initiated during his stay in the city in 1976, was completed in 1979 with the financial assistance of the Berlin Senat, Berlin Lottery, DAAD and Schloss Chalottenburg. It is a 10 meter high, white Carrara marble obelisk, erected in honour of Peter Malwitz’s birthday, a ‘regular’ person that the artist met by chance. Dimitrijević dedicated the obelisk to this passerby's date of birth by engraving with gilded letters in four languages 11 March – This Could be a Day of Historical Importance. This ‘obelisk beyond history’, as the artist put it, is the most monumental conceptual art work ever made. Today visitors can find this monument at the end of the Schloss Charlottenburg garden, still bearing witness to an era when the most adventurous art projects were possible.
Daniel Marzona will present an important selection of Braco Dimitrijević’s work from this period.
Braco Dimitrijević was born in Sarajevo in 1948. From 1968 to 1971 he studied at the Academy of Fine Arts in Zagreb; 1971-1973 post graduate studies at St Martin’s School of Art in London. He received the Major Award of Arts Council of Great Britain in 1978. In 1993 he was made Chevalier des Arts et de Lettres in France. He lives in Paris.
Braco Dimitrijević has had 160 solo exhibitions around the globe including shows at Tate Gallery, London; Ludwig Museum, Cologne; Israel Museum, Jerusalem; MUMOK, Vienna; Russian State Museum, St. Petersburg etc. This year the major retrospective of his work was held at GAM (Museum of Modern Art) in Turin.
The long list of group exhibitions also includes three participations in documenta in Kassel (1972, 1977 and 1992), five participations in Venice Biennale (1976, 1982, 1990, 1993, 2009), São Paulo Biennale, ‘Rhetorical Image’ at the New Museum, New York, “Magiciens de la Terre” at Centre G. Pompidou in Paris etc. This year he took part in “Conceptual Art in Britain” Tate Gallery London, “Transmissions” Museum of Modern Art New York. Currently he is exhibiting at ZKM Karlsruhe in “Art in Europe 1945-1968”.
Dimitrijevic’s works are in 80 public collections including Tate Gallery, London; Museum of Modern Art, New York; Musee National d’Art Moderne Centre Georges Pompidou, Paris; Museum Ludwig, Cologne etc.
Further information: http://www.danielmarzona.com/
Photo: Braco Dimitrijević: Casual passer-by I met at 2.25 PM, Berlin, 1976
Mira BERNABEU
“ABREVIACIONES MISE EN SCÈNE 1996 – 2016”
Abreviaciones, Mise en Scène, 1994 – 2016, es la primera exposición del artista Mira Bernabeu (Valencia, España, 1969) en la Galería El Museo. Es la primera vez que se presenta una selección cronológica de las diferentes series que constituyen su obra, todas ellas de pequeño formato. El artista ha seleccionado entre dos y tres imágenes de cada una de las series desarrolladas desde el principio de su trayectoria hasta la actualidad. Si bien cada uno de estos trabajos está pensado para ser compuesto de instalaciones, videos, objetos y fotografías, para esta ocasión, el artista prefirió centrar su atención únicamente en imágenes fotográficas con las cuales crea un proyecto que presenta el universo que meticulosamente ha construido desde hace más de veinte años.
Mira Bernabeu trabaja dos partes diferenciadas en su producción plástica: la participación-reacción del espectador ante los temas sociales que aborda, y la belleza estética-compositiva de la obra de arte. La convivencia en armonía de estos dos aspectos, dota su obra de un carácter único. Sus obras interesan no sólo por su concepción estética sino también por su faceta social, su interés por analizar psicológicamente al ser humano y la forma en la que nos relacionamos con los demás. Parece que la sociedad tal y como la entendemos hoy en día no ha cambiado mucho respecto a otras épocas. Creemos que hemos evolucionado y que somos más desarrollados que nuestros antecesores, pero los males sociales se repiten una y otra vez como la piedra que empuja Sísifo en el infierno. En el libro escrito por Erich Fromm La revolución de la esperanza, el autor nos invita a reflexionar en torno a los valores humanos perdidos de la sociedad occidental, pero con la esperanza de llegar a un punto de luz. La obra de Mira Bernabeu intenta que el espectador no se quede impune ante estas circunstancias y procede a interrogar, ¿por qué la sociedad ha degenerado en una actitud de individualismo y consumismo?, ¿estamos en la era del “show off?, ¿por qué esa hipocresía en torno a temas tabú como el sexo y la muerte?, ¿cuáles son las preocupaciones y los miedos del ser humano? Sus obras se plantean como un fiel reflejo de la situación social, económica, cultural y política de la época.
Bernabeu estudia al individuo desde un punto de vista antropológico, siempre desde las posibilidades que le ofrece el arte. Pone el acento en un análisis teatralizado del ser humano a través de sus retratos de grupo; puestas en escena en las que confluyen valores morales, religiosos, teorías psicoanalíticas y educacionales, en escenarios desnudos y tenebrosos a modo de performance. Todo ello acompañado por una exhaustiva selección de títulos que acompañan cada una de sus series, y que las dotan de una intencionalidad concreta: En círculo, Perdidos en el espacio, Dulces sueños, Los milagros del cuerpo, El hueco del espectáculo, Panorama doméstico, Panorama de rehabilitación, Panorama social, Panorama de bienes y servicios, etc.
Mira Bernabeu retoma el testigo al otorgar al espectador el total protagonismo de la creación artística. Pero el artista no intenta que sus obras sean una mera exposición donde el espectador se dedique a observar el trabajo mostrado, sino que busca su participación física e intelectual ante lo presentado. El público se introducirá, de una manera inconsciente, en un laberinto de ideas presentadas ante él, a través de los distintos medios utilizados para su materialización. Al final, el espectador puede adoptar en algunas ocasiones un papel de voyeur, y en otras, de actor.
Más información: Galería El Museo.
Mira BERNABEU
“ABREVIACIONES MISE EN SCÈNE 1996 – 2016”
Abreviaciones, Mise en Scène, 1994 – 2016, es la primera exposición del artista Mira Bernabeu (Valencia, España, 1969) en la Galería El Museo. Es la primera vez que se presenta una selección cronológica de las diferentes series que constituyen su obra, todas ellas de pequeño formato. El artista ha seleccionado entre dos y tres imágenes de cada una de las series desarrolladas desde el principio de su trayectoria hasta la actualidad. Si bien cada uno de estos trabajos está pensado para ser compuesto de instalaciones, videos, objetos y fotografías, para esta ocasión, el artista prefirió centrar su atención únicamente en imágenes fotográficas con las cuales crea un proyecto que presenta el universo que meticulosamente ha construido desde hace más de veinte años.
Mira Bernabeu trabaja dos partes diferenciadas en su producción plástica: la participación-reacción del espectador ante los temas sociales que aborda, y la belleza estética-compositiva de la obra de arte. La convivencia en armonía de estos dos aspectos, dota su obra de un carácter único. Sus obras interesan no sólo por su concepción estética sino también por su faceta social, su interés por analizar psicológicamente al ser humano y la forma en la que nos relacionamos con los demás. Parece que la sociedad tal y como la entendemos hoy en día no ha cambiado mucho respecto a otras épocas. Creemos que hemos evolucionado y que somos más desarrollados que nuestros antecesores, pero los males sociales se repiten una y otra vez como la piedra que empuja Sísifo en el infierno. En el libro escrito por Erich Fromm La revolución de la esperanza, el autor nos invita a reflexionar en torno a los valores humanos perdidos de la sociedad occidental, pero con la esperanza de llegar a un punto de luz. La obra de Mira Bernabeu intenta que el espectador no se quede impune ante estas circunstancias y procede a interrogar, ¿por qué la sociedad ha degenerado en una actitud de individualismo y consumismo?, ¿estamos en la era del “show off?, ¿por qué esa hipocresía en torno a temas tabú como el sexo y la muerte?, ¿cuáles son las preocupaciones y los miedos del ser humano? Sus obras se plantean como un fiel reflejo de la situación social, económica, cultural y política de la época.
Bernabeu estudia al individuo desde un punto de vista antropológico, siempre desde las posibilidades que le ofrece el arte. Pone el acento en un análisis teatralizado del ser humano a través de sus retratos de grupo; puestas en escena en las que confluyen valores morales, religiosos, teorías psicoanalíticas y educacionales, en escenarios desnudos y tenebrosos a modo de performance. Todo ello acompañado por una exhaustiva selección de títulos que acompañan cada una de sus series, y que las dotan de una intencionalidad concreta: En círculo, Perdidos en el espacio, Dulces sueños, Los milagros del cuerpo, El hueco del espectáculo, Panorama doméstico, Panorama de rehabilitación, Panorama social, Panorama de bienes y servicios, etc.
Mira Bernabeu retoma el testigo al otorgar al espectador el total protagonismo de la creación artística. Pero el artista no intenta que sus obras sean una mera exposición donde el espectador se dedique a observar el trabajo mostrado, sino que busca su participación física e intelectual ante lo presentado. El público se introducirá, de una manera inconsciente, en un laberinto de ideas presentadas ante él, a través de los distintos medios utilizados para su materialización. Al final, el espectador puede adoptar en algunas ocasiones un papel de voyeur, y en otras, de actor.
Más información: Galería El Museo.
HUELLAS
HUMBERTO RIVAS
20/10/2016 - 08/04/2017
El Arxiu Fotogràfic de Barcelona presenta a partir del 20 de octubre de 2016, la exposición Huellas. Humberto Rivas integrada por 53 fotografías realizadas entre 1995 y 2005 que rastrean la geografía buscando escenarios y individuos vinculados a la Guerra Civil. La colección Huellas ingresó en el Arxiu Fotogràfic en el año 2009.
Arxiu Fotogràfic de Barcelona.
Plaça de Pons i Clerch, 2, 2a. planta, 08003, Barcelona
HUELLAS
HUMBERTO RIVAS
20/10/2016 - 08/04/2017
El Arxiu Fotogràfic de Barcelona presenta a partir del 20 de octubre de 2016, la exposición Huellas. Humberto Rivas integrada por 53 fotografías realizadas entre 1995 y 2005 que rastrean la geografía buscando escenarios y individuos vinculados a la Guerra Civil. La colección Huellas ingresó en el Arxiu Fotogràfic en el año 2009.
Arxiu Fotogràfic de Barcelona.
Plaça de Pons i Clerch, 2, 2a. planta, 08003, Barcelona
NIL YALTER. OFF THE RECORD
14/10/2016 - 15/01/2017
Curator: Eda Berkmen
Arter presents "Off the Record" by Nil Yalter between 14 October 2016 and 15 January 2017. Curated by Eda Berkmen, the exhibition is a thematic overview of Yalter's hybrid installations that combine painting, photography, writing, collage, performance, and video. Yalter's work explores individual's strategies for survival in the face of society's control mechanisms and norms, focusing on omitted facts, invisible people, enclosed places and repressed emotions. The exhibition title refers to these subjects that are denied a place in official histories.
Further information: ARTER- Space for Art.
NIL YALTER. OFF THE RECORD
14/10/2016 - 15/01/2017
Curator: Eda Berkmen
Arter presents "Off the Record" by Nil Yalter between 14 October 2016 and 15 January 2017. Curated by Eda Berkmen, the exhibition is a thematic overview of Yalter's hybrid installations that combine painting, photography, writing, collage, performance, and video. Yalter's work explores individual's strategies for survival in the face of society's control mechanisms and norms, focusing on omitted facts, invisible people, enclosed places and repressed emotions. The exhibition title refers to these subjects that are denied a place in official histories.
Further information: ARTER- Space for Art.
XIMO BERENGUER. A CHUPAR DEL BOTE, 1974 - 1976. 30 septiembre - 18 noviembre 2016
Inauguración: 30 de septiembre de 17 a 22 horas. Con la colaboración de Cerveza Turia.
La historia de la fotografía sigue deparando sorpresas. Cuando creemos tenerlo todo bien cuadrado surge el archivo de un humilde jardinero (Charles Jones) que demostró su amor a las flores que cultivaba para un lord inglés en magníficas e ignoradas fotografías, o el descubrimiento de una niñera excéntrica (Vivian Maier) que expandió calladamente nuestra noción de street photography. Sin pretender cotejarlo a esos casos célebres, toca ahora recabar el reconocimiento que merece la figura de Ximo Berenguer (1946–1978), prácticamente olvidada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias.
Joven fotógrafo valenciano que frecuentó los cenáculos amateurs locales de su época, el talento soterrado de Ximo Berenguer empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966 a fin de iniciar estudios de fotografía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Brassaï, cuya obra descubrió en la biblioteca de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, como de algunos heterodoxos surgidos de esa entidad como Miserachs, Maspons o Colom, Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país. Sus imágenes pasaron entonces a “rehuir todo sentimentalismo superfluo para atrapar el alma fugaz de la historia”, según palabras de Josep Mª Casademont, director de la revista “Imagen y Sonido” y uno de sus más incondicionales mentores. El grupo AFAL y sobre todo Leopoldo Pomés –cuyo libro Les fenêtresactuó de revulsivo– constituyeron otras referencias claves: tanto fue así que a principios de 1973 el joven Berenguer se armó de valor, reunió un puñado de sus fotografías que consideraba “modernas” y fue a enseñárselas a su ídolo con ánimo de ganarse una plaza en su estudio como aprendiz. Con su primer sueldo se compraría la cámara Pentax SL que utilizó hasta el final de su vida.
En esa época se vinculó a los activos ambientes noctámbulos y contraculturales de la ciudad. Su espíritu contestatario y su condición homosexual le llevaron a congeniar con el grupo de los Ocaña, Nazario, Picarol, Mariscal, los hermanos Farriol y tantos otros protagonistas del underground barcelonés. Berenguer no vivió esa adscripción como una “militancia” sino como una relación de camaradería espontánea al compartir tugurios y marginalidad, que sin duda propulsaría la radicalidad de sus propuestas. El espíritu lumpen y libertario del grupo contrastaría con el glamour burgués de la gauche divine, hegemónica entonces como inteligencia local: sin ningún tipo de amarras, Berenguer y sus amigos solo aspiraban a la supervivencia y a la libertad.
El corpus del legado fotográfico de Berenguer que se ha recuperado es reducido, unos quince mil negativos y trescientos tirajes de época en diferentes formatos. Aquí se presenta una selección del trabajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Berenguer inició una relación con el bailarín cubano Negrito Poli, que había sido contratado como coreógrafo de “El Molino”. Por medio de ese contacto Berenguer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al local y de la intimidad con sus protagonistas. Casademont le alentó a acometer un reportaje en profundidad que le permitiera presentar una maqueta de libro para la colección “Palabra e Imagen” de Lumen, por la que ya habían transitado Masats, Ontañón, Maspons+Ubiña, Colita, etc.
Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra “A chupar del bote” y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, “Taxi al Molino”. Como era preceptivo en el teatro de variedades, el espectáculo se componía de una sucesión de números que indefectiblemente hacia desfilar a cantantes folclóricas, ilusionistas, cómicos, bailarinas burlesque, striptease, etc. aunque siempre el plato fuerte lo constituía la interacción entre los actores y el público, que se deleitaban enzarzándose en diálogos picantes. Muchas representaciones satirizaban situaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosis de toda la compañía sobre el escenario rindiendo pleitesía a las vedettes ataviadas con sus plumas y trajes de lentejuelas, y todos cantando “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo mejor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción. De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e intelectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios, y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refugio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban no muy lejos las consignas coreadas por los manifestantes o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.
Las fotografías de Berenguer devienen así rebanadas de vida, retratos de personajes entrañables como Johnson, La Maña, Christa Leem, Piper o Yvette René, salpicados con graffitis políticos reivindicando amnistía y estatuto de autonomía; instantáneas de una alegría contagiosa tamizada de humo y alcohol pero que vislumbran en el horizonte avisos de tragedia. Este proyecto documental es penetrante, intenso, visceral, no sale de los ojos sino de las entrañas. Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de la capacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo "cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor". Por imperativo del destino Berenguer lo hizo en un tiempo breve y lo hizo dos veces bueno.
Rafa Levenfeld
XIMO BERENGUER. A CHUPAR DEL BOTE, 1974 - 1976. 30 septiembre - 18 noviembre 2016
Inauguración: 30 de septiembre de 17 a 22 horas. Con la colaboración de Cerveza Turia.
La historia de la fotografía sigue deparando sorpresas. Cuando creemos tenerlo todo bien cuadrado surge el archivo de un humilde jardinero (Charles Jones) que demostró su amor a las flores que cultivaba para un lord inglés en magníficas e ignoradas fotografías, o el descubrimiento de una niñera excéntrica (Vivian Maier) que expandió calladamente nuestra noción de street photography. Sin pretender cotejarlo a esos casos célebres, toca ahora recabar el reconocimiento que merece la figura de Ximo Berenguer (1946–1978), prácticamente olvidada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias.
Joven fotógrafo valenciano que frecuentó los cenáculos amateurs locales de su época, el talento soterrado de Ximo Berenguer empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966 a fin de iniciar estudios de fotografía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Brassaï, cuya obra descubrió en la biblioteca de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, como de algunos heterodoxos surgidos de esa entidad como Miserachs, Maspons o Colom, Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país. Sus imágenes pasaron entonces a “rehuir todo sentimentalismo superfluo para atrapar el alma fugaz de la historia”, según palabras de Josep Mª Casademont, director de la revista “Imagen y Sonido” y uno de sus más incondicionales mentores. El grupo AFAL y sobre todo Leopoldo Pomés –cuyo libro Les fenêtresactuó de revulsivo– constituyeron otras referencias claves: tanto fue así que a principios de 1973 el joven Berenguer se armó de valor, reunió un puñado de sus fotografías que consideraba “modernas” y fue a enseñárselas a su ídolo con ánimo de ganarse una plaza en su estudio como aprendiz. Con su primer sueldo se compraría la cámara Pentax SL que utilizó hasta el final de su vida.
En esa época se vinculó a los activos ambientes noctámbulos y contraculturales de la ciudad. Su espíritu contestatario y su condición homosexual le llevaron a congeniar con el grupo de los Ocaña, Nazario, Picarol, Mariscal, los hermanos Farriol y tantos otros protagonistas del underground barcelonés. Berenguer no vivió esa adscripción como una “militancia” sino como una relación de camaradería espontánea al compartir tugurios y marginalidad, que sin duda propulsaría la radicalidad de sus propuestas. El espíritu lumpen y libertario del grupo contrastaría con el glamour burgués de la gauche divine, hegemónica entonces como inteligencia local: sin ningún tipo de amarras, Berenguer y sus amigos solo aspiraban a la supervivencia y a la libertad.
El corpus del legado fotográfico de Berenguer que se ha recuperado es reducido, unos quince mil negativos y trescientos tirajes de época en diferentes formatos. Aquí se presenta una selección del trabajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Berenguer inició una relación con el bailarín cubano Negrito Poli, que había sido contratado como coreógrafo de “El Molino”. Por medio de ese contacto Berenguer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al local y de la intimidad con sus protagonistas. Casademont le alentó a acometer un reportaje en profundidad que le permitiera presentar una maqueta de libro para la colección “Palabra e Imagen” de Lumen, por la que ya habían transitado Masats, Ontañón, Maspons+Ubiña, Colita, etc.
Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra “A chupar del bote” y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, “Taxi al Molino”. Como era preceptivo en el teatro de variedades, el espectáculo se componía de una sucesión de números que indefectiblemente hacia desfilar a cantantes folclóricas, ilusionistas, cómicos, bailarinas burlesque, striptease, etc. aunque siempre el plato fuerte lo constituía la interacción entre los actores y el público, que se deleitaban enzarzándose en diálogos picantes. Muchas representaciones satirizaban situaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosis de toda la compañía sobre el escenario rindiendo pleitesía a las vedettes ataviadas con sus plumas y trajes de lentejuelas, y todos cantando “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo mejor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción. De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e intelectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios, y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refugio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban no muy lejos las consignas coreadas por los manifestantes o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.
Las fotografías de Berenguer devienen así rebanadas de vida, retratos de personajes entrañables como Johnson, La Maña, Christa Leem, Piper o Yvette René, salpicados con graffitis políticos reivindicando amnistía y estatuto de autonomía; instantáneas de una alegría contagiosa tamizada de humo y alcohol pero que vislumbran en el horizonte avisos de tragedia. Este proyecto documental es penetrante, intenso, visceral, no sale de los ojos sino de las entrañas. Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de la capacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo "cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor". Por imperativo del destino Berenguer lo hizo en un tiempo breve y lo hizo dos veces bueno.
Rafa Levenfeld
CONSTELACIONES DE LO INTANGIBLE. LUIS GONZÁLEZ PALMA
Museo Universidad de Navarra. Del 28 de septiembre de 2016 al 19 de marzo de 2017
Retrospectiva de la obra del fotógrafo Luis González Palma (Guatemala, 1957), articulada por medio constelaciones temáticas que abarcan su universo creativo y que cuenta con las piezas creadas entre 2014 y 2015 para el programa curatorial “Tender Puentes” del Museo Universidad de Navarra. La exposición está producida por la Fundación Telefónica.
A través de su trabajo, González Palma experimenta con las soluciones técnicas y formales de la fotografía, en una redefinición de los límites entre fotografía y pintura, influenciado por su formación como arquitecto y su acercamiento a la pintura religiosa, que generó también un interés por la abstracción.
En su obra podemos ver una serie de motivos recurrentes, entre los que destacan la importancia de la belleza, la reflexión sobre el poder y el concepto de imagen y su percepción por los demás. Plantea una reflexión sobre la mirada, reflejo de cómo vemos al otro y de cómo nos vemos a nosotros mismos, vinculada con la conciencia de no ser visto, y con el desasosiego que eso causa.
A través de su obra vemos una evolución desde conceptos vinculados a la identidad y la memoria hasta la convivencia de la abstracción y la figuración, porque para él ambas tienen un mismo fin, entender y dar sentido a la imagen, otra vez en relación a la mirada y a la captación no sólo del individuo, sino de la condición humana. Y en esta idea se enmarca la importancia que el retrato tiene en su trabajo, muchas veces en relación con soluciones formales y con el espectador, que lo contempla sin intermediarios.
Las obras que se muestran pertenecen a la colección del Museo Universidad de Navarra, a las galerías Espaivisor de Valencia y Blanca Berlín de Madrid.
Más información: Museo Universidad de Navarra.
CONSTELACIONES DE LO INTANGIBLE. LUIS GONZÁLEZ PALMA
Museo Universidad de Navarra. Del 28 de septiembre de 2016 al 19 de marzo de 2017
Retrospectiva de la obra del fotógrafo Luis González Palma (Guatemala, 1957), articulada por medio constelaciones temáticas que abarcan su universo creativo y que cuenta con las piezas creadas entre 2014 y 2015 para el programa curatorial “Tender Puentes” del Museo Universidad de Navarra. La exposición está producida por la Fundación Telefónica.
A través de su trabajo, González Palma experimenta con las soluciones técnicas y formales de la fotografía, en una redefinición de los límites entre fotografía y pintura, influenciado por su formación como arquitecto y su acercamiento a la pintura religiosa, que generó también un interés por la abstracción.
En su obra podemos ver una serie de motivos recurrentes, entre los que destacan la importancia de la belleza, la reflexión sobre el poder y el concepto de imagen y su percepción por los demás. Plantea una reflexión sobre la mirada, reflejo de cómo vemos al otro y de cómo nos vemos a nosotros mismos, vinculada con la conciencia de no ser visto, y con el desasosiego que eso causa.
A través de su obra vemos una evolución desde conceptos vinculados a la identidad y la memoria hasta la convivencia de la abstracción y la figuración, porque para él ambas tienen un mismo fin, entender y dar sentido a la imagen, otra vez en relación a la mirada y a la captación no sólo del individuo, sino de la condición humana. Y en esta idea se enmarca la importancia que el retrato tiene en su trabajo, muchas veces en relación con soluciones formales y con el espectador, que lo contempla sin intermediarios.
Las obras que se muestran pertenecen a la colección del Museo Universidad de Navarra, a las galerías Espaivisor de Valencia y Blanca Berlín de Madrid.
Más información: Museo Universidad de Navarra.
LOST IN TRANSITION _un poema performativo Cabello/Carceller
29 de septiembre, 2016– 15 de enero, 2017
Galería 6. IVAM, Centre Julio González
Comisariado: Cabello/ Carceller
Inauguración : 29 de septiembre a las 20 horas.
A las 19 horas: Charla con Helena Cabello , Ana Carceller y Alba Braza
Lost in Transition _un poema performativo es un proyecto site-specific de Cabello/Carceller, ideado específicamente para un espacio concreto, la Galería 6 del IVAM, acerca de la construcción de las identidades y los géneros, un tema muy presente en los trabajos de las artistas.
Apela al espacio expositivo como lugar abierto a narrativas transicionales. Para ello fija su mirada en la escalera que comunica las dos plantas de dicha galería del museo, a priori un elemento arquitectónico ajeno a la función expositiva misma.
Como vínculo entre dos espacios, la escalera prevé un uso secundario. Sin embargo, en este proyecto ha sido elegida como eje conceptual. Perpetuo lugar de transición, pasa a ser el escenario central ideal, metáfora de las zonas intermedias, del continuo movimiento y el cambio.
La tradición teatral y cinematográfica o el espectáculo han otorgado a la escalera un papel esencial para la presentación/introducción de sus protagonistas. El espacio entre un lugar y otro activa en el contexto de Lost in Transition la percepción de la ambigüedad, transitoriedad y variabilidad de los géneros.
Será la cuarta muestra, dentro de la línea de exposiciones iniciada en el 2015, en la que las artistas elaboran un proyecto específico para el museo, son sus propias comisarias, y son asimismo autoras de una publicación, que estará más cerca de un libro de artista que de un catálogo al uso.
CABELLO/CARCELLER
Equipo formado en 1992 por Helena Cabello y Ana Carceller (París, 1963 / Madrid, 1964). Viven y trabajan en Madrid. Actualmente son profesoras en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, UCLM, España.
Cabello/Carceller inician su colaboración a principios de los noventa y desde entonces desarrollan un trabajo interdisciplinar que utiliza diferentes medios de expresión –instalación, performance, vídeo, escritura, dibujo...– con la intención de interrogar los modos de representación hegemónicos en las prácticas visuales y proponer alternativas críticas. Partiendo de un enfoque conceptual, políticamente comprometido, usan estrategias como la apropiación, la performance o el relato de ficción para cuestionar las narrativas modernistas que ignoran a las minorías políticas mientras fingen recurrentemente acudir a ellas.
En un intento por desvelar estas contradicciones, buscan colaboradores externos, normalmente amateurs, aunque ocasionalmente también profesionales, para confrontarlos con situaciones o textos extraños o dislocados –que podrían calificarse como queer–. Aislados y fuera de contexto, estos protagonistas experimentan un desajuste creado alrededor suyo, un dislocamiento que es potenciado por la narración y las estructuras narrativas en las que esta se apoya, y que contribuye frecuentemente a activar o expandir los significados establecidos. Estos proyectos colaborativos subrayan la importancia de construir o reescribir las poéticas colectivas desde posiciones divergentes, recordando la necesidad de estudiar las experiencias intersticiales y alternativas, revisando las políticas sexuales y de género, aplicadas incluso al espacio y el diseño arquitectónico, y de cuestionar las narrativas propagandísticas de las ficciones cinematográficas más convencionales a través de las que se promocionan las políticas neoliberales y sus modos de relación social.
Su trabajo ha sido incluido en “Art and Queer Culture”, una revisión histórica publicada por Phaidon Press y escrita por Catherine Lord y Richard Meyer. También ha sido analizado por Judith/Jack Halberstam en “The Queer Art of Failure”, publicado en Duke University Press, así como en el prólogo de la versión española de “Female Masculinity” (“Masculinidad femenina”) de la misma autora.
Algunas exposiciones colectivas: “Los sujetos”, Pabellón español 56 Bienal de Venecia; “Global Feminisms”, en Brooklyn Museum, New York y Davis Museum, Wellesley College, Massachusetts, EEUU – “Fiction and Reality”, MMOMA, Moscu Museum of Modern Art, Moscú - BB4 Bucharest Biennale: On Producing Possibilities, Bucarest, Rumanía – Bienal Latinoamericana de Artes Visuales, Curitiba, Brasil – “re.act feminism. A Performing Archive”, Akademie der Künste, Berlín, e “itinerancias - Nuevas Historias. A New View of Spanish Photography and Video”, Stenersen Museum, Oslo, Noruega / Kuntsi Museum of Modern Art, Vaasa, Finlandia / Kulturhuset, Stockholm, Suecia / Royal Library, Dinamarca – “Genealogías Feministas”, MUSAC, León (España) – “The Screen Eye or The New Image”, Casino Luxembourg, Luxemburgo – “Cooling Out”, Lewis Glucksman Gallery, Cork, Irlanda, “En todas partes”, CGAC, Santiago de Compostela (España).
Exposiciones individuales: “Borrador para una exposición sin título”, en MARCO de Vigo; “ Rapear Filosofía: Foucault, Sontag, Butler, Mbembe" en Galeria Elba Benitez; MicroPolíticas, MicroPoéticas”, en Sala La Patriótica/CCEBA Buenos Aires, Argentina - Off Escena; “Si yo fuera...”, Abierto X Obras, en Matadero Madrid, España - Archivo: Drag Modelos, Galería Joan Prats, en Barcelona y CAAM, Las Palmas de Gran Canaria, España - Suite Rivolta, Galería Elba Benítez, Madrid, España o A/O (Caso Céspedes), CAAC Sevilla, España.
Más información: Instituto Valencia de Arte Moderno.
LOST IN TRANSITION _un poema performativo Cabello/Carceller
29 de septiembre, 2016– 15 de enero, 2017
Galería 6. IVAM, Centre Julio González
Comisariado: Cabello/ Carceller
Inauguración : 29 de septiembre a las 20 horas.
A las 19 horas: Charla con Helena Cabello , Ana Carceller y Alba Braza
Lost in Transition _un poema performativo es un proyecto site-specific de Cabello/Carceller, ideado específicamente para un espacio concreto, la Galería 6 del IVAM, acerca de la construcción de las identidades y los géneros, un tema muy presente en los trabajos de las artistas.
Apela al espacio expositivo como lugar abierto a narrativas transicionales. Para ello fija su mirada en la escalera que comunica las dos plantas de dicha galería del museo, a priori un elemento arquitectónico ajeno a la función expositiva misma.
Como vínculo entre dos espacios, la escalera prevé un uso secundario. Sin embargo, en este proyecto ha sido elegida como eje conceptual. Perpetuo lugar de transición, pasa a ser el escenario central ideal, metáfora de las zonas intermedias, del continuo movimiento y el cambio.
La tradición teatral y cinematográfica o el espectáculo han otorgado a la escalera un papel esencial para la presentación/introducción de sus protagonistas. El espacio entre un lugar y otro activa en el contexto de Lost in Transition la percepción de la ambigüedad, transitoriedad y variabilidad de los géneros.
Será la cuarta muestra, dentro de la línea de exposiciones iniciada en el 2015, en la que las artistas elaboran un proyecto específico para el museo, son sus propias comisarias, y son asimismo autoras de una publicación, que estará más cerca de un libro de artista que de un catálogo al uso.
CABELLO/CARCELLER
Equipo formado en 1992 por Helena Cabello y Ana Carceller (París, 1963 / Madrid, 1964). Viven y trabajan en Madrid. Actualmente son profesoras en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, UCLM, España.
Cabello/Carceller inician su colaboración a principios de los noventa y desde entonces desarrollan un trabajo interdisciplinar que utiliza diferentes medios de expresión –instalación, performance, vídeo, escritura, dibujo...– con la intención de interrogar los modos de representación hegemónicos en las prácticas visuales y proponer alternativas críticas. Partiendo de un enfoque conceptual, políticamente comprometido, usan estrategias como la apropiación, la performance o el relato de ficción para cuestionar las narrativas modernistas que ignoran a las minorías políticas mientras fingen recurrentemente acudir a ellas.
En un intento por desvelar estas contradicciones, buscan colaboradores externos, normalmente amateurs, aunque ocasionalmente también profesionales, para confrontarlos con situaciones o textos extraños o dislocados –que podrían calificarse como queer–. Aislados y fuera de contexto, estos protagonistas experimentan un desajuste creado alrededor suyo, un dislocamiento que es potenciado por la narración y las estructuras narrativas en las que esta se apoya, y que contribuye frecuentemente a activar o expandir los significados establecidos. Estos proyectos colaborativos subrayan la importancia de construir o reescribir las poéticas colectivas desde posiciones divergentes, recordando la necesidad de estudiar las experiencias intersticiales y alternativas, revisando las políticas sexuales y de género, aplicadas incluso al espacio y el diseño arquitectónico, y de cuestionar las narrativas propagandísticas de las ficciones cinematográficas más convencionales a través de las que se promocionan las políticas neoliberales y sus modos de relación social.
Su trabajo ha sido incluido en “Art and Queer Culture”, una revisión histórica publicada por Phaidon Press y escrita por Catherine Lord y Richard Meyer. También ha sido analizado por Judith/Jack Halberstam en “The Queer Art of Failure”, publicado en Duke University Press, así como en el prólogo de la versión española de “Female Masculinity” (“Masculinidad femenina”) de la misma autora.
Algunas exposiciones colectivas: “Los sujetos”, Pabellón español 56 Bienal de Venecia; “Global Feminisms”, en Brooklyn Museum, New York y Davis Museum, Wellesley College, Massachusetts, EEUU – “Fiction and Reality”, MMOMA, Moscu Museum of Modern Art, Moscú - BB4 Bucharest Biennale: On Producing Possibilities, Bucarest, Rumanía – Bienal Latinoamericana de Artes Visuales, Curitiba, Brasil – “re.act feminism. A Performing Archive”, Akademie der Künste, Berlín, e “itinerancias - Nuevas Historias. A New View of Spanish Photography and Video”, Stenersen Museum, Oslo, Noruega / Kuntsi Museum of Modern Art, Vaasa, Finlandia / Kulturhuset, Stockholm, Suecia / Royal Library, Dinamarca – “Genealogías Feministas”, MUSAC, León (España) – “The Screen Eye or The New Image”, Casino Luxembourg, Luxemburgo – “Cooling Out”, Lewis Glucksman Gallery, Cork, Irlanda, “En todas partes”, CGAC, Santiago de Compostela (España).
Exposiciones individuales: “Borrador para una exposición sin título”, en MARCO de Vigo; “ Rapear Filosofía: Foucault, Sontag, Butler, Mbembe" en Galeria Elba Benitez; MicroPolíticas, MicroPoéticas”, en Sala La Patriótica/CCEBA Buenos Aires, Argentina - Off Escena; “Si yo fuera...”, Abierto X Obras, en Matadero Madrid, España - Archivo: Drag Modelos, Galería Joan Prats, en Barcelona y CAAM, Las Palmas de Gran Canaria, España - Suite Rivolta, Galería Elba Benítez, Madrid, España o A/O (Caso Céspedes), CAAC Sevilla, España.
Más información: Instituto Valencia de Arte Moderno.
"Déconstruction photographique"
10 Septiembre - 12 Novembre 2016
Pol Bury, Christiane Feser ,Joan Fontcuberta, Alain Fleischer, Julien Lombardi, Vera Lutter, Laurent Millet, Isabelle Le Minh, Abelardo Morell, Catherine Rebois, Eric Rondepierre et les Robots de la NASA.
Commissaire : Catherine Rebois
L’image fixe, l’image unique en d’autres termes, l’Image photographique, se suffit elle encore à elle même aujourd’hui ?
Toutes les théories ont été soulevées, étudiées, l’assujettissement de l’image photographique au réel n’est plus … si on peut le résumer aussi vite et si c’est vrai. Le réel est quoi qu’il en soit une donnée composite de la dimension photographique. La photographie ne reproduit pas, mais travaille avec, avec le réel, quel que soit son genre, généré par des sels d’argent ou par pixélisation. L’image photographique se sert d’un mécanisme, d’une boite, d’un peu de chimie ou d’informatique, elle est déjà dans sa propre réalité, celle de sa génération. Mais l’image de l’image, ce qu’elle donne à voir au-delà de sa matérialité n’a rien de réel.
C’est une reconstitution, une représentation une mise en scène du réel. Déconstruire permet de faire émerger de nouveaux enjeux. Déconstruire, c’est isoler les problèmes afin de pouvoir les traiter et revenir aux origines. Dans le cas d’une perception fragmentée, le sujet, alors, n’est plus unifié.
La fragmentation c’est des petits bouts mis bout à bout qui forment un nouveau tout. La perception de la vie n’est-elle pas une succession de fragmentation ? La question qui se pose alors, pourrait être, comment les rassembler ? Quoi faire de ces informations qui semblent disséminées.
Le fragment n’a pas seulement un rapport à sa forme, mais pose un certain nombre de questions dans son rapport perceptif au monde qu’il entretient.
Combiner plusieurs images entre elles, oblige notre regard à passer de l’une à l’autre et de l’une sans l’autre, créant un dialogue. Ce dialogue est fait de mouvements et de manques. L’image devient séquence et la séquence devient narrative. La notion de continuité ne se trouve plus dans l’image elle-même, mais dans ce vide que représente l’intervalle entre les images, dans les faux raccords, comme l’exprime Gilles Deleuze, faux raccords qui sont la condition de l’Ouvert.
Les artistes Joan Fontcuberta, Vera Lutter, Eric Rondepierre, Isabelle Le Minh, Laurent Millet, Alain Fleischer, Christiane Feser, Pol Bury, Catherine Rebois, Julien Lombardi et les robots de la Nasa, chacun à sa manière, et c’est bien là tout le sens de cette exposition, envisage cette déconstruction et ces retournements de façon singulière qui soulèvent bien des interrogations.
C’est à l’américain Eadweard Muybridge et au français Étienne Jules Marey que revient l’invention de la séquence photographique. C’est donc à la science et a la recherche sur la représentation de la durée et du temps que l’on doit les premières publications connues sous le titre “La Machine animale” en 1873 d’Étienne Jules Marey. C’est en 1881, Eadweard Muybridge publie un album de reproduction photographique intitulé “The Attitudes of animals in motion”, qui fait la somme de ces recherches sur la décomposition.
Une chronologie qui n’est pas sans évoquer celle du défilement cinématographique et qui sera nommée chronophotographie.
Les artistes, qui présentent ici leur travail, portent un écho contemporain sur cette question qu’est la déconstruction et la fragmentation. Elle est en lien avec leurs sujets, bien sur, et la forme accompagne ce souci réflexif propre à la photographie et sur la photographie elle même.
Leurs œuvres nous interpellent car elles re-jouent l’histoire.
Catherine Rebois
Extrait du catalogue de l’exposition « Déconstruction photographique » 1- Gilles Deleuze, L’image-mouvement, Paris, Minuit, 1983, p.45.
Topographie de l’art 15 rue de Thorigny 75003 Paris
Joan Fontcuberta, “Googlegramme: Homeless”, 2005, 10000 images d’internet,120 x 160 cm. Courtesy de l’artiste.
"Déconstruction photographique"
10 Septiembre - 12 Novembre 2016
Pol Bury, Christiane Feser ,Joan Fontcuberta, Alain Fleischer, Julien Lombardi, Vera Lutter, Laurent Millet, Isabelle Le Minh, Abelardo Morell, Catherine Rebois, Eric Rondepierre et les Robots de la NASA.
Commissaire : Catherine Rebois
L’image fixe, l’image unique en d’autres termes, l’Image photographique, se suffit elle encore à elle même aujourd’hui ?
Toutes les théories ont été soulevées, étudiées, l’assujettissement de l’image photographique au réel n’est plus … si on peut le résumer aussi vite et si c’est vrai. Le réel est quoi qu’il en soit une donnée composite de la dimension photographique. La photographie ne reproduit pas, mais travaille avec, avec le réel, quel que soit son genre, généré par des sels d’argent ou par pixélisation. L’image photographique se sert d’un mécanisme, d’une boite, d’un peu de chimie ou d’informatique, elle est déjà dans sa propre réalité, celle de sa génération. Mais l’image de l’image, ce qu’elle donne à voir au-delà de sa matérialité n’a rien de réel.
C’est une reconstitution, une représentation une mise en scène du réel. Déconstruire permet de faire émerger de nouveaux enjeux. Déconstruire, c’est isoler les problèmes afin de pouvoir les traiter et revenir aux origines. Dans le cas d’une perception fragmentée, le sujet, alors, n’est plus unifié.
La fragmentation c’est des petits bouts mis bout à bout qui forment un nouveau tout. La perception de la vie n’est-elle pas une succession de fragmentation ? La question qui se pose alors, pourrait être, comment les rassembler ? Quoi faire de ces informations qui semblent disséminées.
Le fragment n’a pas seulement un rapport à sa forme, mais pose un certain nombre de questions dans son rapport perceptif au monde qu’il entretient.
Combiner plusieurs images entre elles, oblige notre regard à passer de l’une à l’autre et de l’une sans l’autre, créant un dialogue. Ce dialogue est fait de mouvements et de manques. L’image devient séquence et la séquence devient narrative. La notion de continuité ne se trouve plus dans l’image elle-même, mais dans ce vide que représente l’intervalle entre les images, dans les faux raccords, comme l’exprime Gilles Deleuze, faux raccords qui sont la condition de l’Ouvert.
Les artistes Joan Fontcuberta, Vera Lutter, Eric Rondepierre, Isabelle Le Minh, Laurent Millet, Alain Fleischer, Christiane Feser, Pol Bury, Catherine Rebois, Julien Lombardi et les robots de la Nasa, chacun à sa manière, et c’est bien là tout le sens de cette exposition, envisage cette déconstruction et ces retournements de façon singulière qui soulèvent bien des interrogations.
C’est à l’américain Eadweard Muybridge et au français Étienne Jules Marey que revient l’invention de la séquence photographique. C’est donc à la science et a la recherche sur la représentation de la durée et du temps que l’on doit les premières publications connues sous le titre “La Machine animale” en 1873 d’Étienne Jules Marey. C’est en 1881, Eadweard Muybridge publie un album de reproduction photographique intitulé “The Attitudes of animals in motion”, qui fait la somme de ces recherches sur la décomposition.
Une chronologie qui n’est pas sans évoquer celle du défilement cinématographique et qui sera nommée chronophotographie.
Les artistes, qui présentent ici leur travail, portent un écho contemporain sur cette question qu’est la déconstruction et la fragmentation. Elle est en lien avec leurs sujets, bien sur, et la forme accompagne ce souci réflexif propre à la photographie et sur la photographie elle même.
Leurs œuvres nous interpellent car elles re-jouent l’histoire.
Catherine Rebois
Extrait du catalogue de l’exposition « Déconstruction photographique » 1- Gilles Deleuze, L’image-mouvement, Paris, Minuit, 1983, p.45.
Topographie de l’art 15 rue de Thorigny 75003 Paris
Joan Fontcuberta, “Googlegramme: Homeless”, 2005, 10000 images d’internet,120 x 160 cm. Courtesy de l’artiste.
Elena del Rivero My friends and other animals en colaboración con Travesía Cuatro
Del 15 de septiembre al 5 de noviembre de 2016
Kiki Bauer, John Coplans, Esther Ferrer, Janice Guy, María Lozano, Angeles Marco, Freya Powell, Tere Recarens, Kiki Smith y Lily van der Stokker.
Cuando hace unos meses comencé mi relación con Travesía Cuatro, volví a considerar la idea de una exposición en la que llevaba tiempo meditando. Y es así como propuse que mi presentación como artista de la galería no fuera con una muestra individual, sino reuniendo a algunas de las amistades y relaciones que han conformado tanto mi vida personal como mi trabajo. Silvia e Inés inmediatamente aceptaron el reto.
El origen de este proyecto se encuentra en mi amistad con Assumpta Bassas, y en las numerosas conversaciones que tuvimos, en ocasiones concluyendo en desacuerdo, sobre el lenguaje simbólico de la relación, las prácticas del feminismo y de la diferencia sexual.
Como artistas, nuestro reto constante radica en cómo utilizar, transformar y alterar los símbolos que existen a nuestro alrededor; la creación de metáforas. El paso del tiempo, la condición ineludible de cómo he sido engendrada, y una economía de medios, han sido algunos de las herramientas que he utilizado para hilvanar mi trabajo. Todas las artistas en la muestra, Coplans incluido, compartimos preocupaciones similares, partiendo de la crítica inherente que conlleva la práctica artística.
La selección de las artistas, Coplans incluido, y la colaboración con Travesía Cuatro funcionan como los catalizadores que me han permitido investigar la dimensión semántica del lenguaje simbólico de la relación. He seleccionado obras que al ser mostradas en conjunto y considerando su potencia metafórica, operasen como la sintaxis de un diálogo abierto. Mi propósito ha sido revelar el espacio poético que genera cada obra individual y desvelar las consecuentes interconexiones con las demás piezas. Finalmente, he incluido mi propio trabajo en esta mise-en-scène como el agente común de estas relaciones sociales.
La motivación detrás de este trabajo es lúdica, y no existe ninguna pretensión utópica de confrontar el paradigma moderno, ni de problematizar los nuevos lenguajes y formas de intercambio que han surgido a partir de las redes sociales. Además del carácter de urgencia presente en las obras seleccionadas, me vi atraída por su impacto visual, las alegorías que desencadenan; y por su clasicismo.
Mi relación con las artistas ha variado desde ser vecinas hasta grandes amistades; algunas han sido mentoras, otras colaboradoras; incluso una de ellas fue objeto de mi admiración durante mucho tiempo hasta que recientemente la conocí en persona. Y las relaciones continúan, como una ventana abierta que favorece el diálogo.
El título de la muestra adapta el de Gerald Durrell My Family and Other Animals, un libro que disfruté leyendo en mi juventud. Elena del Rivero, Nueva York, Mayo, 2016 Travesía Cuatro y Elena del Rivero agradecen a las artistas su participación en esta muestra y la colaboración de Maria Silvestre Marco, espaivisor de Valencia, Nordenhake de Berlin, Kauffman Repetto de Milán y Universal Limited Art Editions, de Nueva York.Ángeles Marco (Valencia, España, 1947 – 2008) fue catedrática del Departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia. Enfocó su obra escultórica a entender profundamente la materialidad del hierro, pero también trabajó con caucho, cristal, cera y diversos textiles, siendo precursora en el uso de estos materiales en la escultura española contemporánea. Su forma de argumentar, su filosofía detrás del uso de los materiales y la profundidad conceptual que logró hilar con la formalidad de la escultura, influyeron fuertemente en sus alumnos. Obtuvo gran reconocimiento en la España de la Transición gracias al apoyo incondicional del gran galerista Manolo Montenegro. Su interés en la dimensión espiritual la llevó, al final de su vida, a investigar sobre el uso del péndulo, aplicando sus resultados a su práctica artística tardía.
Esther Ferrer (San Sebastian, España, 1937) es una artista multicisciplinar y está considerada como una de las artistas claves de su generación en España. Ferrer recibió el Premio Velázquez en 2014, además de otros reconocimientos. Esther representó a España en la Bienal de Venecia de 1999. Su producción incluye también objetos, fotografías y sistemas a partir del estudio de los números primos. Como describió su obra en una entrevista con Sylvie Ferré, “es un minimalismo muy particular basado en el rigor del absurdo". Sus performances se han visto en espacios como: The Kitchen en Nueva York; el Walker Art Center en Minneapolis, Minneapolis, EE.UU., y en instituciones ubicadas en países como Japón, Polonia y Alemanía, en ocasiones colaborando con el grupo ZAJ, integrado por Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. La artista vive y trabaja en París.
Más información: Travesía Cuatro. Madrid.
Elena del Rivero My friends and other animals en colaboración con Travesía Cuatro
Del 15 de septiembre al 5 de noviembre de 2016
Kiki Bauer, John Coplans, Esther Ferrer, Janice Guy, María Lozano, Angeles Marco, Freya Powell, Tere Recarens, Kiki Smith y Lily van der Stokker.
Cuando hace unos meses comencé mi relación con Travesía Cuatro, volví a considerar la idea de una exposición en la que llevaba tiempo meditando. Y es así como propuse que mi presentación como artista de la galería no fuera con una muestra individual, sino reuniendo a algunas de las amistades y relaciones que han conformado tanto mi vida personal como mi trabajo. Silvia e Inés inmediatamente aceptaron el reto.
El origen de este proyecto se encuentra en mi amistad con Assumpta Bassas, y en las numerosas conversaciones que tuvimos, en ocasiones concluyendo en desacuerdo, sobre el lenguaje simbólico de la relación, las prácticas del feminismo y de la diferencia sexual.
Como artistas, nuestro reto constante radica en cómo utilizar, transformar y alterar los símbolos que existen a nuestro alrededor; la creación de metáforas. El paso del tiempo, la condición ineludible de cómo he sido engendrada, y una economía de medios, han sido algunos de las herramientas que he utilizado para hilvanar mi trabajo. Todas las artistas en la muestra, Coplans incluido, compartimos preocupaciones similares, partiendo de la crítica inherente que conlleva la práctica artística.
La selección de las artistas, Coplans incluido, y la colaboración con Travesía Cuatro funcionan como los catalizadores que me han permitido investigar la dimensión semántica del lenguaje simbólico de la relación. He seleccionado obras que al ser mostradas en conjunto y considerando su potencia metafórica, operasen como la sintaxis de un diálogo abierto. Mi propósito ha sido revelar el espacio poético que genera cada obra individual y desvelar las consecuentes interconexiones con las demás piezas. Finalmente, he incluido mi propio trabajo en esta mise-en-scène como el agente común de estas relaciones sociales.
La motivación detrás de este trabajo es lúdica, y no existe ninguna pretensión utópica de confrontar el paradigma moderno, ni de problematizar los nuevos lenguajes y formas de intercambio que han surgido a partir de las redes sociales. Además del carácter de urgencia presente en las obras seleccionadas, me vi atraída por su impacto visual, las alegorías que desencadenan; y por su clasicismo.
Mi relación con las artistas ha variado desde ser vecinas hasta grandes amistades; algunas han sido mentoras, otras colaboradoras; incluso una de ellas fue objeto de mi admiración durante mucho tiempo hasta que recientemente la conocí en persona. Y las relaciones continúan, como una ventana abierta que favorece el diálogo.
El título de la muestra adapta el de Gerald Durrell My Family and Other Animals, un libro que disfruté leyendo en mi juventud. Elena del Rivero, Nueva York, Mayo, 2016 Travesía Cuatro y Elena del Rivero agradecen a las artistas su participación en esta muestra y la colaboración de Maria Silvestre Marco, espaivisor de Valencia, Nordenhake de Berlin, Kauffman Repetto de Milán y Universal Limited Art Editions, de Nueva York.Ángeles Marco (Valencia, España, 1947 – 2008) fue catedrática del Departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia. Enfocó su obra escultórica a entender profundamente la materialidad del hierro, pero también trabajó con caucho, cristal, cera y diversos textiles, siendo precursora en el uso de estos materiales en la escultura española contemporánea. Su forma de argumentar, su filosofía detrás del uso de los materiales y la profundidad conceptual que logró hilar con la formalidad de la escultura, influyeron fuertemente en sus alumnos. Obtuvo gran reconocimiento en la España de la Transición gracias al apoyo incondicional del gran galerista Manolo Montenegro. Su interés en la dimensión espiritual la llevó, al final de su vida, a investigar sobre el uso del péndulo, aplicando sus resultados a su práctica artística tardía.
Esther Ferrer (San Sebastian, España, 1937) es una artista multicisciplinar y está considerada como una de las artistas claves de su generación en España. Ferrer recibió el Premio Velázquez en 2014, además de otros reconocimientos. Esther representó a España en la Bienal de Venecia de 1999. Su producción incluye también objetos, fotografías y sistemas a partir del estudio de los números primos. Como describió su obra en una entrevista con Sylvie Ferré, “es un minimalismo muy particular basado en el rigor del absurdo". Sus performances se han visto en espacios como: The Kitchen en Nueva York; el Walker Art Center en Minneapolis, Minneapolis, EE.UU., y en instituciones ubicadas en países como Japón, Polonia y Alemanía, en ocasiones colaborando con el grupo ZAJ, integrado por Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. La artista vive y trabaja en París.
Más información: Travesía Cuatro. Madrid.
Sara Álvarez Sarrat. La casa Ena Beca Ramón Acín, 2016 Del 17 de septiembre al 23 de octubre de 2016
Sara Álvarez obtuvo la Beca Ramón Acín con la propuesta La casa Ena, un proyecto colectivo y multidisciplinar de carácter autobiográfico que trata de investigar las huellas de la memoria en torno a la historia de la casa donde el abuelo de Sara Álvarez, José Sarrat, tuvo durante años el almacén de juguetes. La casa tenía que ser reparada y era necesario vaciarla de objetos acumulados a lo largo de los años. La casa ha sido edificio señorial, domicilio familiar, almacén de juguetes y fue también residencia del artista anarcosindicalista y pedagogo Ramón Acín Aquilué, hasta que fue sacado de su hogar para ser fusilado.
Sara Álvarez reconstruye la memoria de la casa mediante el análisis y la reinterpretación de los restos y huellas congelados en el espacio y el tiempo. Tanto la exposición como la publicación recoge parte de la extensa investigación y de la documentación compilada a lo largo del proyecto: lecturas, películas, imágenes, fotografías, planos y documentos. Durante el proceso, todos estos materiales se han reunido en un tablero de Pinterest en el que surgen nuevas asociaciones, más allá de las detectadas a priori. El recorrido narrativo nos traslada a tres momentos vitales de su historia: el almacén, cuando fue custodio de juguetes (1973), la piel, la casa vacía(2016), y la herida, el lugar en el que Ramón Acín permaneció escondido hasta ser arrancado por la fuerza (1936).
La casa Ena ahonda en el concepto de archivo y registro, para rescatar a través de los vestigios de la casa las memorias familiares, conectando lo público y lo privado. Del mismo modo, las técnicas utilizadas en el proyecto –vídeo, fotografía, décollage, animación, frottage, arranque mural– nos remiten al significado profundo del lugar: arrancar, grabar, frotar, registrar, archivar, conservar. Estas tareas, bajo la dirección de Sara Álvarez, han implicado a un equipo conformado por artistas con experiencia en diferentes ámbitos relacionados con las líneas de investigación, trabajando de manera coral sobre la memoria, el registro, el archivo y la autobiografía. El equipo ha estado formado por Orencio Boix, Mª Jesús González, Patricia Gómez y Martí Guillem, junto con otros colaboradores.
La exposición se acompaña de una publicación que recoge parte de la extensa investigación llevada a cabo para el desarrollo del proyecto, con textos de Miguel Corella, Ricardo Forriols, Carlos Mas y de la propia artista.
Sara Álvarez Sarrat es profesora Titular de Universidad en la Facultad Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València. Obtuvo el título de Doctora en 2002, desarrollando parte de su investigación en el Magazine online Animation World Network, Los Angeles (California, EEUU). La investigación teórica realizada a lo largo de su trayectoria le ha llevado a presentar ponencias en congresos internacionales (Nueva York, Atenas o Córdoba, Argentina), a publicar artículos en libros y revistas especializadas (Animation Studies Journal, Hispanic Research Journal, Con A de animación) o a colaborar en la 39ª edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, en la publicación Raoul Servais. Integral de cortometrajes. Un año después, comisarió la exposición Surviving Life: Collages de la película de Jan Svankmajer, en la sala Josep Renau de la UPV, en colaboración con la Filmoteca de Valencia y el centro Checo de Madrid.
Su trabajo transita entre la animación, la pintura y el dibujo, y ha participado en exposiciones colectivas e individuales, como Mujeres: arte y universidad, en Las Atarazanas (Valencia, 2013), Impresiones Urbanas(Valencia - Buenos Aires, 2007), Ciudad Invadida / Cidade Invadida (España – Brasil, 2006) o Amuebladas, en el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí (Valencia, 2007).
Sara Álvarez Sarrat. La casa Ena Beca Ramón Acín, 2016 Del 17 de septiembre al 23 de octubre de 2016
Sara Álvarez obtuvo la Beca Ramón Acín con la propuesta La casa Ena, un proyecto colectivo y multidisciplinar de carácter autobiográfico que trata de investigar las huellas de la memoria en torno a la historia de la casa donde el abuelo de Sara Álvarez, José Sarrat, tuvo durante años el almacén de juguetes. La casa tenía que ser reparada y era necesario vaciarla de objetos acumulados a lo largo de los años. La casa ha sido edificio señorial, domicilio familiar, almacén de juguetes y fue también residencia del artista anarcosindicalista y pedagogo Ramón Acín Aquilué, hasta que fue sacado de su hogar para ser fusilado.
Sara Álvarez reconstruye la memoria de la casa mediante el análisis y la reinterpretación de los restos y huellas congelados en el espacio y el tiempo. Tanto la exposición como la publicación recoge parte de la extensa investigación y de la documentación compilada a lo largo del proyecto: lecturas, películas, imágenes, fotografías, planos y documentos. Durante el proceso, todos estos materiales se han reunido en un tablero de Pinterest en el que surgen nuevas asociaciones, más allá de las detectadas a priori. El recorrido narrativo nos traslada a tres momentos vitales de su historia: el almacén, cuando fue custodio de juguetes (1973), la piel, la casa vacía(2016), y la herida, el lugar en el que Ramón Acín permaneció escondido hasta ser arrancado por la fuerza (1936).
La casa Ena ahonda en el concepto de archivo y registro, para rescatar a través de los vestigios de la casa las memorias familiares, conectando lo público y lo privado. Del mismo modo, las técnicas utilizadas en el proyecto –vídeo, fotografía, décollage, animación, frottage, arranque mural– nos remiten al significado profundo del lugar: arrancar, grabar, frotar, registrar, archivar, conservar. Estas tareas, bajo la dirección de Sara Álvarez, han implicado a un equipo conformado por artistas con experiencia en diferentes ámbitos relacionados con las líneas de investigación, trabajando de manera coral sobre la memoria, el registro, el archivo y la autobiografía. El equipo ha estado formado por Orencio Boix, Mª Jesús González, Patricia Gómez y Martí Guillem, junto con otros colaboradores.
La exposición se acompaña de una publicación que recoge parte de la extensa investigación llevada a cabo para el desarrollo del proyecto, con textos de Miguel Corella, Ricardo Forriols, Carlos Mas y de la propia artista.
Sara Álvarez Sarrat es profesora Titular de Universidad en la Facultad Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València. Obtuvo el título de Doctora en 2002, desarrollando parte de su investigación en el Magazine online Animation World Network, Los Angeles (California, EEUU). La investigación teórica realizada a lo largo de su trayectoria le ha llevado a presentar ponencias en congresos internacionales (Nueva York, Atenas o Córdoba, Argentina), a publicar artículos en libros y revistas especializadas (Animation Studies Journal, Hispanic Research Journal, Con A de animación) o a colaborar en la 39ª edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, en la publicación Raoul Servais. Integral de cortometrajes. Un año después, comisarió la exposición Surviving Life: Collages de la película de Jan Svankmajer, en la sala Josep Renau de la UPV, en colaboración con la Filmoteca de Valencia y el centro Checo de Madrid.
Su trabajo transita entre la animación, la pintura y el dibujo, y ha participado en exposiciones colectivas e individuales, como Mujeres: arte y universidad, en Las Atarazanas (Valencia, 2013), Impresiones Urbanas(Valencia - Buenos Aires, 2007), Ciudad Invadida / Cidade Invadida (España – Brasil, 2006) o Amuebladas, en el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí (Valencia, 2007).
September 16 – November 5, 2016
Opening: Friday, September 16, 2016 | 6 – 9 pm
My life (my art) has been made up of two things: one – observation, gathering (of material), and, two: the search for meaning, a soul (an idea). (T.G., 1990
The first solo exhibition of the Croatian artist Tomislav GOTOVAC (1937 – 2010) at Galerija Gregor Podnar presents a selection of the artist’s activity in various mediums. He began his career in 1960 with photographic works and then moved on to produce films, collages, performances and objects. As the author of numerous experimental-documentary films and radical body-art works, Gotovac is a long-time undervalued figure in European post-war avant-garde and a predecessor of the structural and experimental film movement in the 1960s.
The exhibition focuses on three films: Circle [Jutkevič – Count], 1964; Glenn Miller 1 [High School Playground 1], 1977; Glenn Miller 2000, 2000 as outstanding examples in his entire oeuvre. Each film is structured in a circular form representing his carefully planned concept, while visible images are left to chance. Characteristic in his artistic process, he selects one cinematic form and gives it prominence, while neutralising the others. The structural planning of Gotovac’s films is not intended to amaze us with its complexity and novelty, but to encourage the unforeseen, to provoke the coincidence. The form of the film is crucial, the content peripheral. Although these three films can be viewed as sequels of the same concept, each of them is carefully elaborated, unique masterpiece.
Along with the films Circles also shows selected photographs, collages, drawings and objects that directly demonstrate the complex layering of Gotovac’s artistic pratice. He never made any distinction based on the medium. When he couldn’t make films, he made photographs. When he found beauty in everyday objects, he produced exceptional collages or just arranged simple materials into exquisite objects and sculptures. Or even took traces of the cities in which he lived or worked.
Curator: Darko Šimičić
Realisation of the exhibition in collaboration with Tomislav Gotovac Institute, Zagreb
September 16 – November 5, 2016
Opening: Friday, September 16, 2016 | 6 – 9 pm
My life (my art) has been made up of two things: one – observation, gathering (of material), and, two: the search for meaning, a soul (an idea). (T.G., 1990
The first solo exhibition of the Croatian artist Tomislav GOTOVAC (1937 – 2010) at Galerija Gregor Podnar presents a selection of the artist’s activity in various mediums. He began his career in 1960 with photographic works and then moved on to produce films, collages, performances and objects. As the author of numerous experimental-documentary films and radical body-art works, Gotovac is a long-time undervalued figure in European post-war avant-garde and a predecessor of the structural and experimental film movement in the 1960s.
The exhibition focuses on three films: Circle [Jutkevič – Count], 1964; Glenn Miller 1 [High School Playground 1], 1977; Glenn Miller 2000, 2000 as outstanding examples in his entire oeuvre. Each film is structured in a circular form representing his carefully planned concept, while visible images are left to chance. Characteristic in his artistic process, he selects one cinematic form and gives it prominence, while neutralising the others. The structural planning of Gotovac’s films is not intended to amaze us with its complexity and novelty, but to encourage the unforeseen, to provoke the coincidence. The form of the film is crucial, the content peripheral. Although these three films can be viewed as sequels of the same concept, each of them is carefully elaborated, unique masterpiece.
Along with the films Circles also shows selected photographs, collages, drawings and objects that directly demonstrate the complex layering of Gotovac’s artistic pratice. He never made any distinction based on the medium. When he couldn’t make films, he made photographs. When he found beauty in everyday objects, he produced exceptional collages or just arranged simple materials into exquisite objects and sculptures. Or even took traces of the cities in which he lived or worked.
Curator: Darko Šimičić
Realisation of the exhibition in collaboration with Tomislav Gotovac Institute, Zagreb
Opening: Thursday, September 8, 6–8pm
Communal Walk: Friday, September 9 Meeting Place: Josée Bienvenu Gallery at 11:30am
Josée Bienvenu is pleased to present WALKING ARTIST, Hamish Fulton’s first exhibition with the gallery and his first solo show in New York in over a decade. While his drawings, sculpture diagrams, murals, and photographs have led to him be considered a practitioner of Land Art, Fulton considers himself instead as a “walking artist.” Through representations of walking itself, nature is neither conceived as a subliminal “other” existing to be conquered nor as an anthropocentric landscape, nature exists rather to be lived, endured, and left to thrive. In our own lives, Fulton’s journeying through wilderness points to a palpable lack of adventure, unmediated experiences, and connectedness to nature.
In 1973, after walking over 1,000 miles in 47 days from Duncansby Head, Scotland to Land’s End, England, Fulton made the decision to “only make art resulting from the experience of individual walks.” Purposefully made of humble materials like paper, wooden rulers, and photographs, his recreations align with the belief that these walks should directly engage with the environment yet leave no traces upon it. Calls for political justice also recur in Fulton’s work, corresponding to his commitment to individual and artistic freedom.
In this exhibition, Fulton presents a body of work that exemplifies his ongoing commitment to art as a quiet protest against the alienation of people from the natural world. Included are two large scale vinyl works: the first refers to a guided and sherpa assisted climb of Mount Everest using bottled oxygen in 2009, the latter describes a pilgrim circuit of the Barkhor Kora and the Jokhang Temple in Tibet. These bold textual works attest to Fulton’s passion for typography in tandem with his ongoing commitment as a walking artist. Several watercolors are included, evoking walking journeys from Switzerland to Bolivia. Unique black and white gelatin silver prints portray journeys through the Pyrenees from the Atlantic Ocean to the Mediterranean Sea. In the project space, there will be a selection of vintage photographs and small sculptures. For the past 20 years Fulton has devised many group walks, with more than 30 realized transnationally.
Born in 1946 in London, Hamish Fulton lives and works near Canterbury, UK. Fulton studied at the St. Martin’s School of Art, London and the Royal College of Art, London. Select solo exhibitions include Turner Contemporary, Margate, UK (2011); Museo Transfrontaliero del Monte Bianco, Courmayeur, IT (2010); Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz, ES (2009); Center for Contemporary Art, Kitakyshu, JP, and Museum of Modern Art, NY (2006); Museum for Modern and Contemporary Art, Bolzano, IT, and Museion Bolzano, Bozen, IT (2005); Haus Konstruktiv, Zuric, CH (2004); and Tate Britain, London (2002). Select group exhibitions include Ends of the Earth, MOCA, Los Angeles, CA which traveled to the Haus der Kunst, Munich, DE (2012) and the Royal Academy of Arts, London (2011).
Selected public collections include: Tate Gallery, London; Museum of Modern Art, New York; Brooklyn Museum, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Princeton Art Gallery, NJ; Philadelphia Museum of Art, PA; Los Angeles County Museum, CA; Museum of Contemporary Art, San Diego, CA; Eastman House, Rochester, NY; National Gallery of Canada, Ottawa; Metropolitan Museum, Tokyo, JP; National Museum, Osaka, JP; Victoria and Albert Museum, London; Biblioteque National, Paris; IVAM, Valencia, ES; Australian National Gallery, Canberra; Stedelijk Museum, Amsterdam, NL; Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven, NL; Art Gallery of Ontario, Toronto, CA; National Gallery of Scotland, Edinburgh, UK; British Council, London; Kunstmuseum, Basel, CH; Centro Cultural Arte Contemporaneo, Mexico City, MX; Centre d’Art Contemporain, Geneva, CH; Musee de Grenoble, FR; Musee St. Pierre, Lyon, FR; FRAC, Rennes, FR; National Gallery of Iceland, Reykjavík; Museum of Modern Art, Wakayama, JP; Museum Moderner Kunst, Vienna, AT; University of Lethbridge, CA.
Further information: Josée Bienvenue Gallery
Opening: Thursday, September 8, 6–8pm
Communal Walk: Friday, September 9 Meeting Place: Josée Bienvenu Gallery at 11:30am
Josée Bienvenu is pleased to present WALKING ARTIST, Hamish Fulton’s first exhibition with the gallery and his first solo show in New York in over a decade. While his drawings, sculpture diagrams, murals, and photographs have led to him be considered a practitioner of Land Art, Fulton considers himself instead as a “walking artist.” Through representations of walking itself, nature is neither conceived as a subliminal “other” existing to be conquered nor as an anthropocentric landscape, nature exists rather to be lived, endured, and left to thrive. In our own lives, Fulton’s journeying through wilderness points to a palpable lack of adventure, unmediated experiences, and connectedness to nature.
In 1973, after walking over 1,000 miles in 47 days from Duncansby Head, Scotland to Land’s End, England, Fulton made the decision to “only make art resulting from the experience of individual walks.” Purposefully made of humble materials like paper, wooden rulers, and photographs, his recreations align with the belief that these walks should directly engage with the environment yet leave no traces upon it. Calls for political justice also recur in Fulton’s work, corresponding to his commitment to individual and artistic freedom.
In this exhibition, Fulton presents a body of work that exemplifies his ongoing commitment to art as a quiet protest against the alienation of people from the natural world. Included are two large scale vinyl works: the first refers to a guided and sherpa assisted climb of Mount Everest using bottled oxygen in 2009, the latter describes a pilgrim circuit of the Barkhor Kora and the Jokhang Temple in Tibet. These bold textual works attest to Fulton’s passion for typography in tandem with his ongoing commitment as a walking artist. Several watercolors are included, evoking walking journeys from Switzerland to Bolivia. Unique black and white gelatin silver prints portray journeys through the Pyrenees from the Atlantic Ocean to the Mediterranean Sea. In the project space, there will be a selection of vintage photographs and small sculptures. For the past 20 years Fulton has devised many group walks, with more than 30 realized transnationally.
Born in 1946 in London, Hamish Fulton lives and works near Canterbury, UK. Fulton studied at the St. Martin’s School of Art, London and the Royal College of Art, London. Select solo exhibitions include Turner Contemporary, Margate, UK (2011); Museo Transfrontaliero del Monte Bianco, Courmayeur, IT (2010); Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz, ES (2009); Center for Contemporary Art, Kitakyshu, JP, and Museum of Modern Art, NY (2006); Museum for Modern and Contemporary Art, Bolzano, IT, and Museion Bolzano, Bozen, IT (2005); Haus Konstruktiv, Zuric, CH (2004); and Tate Britain, London (2002). Select group exhibitions include Ends of the Earth, MOCA, Los Angeles, CA which traveled to the Haus der Kunst, Munich, DE (2012) and the Royal Academy of Arts, London (2011).
Selected public collections include: Tate Gallery, London; Museum of Modern Art, New York; Brooklyn Museum, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Princeton Art Gallery, NJ; Philadelphia Museum of Art, PA; Los Angeles County Museum, CA; Museum of Contemporary Art, San Diego, CA; Eastman House, Rochester, NY; National Gallery of Canada, Ottawa; Metropolitan Museum, Tokyo, JP; National Museum, Osaka, JP; Victoria and Albert Museum, London; Biblioteque National, Paris; IVAM, Valencia, ES; Australian National Gallery, Canberra; Stedelijk Museum, Amsterdam, NL; Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven, NL; Art Gallery of Ontario, Toronto, CA; National Gallery of Scotland, Edinburgh, UK; British Council, London; Kunstmuseum, Basel, CH; Centro Cultural Arte Contemporaneo, Mexico City, MX; Centre d’Art Contemporain, Geneva, CH; Musee de Grenoble, FR; Musee St. Pierre, Lyon, FR; FRAC, Rennes, FR; National Gallery of Iceland, Reykjavík; Museum of Modern Art, Wakayama, JP; Museum Moderner Kunst, Vienna, AT; University of Lethbridge, CA.
Further information: Josée Bienvenue Gallery
SANJA IVEKOVIĆ - PEARLS OF REVOLUTION2nd September – 10th October 2016Galleries Luka, MUL i Anex, Istarska 30, Pula, CroatiaCurators: Sanja Iveković i Dorina VlakančićPEARLS OF REVOLUTION is an exhibition, practically a mini-retrospective, of the work of Sanja Iveković which has gradually developed during the last two years. From the initial idea, entirely limited just to the front space of the Luka Gallery, a very exciting project has been built and it is now occupyng all three gallery spaces at Istarska 30. The project deals with Sanja's works in time frame from 1974 until 2010.The exhibition brings together a historic group of single-channel videos, media installations, prints, conceptual photomontages including Sweet Violence (1974), Looking at(1974), Personal Cuts (1982), Lighthouse (1987-2001), GENXX series (1997–1998), Nada Dimić File (2000), Rohrbach Living Memorial (2005), Invisible Women of Solidarity(2009), and more. The Right One (Pearls Of Revolution) will be shown to the Croatian public for the very first time, as will be the case with Invisible Women of Solidarity (6 out of 5 million).Rochbach Living Memorial will also have its Croatian premiere in Pula.As art historian Vesna Vuković says, ˝Sanja Iveković has questioned and provoked dichotomy of the public and private since her first works, from the early 1970s (these are concepts that, since the ancient Greece, have related private to necessity and – it does not need to be emphasized – to space that is occupied by women, children, and slaves, and the public as a sphere that starts exactly where any necessity ceases and in which citizens discuss about things apart from and beyond mere life, things bereft of personal or private interests) and has constructed all of her works on the ruins of this myth.(..) The turnover that appeared in the format of Sanja’s works after the mid 1990-ies, time when she started to step forward to the public space more and more (the conventionally understood one, in other words, a democratic public space as a permanent sphere in which citizens participate in rational discussion on equal grounds, as a sphere of general inclusiveness and accessibility), seems to me as crucial for her artistic procedure. The importance of this turnover is not the fact that her work “shifted” to the public sphere at that time, but it is the fact that since that time her works started to deal with Yugoslav antifascist history which was, in the construction of the new national identity, repressed as a trauma, banned from public discourse, public space, school books… all part of national euphoria in which history started all over again. Sanja Iveković has persistently been exhibiting exactly this banned history, repressed political fights: “GENE XX is truly ‘site-specific’ public manifestation (Croatia, late 1990-ies), but it is also a ‘time-specific’ attempt to reveal processes that happened in all other post-communist ‘democracies’ which aspired, without exception, to erase any possible connection with the past.”Analyses could be continued and extended to the entire opus of Sanja Iveković dedicated to themes of gender, identity, and memory in which they are deconstructed and re-edited by means of the artistic procedure of “personal cuts,” all this in order to show/reveal their social conditioning. In works of Sanja Iveković these three large themes are interwoven and reported as supports of the same myth about allegedly neutral public sphere. “Cuts” by this artist tore open the surface and have revealed traces of exclusions that blur harmonious image of the public space.˝Sanja Iveković was born in 1949 in Zagreb where she graduated from the Academy of Fine Arts. She has exhibited in numerous group exhibitions in Croatia and abroad (Paris Biennale, Manifesta, Documenta, Liverpool Biennial, Prague Biennale, Istanbul Biennale, etc.) and she has had retrospective exhibitions in Innsbruck, Berlin, Cologne, Geotheburgu, Barcelona, New York, Luxembourg and London. Sanja's video works and video installations have been screened at numerous international festivals and events in Europe, USA, Canada, Japan and Thailand. Symposiums on the work of Iveković were held in Hofburg (Innsbruck, 2001), Koelenischer Kunstverein (Cologne 2006), Antoni Tapies Foundation (Barcelona 2007), Van Abbemuseum (Eindhoven, 2009), MoMA (New York, 2011), the Royal College of Art (London, 2013).In her artistic pratice, Sanja is exploring and probing socio-political themes, focusing on strategies and methods of resistance to the ruling relations of power, while the main characteristic of her work is to speak from the position of the female subject. In addition to her artistic activity, she is engaged in women's activism and is the founder and member of several women's NGOs.Also, during the exhibition PEARLS OF REVOLUTION:Talk with the artist – Thursday, 6th October 2016 at 12:00The official catalogue presentation – Thursday, 6th October 2016 at 20:00Text for the catalogue was written by the art historian Vesna Vuković, while Rafela Dražić is signing the design of the catalogue and visual identity for the exhibition.Guiding tours within MARTA, educational platform of HDLU Istre for promoting art development of children and youth – as per application (phone 098 46 47 41)Guiding tours – for all visitors, on Saturdays and Sundays at 12:00Gallery working hours:Tue – Fri 10:00 – 18:00Sat – Sun 10:00 – 14:00The exhibition was funded and supported by: City of Pula, Istria County, Croatian Ministry of Culture, Tourism Office Pula, Fabrika and Ara Electronic.Project leader: Croatian Association of Artists of Istria, www.hdluistre.hr
SANJA IVEKOVIĆ - PEARLS OF REVOLUTION2nd September – 10th October 2016Galleries Luka, MUL i Anex, Istarska 30, Pula, CroatiaCurators: Sanja Iveković i Dorina VlakančićPEARLS OF REVOLUTION is an exhibition, practically a mini-retrospective, of the work of Sanja Iveković which has gradually developed during the last two years. From the initial idea, entirely limited just to the front space of the Luka Gallery, a very exciting project has been built and it is now occupyng all three gallery spaces at Istarska 30. The project deals with Sanja's works in time frame from 1974 until 2010.The exhibition brings together a historic group of single-channel videos, media installations, prints, conceptual photomontages including Sweet Violence (1974), Looking at(1974), Personal Cuts (1982), Lighthouse (1987-2001), GENXX series (1997–1998), Nada Dimić File (2000), Rohrbach Living Memorial (2005), Invisible Women of Solidarity(2009), and more. The Right One (Pearls Of Revolution) will be shown to the Croatian public for the very first time, as will be the case with Invisible Women of Solidarity (6 out of 5 million).Rochbach Living Memorial will also have its Croatian premiere in Pula.As art historian Vesna Vuković says, ˝Sanja Iveković has questioned and provoked dichotomy of the public and private since her first works, from the early 1970s (these are concepts that, since the ancient Greece, have related private to necessity and – it does not need to be emphasized – to space that is occupied by women, children, and slaves, and the public as a sphere that starts exactly where any necessity ceases and in which citizens discuss about things apart from and beyond mere life, things bereft of personal or private interests) and has constructed all of her works on the ruins of this myth.(..) The turnover that appeared in the format of Sanja’s works after the mid 1990-ies, time when she started to step forward to the public space more and more (the conventionally understood one, in other words, a democratic public space as a permanent sphere in which citizens participate in rational discussion on equal grounds, as a sphere of general inclusiveness and accessibility), seems to me as crucial for her artistic procedure. The importance of this turnover is not the fact that her work “shifted” to the public sphere at that time, but it is the fact that since that time her works started to deal with Yugoslav antifascist history which was, in the construction of the new national identity, repressed as a trauma, banned from public discourse, public space, school books… all part of national euphoria in which history started all over again. Sanja Iveković has persistently been exhibiting exactly this banned history, repressed political fights: “GENE XX is truly ‘site-specific’ public manifestation (Croatia, late 1990-ies), but it is also a ‘time-specific’ attempt to reveal processes that happened in all other post-communist ‘democracies’ which aspired, without exception, to erase any possible connection with the past.”Analyses could be continued and extended to the entire opus of Sanja Iveković dedicated to themes of gender, identity, and memory in which they are deconstructed and re-edited by means of the artistic procedure of “personal cuts,” all this in order to show/reveal their social conditioning. In works of Sanja Iveković these three large themes are interwoven and reported as supports of the same myth about allegedly neutral public sphere. “Cuts” by this artist tore open the surface and have revealed traces of exclusions that blur harmonious image of the public space.˝Sanja Iveković was born in 1949 in Zagreb where she graduated from the Academy of Fine Arts. She has exhibited in numerous group exhibitions in Croatia and abroad (Paris Biennale, Manifesta, Documenta, Liverpool Biennial, Prague Biennale, Istanbul Biennale, etc.) and she has had retrospective exhibitions in Innsbruck, Berlin, Cologne, Geotheburgu, Barcelona, New York, Luxembourg and London. Sanja's video works and video installations have been screened at numerous international festivals and events in Europe, USA, Canada, Japan and Thailand. Symposiums on the work of Iveković were held in Hofburg (Innsbruck, 2001), Koelenischer Kunstverein (Cologne 2006), Antoni Tapies Foundation (Barcelona 2007), Van Abbemuseum (Eindhoven, 2009), MoMA (New York, 2011), the Royal College of Art (London, 2013).In her artistic pratice, Sanja is exploring and probing socio-political themes, focusing on strategies and methods of resistance to the ruling relations of power, while the main characteristic of her work is to speak from the position of the female subject. In addition to her artistic activity, she is engaged in women's activism and is the founder and member of several women's NGOs.Also, during the exhibition PEARLS OF REVOLUTION:Talk with the artist – Thursday, 6th October 2016 at 12:00The official catalogue presentation – Thursday, 6th October 2016 at 20:00Text for the catalogue was written by the art historian Vesna Vuković, while Rafela Dražić is signing the design of the catalogue and visual identity for the exhibition.Guiding tours within MARTA, educational platform of HDLU Istre for promoting art development of children and youth – as per application (phone 098 46 47 41)Guiding tours – for all visitors, on Saturdays and Sundays at 12:00Gallery working hours:Tue – Fri 10:00 – 18:00Sat – Sun 10:00 – 14:00The exhibition was funded and supported by: City of Pula, Istria County, Croatian Ministry of Culture, Tourism Office Pula, Fabrika and Ara Electronic.Project leader: Croatian Association of Artists of Istria, www.hdluistre.hr
EVERYTHING HAPPENS SOMEWHERE LANDSCHAFTSSTRATEGIEN
2 SEPTEMBER – 5 NOVEMBER 2016
On the occasion of this year’s gallery weekend, Galerie Thomas Zander is pleased to present a group exhibition focussing on artistic landscape strategies that features works by Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Victor Burgin, Braco Dimitrijević, Peter Downsbrough, Mitch Epstein, Lee Friedlander, Andrea Geyer, Anthony Hernandez, Anthony McCall, Dieter Meier, Masao Mochizuki, Max Regenberg, Tata Ronkholz, Ed Ruscha, Michael Schmidt, Stephen Shore, Robert Smithson/Gianfranco Gorgoni, Larry Sultan, Henry Wessel among others. The exhibition offers a discourse on the concept of landscape and introduces various perspec- tives on the wide-ranging subject—from the New Topographics movement and conceptual photography to land art and experimental film.
In a contemporary context, landscape is no longer seen only as a geographical territory or an aesthetic ideal but as an eclectic composite of nature and culture constantly in flux that mirrors the heterogeneous and instable human environments. Space itself is characterised as a medium of social practices. Cultural processes inscribe meaning into places and thus produce new forms of landscapes. The seminal photography exhibition New Topographics of 1975 is an expression of this new understanding of a “man-altered landscape” and has been a major influence on art beyond the boundaries of photography ever since. The photographs of the participating artists Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Stephen Shore and Henry Wessel depict modern housing and industrial development in a style that is as austere as their subject, yet at its core they touch on human living conditions and values. Around the same time, Lee Friedlander moves through the urban landscape, through the simultaneousness and chaos of signs. In his series The American Monument he photographs statues hardly noticeable between advertisements, his complex inclusive compositions representing the urban landscape in the form of aesthetic, yet impenetrable structure. Ed Ruscha ironically responds to the (un-) readability of the postmodern landscape by visually cataloguing its vernacular architectural patterns such as parking lots, gas stations and streets. The early work Untitled (25 feet) by Victor Burgin further abstracts the desire for order and overview by documenting the act of surveying and archiving itself. Here photography becomes an instrument of mapping and actively participates in the production of space. Anthony McCall, too, performatively creates a landscape in his film Landscape for Fire (1972), which records a grid of small fires being lit consecutively. As a special excursus on the subject of cartography the current exhibition showcases two photographic star atlases from the 1910s and 1920s: one by Edward Barnard, who secured the first photograph of the intricate structures of the Milky Way, the other are the skyscapes by two pioneers of astrophotography, Johann Palisa and Max Wolf.
Land art is another landscape strategy that evolved in 1970’s in reaction to the overly anthropomorphic tendencies in sculpture. Robert Smithson’s Spiral Jetty of 1970 (a year after the first moon landing) is a site- specific land sculpture, which due to its coiled shape unsettles the observers’ perception of scale depending on the viewpoint, thus denying the reference value of the human figure. Bosnian conceptual artist Braco Dimitrijević also qualifies the weight of particular places or personalities and proclaims a state of post history characterised by a coexistence of different values. The exhibited marble plate bears the inscription “This could be a place of historical importance“, which symbolises that every place has the potential for meaning.
In contrast to the strategies of objectifying or relativising, Larry Sultan conceptualises landscape as a psychological, identity building construct. Having grown up in California’s San Fernando Valley, he documented the sets of porn films shot in private homes in his series The Valley between 1998 and 2003. His photographs explore the contradictions, fictions and gaps of suburban family life. Lewis Baltz poses the question of the visibility of landscape phenomena in his series 89-91 Sites of Technology with its arcane landscapes of the information age, its large-capacity computers and cooling tanks of nuclear research centres. The images of sterile surfaces and surveillance camera footage of the premises only shows the essential invisibility of the actual processes and power structures in place, which today are more relevant than ever. In American Power (2003- 2008) Mitch Epstein evokes the grand tradition of American landscape photography and delivers a survey in landscape format of the industrial exploitation of the land and its energy sources. Just as Mitch Epstein’s large- format photographs reference the landscape tradition and disrupt it at the same time, all the works brought together in this exhibition leave their mark on our notion of what landscape is and in turn help to further shape the idea of landscape.
Courtesy by Galerie Thomas Zander. Cologne
More information: Everything happens somewhere
EVERYTHING HAPPENS SOMEWHERE LANDSCHAFTSSTRATEGIEN
2 SEPTEMBER – 5 NOVEMBER 2016
On the occasion of this year’s gallery weekend, Galerie Thomas Zander is pleased to present a group exhibition focussing on artistic landscape strategies that features works by Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Victor Burgin, Braco Dimitrijević, Peter Downsbrough, Mitch Epstein, Lee Friedlander, Andrea Geyer, Anthony Hernandez, Anthony McCall, Dieter Meier, Masao Mochizuki, Max Regenberg, Tata Ronkholz, Ed Ruscha, Michael Schmidt, Stephen Shore, Robert Smithson/Gianfranco Gorgoni, Larry Sultan, Henry Wessel among others. The exhibition offers a discourse on the concept of landscape and introduces various perspec- tives on the wide-ranging subject—from the New Topographics movement and conceptual photography to land art and experimental film.
In a contemporary context, landscape is no longer seen only as a geographical territory or an aesthetic ideal but as an eclectic composite of nature and culture constantly in flux that mirrors the heterogeneous and instable human environments. Space itself is characterised as a medium of social practices. Cultural processes inscribe meaning into places and thus produce new forms of landscapes. The seminal photography exhibition New Topographics of 1975 is an expression of this new understanding of a “man-altered landscape” and has been a major influence on art beyond the boundaries of photography ever since. The photographs of the participating artists Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Stephen Shore and Henry Wessel depict modern housing and industrial development in a style that is as austere as their subject, yet at its core they touch on human living conditions and values. Around the same time, Lee Friedlander moves through the urban landscape, through the simultaneousness and chaos of signs. In his series The American Monument he photographs statues hardly noticeable between advertisements, his complex inclusive compositions representing the urban landscape in the form of aesthetic, yet impenetrable structure. Ed Ruscha ironically responds to the (un-) readability of the postmodern landscape by visually cataloguing its vernacular architectural patterns such as parking lots, gas stations and streets. The early work Untitled (25 feet) by Victor Burgin further abstracts the desire for order and overview by documenting the act of surveying and archiving itself. Here photography becomes an instrument of mapping and actively participates in the production of space. Anthony McCall, too, performatively creates a landscape in his film Landscape for Fire (1972), which records a grid of small fires being lit consecutively. As a special excursus on the subject of cartography the current exhibition showcases two photographic star atlases from the 1910s and 1920s: one by Edward Barnard, who secured the first photograph of the intricate structures of the Milky Way, the other are the skyscapes by two pioneers of astrophotography, Johann Palisa and Max Wolf.
Land art is another landscape strategy that evolved in 1970’s in reaction to the overly anthropomorphic tendencies in sculpture. Robert Smithson’s Spiral Jetty of 1970 (a year after the first moon landing) is a site- specific land sculpture, which due to its coiled shape unsettles the observers’ perception of scale depending on the viewpoint, thus denying the reference value of the human figure. Bosnian conceptual artist Braco Dimitrijević also qualifies the weight of particular places or personalities and proclaims a state of post history characterised by a coexistence of different values. The exhibited marble plate bears the inscription “This could be a place of historical importance“, which symbolises that every place has the potential for meaning.
In contrast to the strategies of objectifying or relativising, Larry Sultan conceptualises landscape as a psychological, identity building construct. Having grown up in California’s San Fernando Valley, he documented the sets of porn films shot in private homes in his series The Valley between 1998 and 2003. His photographs explore the contradictions, fictions and gaps of suburban family life. Lewis Baltz poses the question of the visibility of landscape phenomena in his series 89-91 Sites of Technology with its arcane landscapes of the information age, its large-capacity computers and cooling tanks of nuclear research centres. The images of sterile surfaces and surveillance camera footage of the premises only shows the essential invisibility of the actual processes and power structures in place, which today are more relevant than ever. In American Power (2003- 2008) Mitch Epstein evokes the grand tradition of American landscape photography and delivers a survey in landscape format of the industrial exploitation of the land and its energy sources. Just as Mitch Epstein’s large- format photographs reference the landscape tradition and disrupt it at the same time, all the works brought together in this exhibition leave their mark on our notion of what landscape is and in turn help to further shape the idea of landscape.
Courtesy by Galerie Thomas Zander. Cologne
More information: Everything happens somewhere
Hamish Fulton, 1946
Hitchhiking Times from London to Andorra and from Andorra to London, 9–15 April 1967
This work structures Fulton’s journey as a sequence of dates, times and places (starting and drop-off points). His presentation of factual data to document and reflect on the trip demands an engagement from the viewer far removed from the act of looking that a modernist sculpture would command. Apart from this data and two photographs, the work points to an experience that is otherwise absent for the viewer. It describes a direct and particular engagement with the world, yet all that is offered is a bare summary of that activity. The viewer is left with their own imagination and experiences to expand on what this data may point to.
A Condor, 1972
A Condor was made following a walk in Bolivia with Richard Long (they also visited Peru and Chile). Three photographs show snatched moments: a sunset at Lake Titicaca, a view from 20,000 feet up Mount Illampu just east of Lake Titicaca, and a shadow line in the snow made up of four reeds from the banks of the lake and four pelican feathers. The photographs and accompanying text punctuate and offer a reflection on a walk from lakeside to mountainside, but also foreground time as a material (from sunset to shadow line). The condor that circled around them up the mountainside is named but not described nor pictured.
It is a connection, an emotional experience, which can only be imagined through the photographic work.
Braco Dimitrijević, 1948
The Casual Passer By I Met at 11.28 am, London, October 1972
This work belongs to a series Braco Dimitrijević initiated in 1969 in Zagreb, Croatia (then Yugoslavia), and continued when he moved to London in 1971 to study at St Martin’s School of Art. Here, Dimitrijević photographed a man he encountered outside St Martin’s. The photograph was displayed as a poster on the No.14 bus – a bus that passed directly in front of St Martin’s on its route. As Dimitrijević explained ‘I came to use Bus No.14 so that I would have my show passing through the city via St Martin’s every 20 minutes.
More info: Conceptual Art in Britain.
Hamish Fulton, 1946
Hitchhiking Times from London to Andorra and from Andorra to London, 9–15 April 1967
This work structures Fulton’s journey as a sequence of dates, times and places (starting and drop-off points). His presentation of factual data to document and reflect on the trip demands an engagement from the viewer far removed from the act of looking that a modernist sculpture would command. Apart from this data and two photographs, the work points to an experience that is otherwise absent for the viewer. It describes a direct and particular engagement with the world, yet all that is offered is a bare summary of that activity. The viewer is left with their own imagination and experiences to expand on what this data may point to.
A Condor, 1972
A Condor was made following a walk in Bolivia with Richard Long (they also visited Peru and Chile). Three photographs show snatched moments: a sunset at Lake Titicaca, a view from 20,000 feet up Mount Illampu just east of Lake Titicaca, and a shadow line in the snow made up of four reeds from the banks of the lake and four pelican feathers. The photographs and accompanying text punctuate and offer a reflection on a walk from lakeside to mountainside, but also foreground time as a material (from sunset to shadow line). The condor that circled around them up the mountainside is named but not described nor pictured.
It is a connection, an emotional experience, which can only be imagined through the photographic work.
Braco Dimitrijević, 1948
The Casual Passer By I Met at 11.28 am, London, October 1972
This work belongs to a series Braco Dimitrijević initiated in 1969 in Zagreb, Croatia (then Yugoslavia), and continued when he moved to London in 1971 to study at St Martin’s School of Art. Here, Dimitrijević photographed a man he encountered outside St Martin’s. The photograph was displayed as a poster on the No.14 bus – a bus that passed directly in front of St Martin’s on its route. As Dimitrijević explained ‘I came to use Bus No.14 so that I would have my show passing through the city via St Martin’s every 20 minutes.
More info: Conceptual Art in Britain.
Nos entristece tener que comunicar que nuestro querido artista Mladen Stilinović (Belgrado, 1947) y una de las principales figuras de la llamada "Práctica Arte Nuevo”, falleció ayer 18 de julio en Pula, Croacia, lugar donde desarrolló su carrera artística.
Mladen fue uno de los miembros fundadores de la neo-vanguardia informal, Grupo de los Seis Artistas (Grupa šestorice Autora) que promovieron la idea como la base de una obra de arte. El trabajo de Stilinović se ha caracterizado por el empleo de materiales de uso cotidiano, basándose en la idea de la crítica social y el cuestionamiento del papel del arte.
Su ingenio e ironía quedará para siempre plasmado en su creación artística y en nuestra memoria. Hoy recordamos con cariño el tiempo que compartimos con él, con motivo de la exposición May Day realizada en mayo de 2014.
Nos entristece tener que comunicar que nuestro querido artista Mladen Stilinović (Belgrado, 1947) y una de las principales figuras de la llamada "Práctica Arte Nuevo”, falleció ayer 18 de julio en Pula, Croacia, lugar donde desarrolló su carrera artística.
Mladen fue uno de los miembros fundadores de la neo-vanguardia informal, Grupo de los Seis Artistas (Grupa šestorice Autora) que promovieron la idea como la base de una obra de arte. El trabajo de Stilinović se ha caracterizado por el empleo de materiales de uso cotidiano, basándose en la idea de la crítica social y el cuestionamiento del papel del arte.
Su ingenio e ironía quedará para siempre plasmado en su creación artística y en nuestra memoria. Hoy recordamos con cariño el tiempo que compartimos con él, con motivo de la exposición May Day realizada en mayo de 2014.
El núcleo de un museo es una colección: su colección. La colección es el símbolo patrimonial de una memoria cultural. Un territorio y una cultura construyen su identidad desde la memoria.Para que la memoria sea activa y no nostálgica debe ser crítica y autocrítica, dispuesta a revisarse de manera permanente. La función de un museo es crear una memoria y mantenerla viva a través de una incesante relectura, interpretación e investigación, que cuestione, que incida en las perspectivas difíciles. Las exposiciones temporales están íntimamente conectadas y ligadas a la colección porque son otra vertiente de la memoria del museo, una forma de enriquecer la colección y una manera de poder acompañar a los artistas más cercanos, aquellos que contribuyen al enriquecimiento simbólico de la cultura.
Dentro de este proyecto de revisión y contextualización de la colección se presentan tres propuestas expositivas, en las que se desarrollan temáticas diferentes y que incorporan diálogos cruzados con otras colecciones tanto públicas como privadas vinculadas con el CGAC y con Galicia: colecciones públicas y privadas gallegas, colecciones de museos con los que el CGAC comparte coproducciones de exposiciones temporales (CAAC de Sevilla y MUN de Pamplona) o colecciones que han mantenido una especial conexión con el CGAC como la Colección ARCO y su sede actual el CA2M de Móstoles.
Texto extraído del CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEA
Más información en: "Releer la Colección" CGAC.
El núcleo de un museo es una colección: su colección. La colección es el símbolo patrimonial de una memoria cultural. Un territorio y una cultura construyen su identidad desde la memoria.Para que la memoria sea activa y no nostálgica debe ser crítica y autocrítica, dispuesta a revisarse de manera permanente. La función de un museo es crear una memoria y mantenerla viva a través de una incesante relectura, interpretación e investigación, que cuestione, que incida en las perspectivas difíciles. Las exposiciones temporales están íntimamente conectadas y ligadas a la colección porque son otra vertiente de la memoria del museo, una forma de enriquecer la colección y una manera de poder acompañar a los artistas más cercanos, aquellos que contribuyen al enriquecimiento simbólico de la cultura.
Dentro de este proyecto de revisión y contextualización de la colección se presentan tres propuestas expositivas, en las que se desarrollan temáticas diferentes y que incorporan diálogos cruzados con otras colecciones tanto públicas como privadas vinculadas con el CGAC y con Galicia: colecciones públicas y privadas gallegas, colecciones de museos con los que el CGAC comparte coproducciones de exposiciones temporales (CAAC de Sevilla y MUN de Pamplona) o colecciones que han mantenido una especial conexión con el CGAC como la Colección ARCO y su sede actual el CA2M de Móstoles.
Texto extraído del CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEA
Más información en: "Releer la Colección" CGAC.
Recuperamos, gracias a la Revista Atlas, la conferencia de Luis González Palma que tuvo lugar, el pasado mes de mayo, en Chile.
El artista fue invitado por la Galería EKHO y por el Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la Universidad Finis Terrae, con los que mantuvo una conversación, donde compartió su experiencia y reflexiones sobre sus proyectos fotográficos.
Tal y como nos relatan en la revista Atlas, en la conversación González Palma invitó a recorrer su obra confesando sus motivaciones, miedos y obsesiones, dejando apreciar un itinerario de trabajo fotográfico donde la imagen no sólo ha circulado en su dimensión simbólica o indicial, sino también desde su estatuto material, incorporando diversos elementos como betún de judea o láminas de oro; buscando la experimentación con los soportes, desde la bidimensionalidad hasta una noción escultórica y espacial de la imagen; y tensionando los entornos en que ésta se exhibe, el museo o la calle.
Para más detalles os invitamos a leer el artículo publicado en Atlas.
“Siento que hacer buenas fotos es extremadamente fácil. No hay nada de complicado en hacer una buena foto, pero lo difícil es hacer una imagen con sentido, es decir una imagen cargada con capas de emoción. A mí me interesa hacer una imagen que más que ser vista sea sentida (…); hacer una imagen en la que tú te reconozcas, por un lado, y por otro lado te pierdas.”
Luis González Palma.
Recuperamos, gracias a la Revista Atlas, la conferencia de Luis González Palma que tuvo lugar, el pasado mes de mayo, en Chile.
El artista fue invitado por la Galería EKHO y por el Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la Universidad Finis Terrae, con los que mantuvo una conversación, donde compartió su experiencia y reflexiones sobre sus proyectos fotográficos.
Tal y como nos relatan en la revista Atlas, en la conversación González Palma invitó a recorrer su obra confesando sus motivaciones, miedos y obsesiones, dejando apreciar un itinerario de trabajo fotográfico donde la imagen no sólo ha circulado en su dimensión simbólica o indicial, sino también desde su estatuto material, incorporando diversos elementos como betún de judea o láminas de oro; buscando la experimentación con los soportes, desde la bidimensionalidad hasta una noción escultórica y espacial de la imagen; y tensionando los entornos en que ésta se exhibe, el museo o la calle.
Para más detalles os invitamos a leer el artículo publicado en Atlas.
“Siento que hacer buenas fotos es extremadamente fácil. No hay nada de complicado en hacer una buena foto, pero lo difícil es hacer una imagen con sentido, es decir una imagen cargada con capas de emoción. A mí me interesa hacer una imagen que más que ser vista sea sentida (…); hacer una imagen en la que tú te reconozcas, por un lado, y por otro lado te pierdas.”
Luis González Palma.
Temporary Dwellings, created between 1974 and 1977, were the subject of an exhibition in a cutural center in Grenoble, which gave them their name. A dozen boards, composed of photographs, objects and drawings are accompanied by videos. In 1978, interviews with Turish workers, made as part of an exhibition at Lavuun gallery in Ghent, in Flemish Belgium, complete the series. Finally, in a permanent reworking, Nil Yalter recreated an installation of a dozen of these panels and videos’ extracts related to immigrant issues in 2011 for an exhibition at Hubert Winter gallery in Vienna, Austria. Seven of these panels and four extracts from videos have been purchased by the Tate Modern in 2012. This last assembly includes an excerpt from Diyarba. kir-Mardin-Istanbul (2005), Exile is a Hard Job (1983), Immigration and the New Town (1979) and from Temporary Dwellings (Servenoble and L’Isle d’Abeau, 1977).
Más información:
Temporary Dwellings. 1974-77. Tate.
Temporary Dwellings, created between 1974 and 1977, were the subject of an exhibition in a cutural center in Grenoble, which gave them their name. A dozen boards, composed of photographs, objects and drawings are accompanied by videos. In 1978, interviews with Turish workers, made as part of an exhibition at Lavuun gallery in Ghent, in Flemish Belgium, complete the series. Finally, in a permanent reworking, Nil Yalter recreated an installation of a dozen of these panels and videos’ extracts related to immigrant issues in 2011 for an exhibition at Hubert Winter gallery in Vienna, Austria. Seven of these panels and four extracts from videos have been purchased by the Tate Modern in 2012. This last assembly includes an excerpt from Diyarba. kir-Mardin-Istanbul (2005), Exile is a Hard Job (1983), Immigration and the New Town (1979) and from Temporary Dwellings (Servenoble and L’Isle d’Abeau, 1977).
Más información:
Temporary Dwellings. 1974-77. Tate.
COLECCIÓN XIII. HACIA UN NUEVO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
Inauguración 23 de junio, a partir de las 19 horas.
Del 24 de junio al 25 de septiembre de 2016
Comisariado por Sergio Rubira
Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo es una exposición que se plantea como un ensayo de laboratorio y una forma de investigar sobre los dispositivos de exposición que se han utilizado en algunos de los museos públicos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid. Se utilizará la colección del CA2M y de la Fundación ARCO para examinar algunos de estos montajes. No se trata tanto de reconstruirlos, como de probar cómo funcionarían hoy esas formas de montar, intentando evidenciar cómo la percepción y el significado de las obras de arte quedan condicionados por el modo en el que se exhiben. Estos dispositivos traducían la idea que se tenía de arte, exposición y espectador en las épocas en las que se desarrollaron e incluso pueden vincularse a la representación del poder, asociándose al concepto de autoridad, y a la construcción de identidades. Se convirtieron en un elemento que mediaba y modificaba la interpretación de las obras.
La exposición toma en préstamo el título de la que se inauguró en 1959 en el MoMA de Nueva York y que se llamó Toward the New Museum of Modern Art (Hacia el Nuevo Museo de Arte Moderno). Fue comisariada por Alfred H. Barr Jr., que no sólo impuso el modo en el que debía entenderse la evolución del arte desde las Vanguardias, sino también la manera en la que tenían que verse, incluso mirarse, estas nuevas formas artísticas, desarrollando el montaje en el cubo blanco. Sin embargo, la muestra rompía con ese tipo de montaje supuestamente neutro y objetivo al que se había acostumbrado el público para recuperar la manera abigarrada en que se colgaba en los museos decimonónicos. Su intención era dramatizar la falta de espacio y evidenciar que se hacía necesaria una ampliación del museo utilizando los recursos que el montaje le permitía, siendo muy consciente de que la instalación es un lenguaje.
Se ha tomado también este año como fecha en la que se cierra la investigación sobre los modos de montar en los museos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid, ya que fue en 1959 cuando se inauguró el Museo de Arte Contemporáneo en Madrid, el primero que se abrió con esta denominación específica. Los dispositivos creados para este museo por su primer director, José Luis Fernández del Amo –tanto los pensados para mostrar la colección, como los de la sala de exposiciones temporales, la llamada Sala Negra– serán algunos de los casos de estudio.
La exposición comienza con la recreación del montaje del Museo del Prado, fundado en 1819; un museo que desde el comienzo dedicó espacio a las obras de artistas vivos, como demuestran sus primeros catálogos. Continúa con el Museo de Arte Moderno, inaugurado en 1898, a petición de los propios artistas de la época que demandaban un espacio propio, y con el proyecto no realizado que el arquitecto Fernando García Mercadal hizo para un «nuevo Museo de Arte Moderno» durante los años de la II República y que recibió el Premio Nacional de Arquitectura en 1933.
ARTISTAS
Alberto, Karel Appel, Ibon Aranberri, Elena Asins, Dis Berlin, James Bishop, Bleda y Rosa, Elina Brotherus, Javier Campano, Joan Cardells, Ceesepe, Chema Cobo, Costus, John Chamberlain, Hanne Darboven, Thomas Demand,b Equipo 57, Esther Ferrer, Joan Fontcuberta, Alberto García Alix, Pablo Gargallo, David Goldblatt, Julio González, Rodney Graham,Katharina Grosse, Arturo Herrera, Roni Horn, El Hortelano, Axel Hütte, Concha Jerez, Anish Kapoor, Lucia Koch, Luisa Lambri, Teresa Lanceta, Ouka Leele, Sol Lewitt, Lucebert, Sigfrido Martín Begué, Ana Mendieta, Mitsuo Miura, Antoni Muntadas, Nazario, Ortega Muñoz, Jorge Oteiza, Pablo Palazuelo, Perejaume, Adrian Piper, Georges Rousse, Antonio Saura, Néstor Sanmiguel Diest, Carolee Schneemann, Kiki Seror, Soledad Sevilla, Melanie Smith, Susana Solano, Jesús Rafael Soto, Antoni Tàpies, Frank Thiel, Wolfgang Tillmans, Francesc Torres, Miguel Trillo, Dario Urzay, Eulàlia Valldosera, Patricio Vélez.
Más información en: Centro de Arte Dos de Mayo.
COLECCIÓN XIII. HACIA UN NUEVO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
Inauguración 23 de junio, a partir de las 19 horas.
Del 24 de junio al 25 de septiembre de 2016
Comisariado por Sergio Rubira
Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo es una exposición que se plantea como un ensayo de laboratorio y una forma de investigar sobre los dispositivos de exposición que se han utilizado en algunos de los museos públicos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid. Se utilizará la colección del CA2M y de la Fundación ARCO para examinar algunos de estos montajes. No se trata tanto de reconstruirlos, como de probar cómo funcionarían hoy esas formas de montar, intentando evidenciar cómo la percepción y el significado de las obras de arte quedan condicionados por el modo en el que se exhiben. Estos dispositivos traducían la idea que se tenía de arte, exposición y espectador en las épocas en las que se desarrollaron e incluso pueden vincularse a la representación del poder, asociándose al concepto de autoridad, y a la construcción de identidades. Se convirtieron en un elemento que mediaba y modificaba la interpretación de las obras.
La exposición toma en préstamo el título de la que se inauguró en 1959 en el MoMA de Nueva York y que se llamó Toward the New Museum of Modern Art (Hacia el Nuevo Museo de Arte Moderno). Fue comisariada por Alfred H. Barr Jr., que no sólo impuso el modo en el que debía entenderse la evolución del arte desde las Vanguardias, sino también la manera en la que tenían que verse, incluso mirarse, estas nuevas formas artísticas, desarrollando el montaje en el cubo blanco. Sin embargo, la muestra rompía con ese tipo de montaje supuestamente neutro y objetivo al que se había acostumbrado el público para recuperar la manera abigarrada en que se colgaba en los museos decimonónicos. Su intención era dramatizar la falta de espacio y evidenciar que se hacía necesaria una ampliación del museo utilizando los recursos que el montaje le permitía, siendo muy consciente de que la instalación es un lenguaje.
Se ha tomado también este año como fecha en la que se cierra la investigación sobre los modos de montar en los museos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid, ya que fue en 1959 cuando se inauguró el Museo de Arte Contemporáneo en Madrid, el primero que se abrió con esta denominación específica. Los dispositivos creados para este museo por su primer director, José Luis Fernández del Amo –tanto los pensados para mostrar la colección, como los de la sala de exposiciones temporales, la llamada Sala Negra– serán algunos de los casos de estudio.
La exposición comienza con la recreación del montaje del Museo del Prado, fundado en 1819; un museo que desde el comienzo dedicó espacio a las obras de artistas vivos, como demuestran sus primeros catálogos. Continúa con el Museo de Arte Moderno, inaugurado en 1898, a petición de los propios artistas de la época que demandaban un espacio propio, y con el proyecto no realizado que el arquitecto Fernando García Mercadal hizo para un «nuevo Museo de Arte Moderno» durante los años de la II República y que recibió el Premio Nacional de Arquitectura en 1933.
ARTISTAS
Alberto, Karel Appel, Ibon Aranberri, Elena Asins, Dis Berlin, James Bishop, Bleda y Rosa, Elina Brotherus, Javier Campano, Joan Cardells, Ceesepe, Chema Cobo, Costus, John Chamberlain, Hanne Darboven, Thomas Demand,b Equipo 57, Esther Ferrer, Joan Fontcuberta, Alberto García Alix, Pablo Gargallo, David Goldblatt, Julio González, Rodney Graham,Katharina Grosse, Arturo Herrera, Roni Horn, El Hortelano, Axel Hütte, Concha Jerez, Anish Kapoor, Lucia Koch, Luisa Lambri, Teresa Lanceta, Ouka Leele, Sol Lewitt, Lucebert, Sigfrido Martín Begué, Ana Mendieta, Mitsuo Miura, Antoni Muntadas, Nazario, Ortega Muñoz, Jorge Oteiza, Pablo Palazuelo, Perejaume, Adrian Piper, Georges Rousse, Antonio Saura, Néstor Sanmiguel Diest, Carolee Schneemann, Kiki Seror, Soledad Sevilla, Melanie Smith, Susana Solano, Jesús Rafael Soto, Antoni Tàpies, Frank Thiel, Wolfgang Tillmans, Francesc Torres, Miguel Trillo, Dario Urzay, Eulàlia Valldosera, Patricio Vélez.
Más información en: Centro de Arte Dos de Mayo.
Conferencia LA FOTOGRAFÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO con JOAN FONTCUBERTA, artista, docente, ensayista y crítico. Premio Internacional de Fotografía Hasselblad, uno de los más importantes del mundo (llamado el Nobel de fotografía).
Participan:
-Joan Fontcuberta (Artista, docente, ensayista y crítico)
-Josep Benlloch (Responsable y coordinador del Máster en fotografía, arte y técnica de la UPV)
-Ramón Campo (Innovafoto)
- Ana Teresa Ortega (Directora del Máster en fotografía, arte y técnica de la UPV)
- Mati Marti (ex alumna del Máster en Fotografía, arte y técnica de la UPV).
Fecha: martes 14 de junio de 10:00 - 11:00h.
Lugar: Centro de Formación Permanente de la Universitat Politécnica de Valencia, camino de Vera s/n.
Información e inscripciones en: Centro Formación Permanente-Universidad Politécnica de Valencia
Conferencia LA FOTOGRAFÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO con JOAN FONTCUBERTA, artista, docente, ensayista y crítico. Premio Internacional de Fotografía Hasselblad, uno de los más importantes del mundo (llamado el Nobel de fotografía).
Participan:
-Joan Fontcuberta (Artista, docente, ensayista y crítico)
-Josep Benlloch (Responsable y coordinador del Máster en fotografía, arte y técnica de la UPV)
-Ramón Campo (Innovafoto)
- Ana Teresa Ortega (Directora del Máster en fotografía, arte y técnica de la UPV)
- Mati Marti (ex alumna del Máster en Fotografía, arte y técnica de la UPV).
Fecha: martes 14 de junio de 10:00 - 11:00h.
Lugar: Centro de Formación Permanente de la Universitat Politécnica de Valencia, camino de Vera s/n.
Información e inscripciones en: Centro Formación Permanente-Universidad Politécnica de Valencia
Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.
Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición retrospectiva permitirá una revisión de su trayectoria, y situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.
Siguiendo la lógica del trabajo de Cabello/Carceller, la exposición está concebida como una infiltración, contaminando la institución con un tipo de discursos que normalmente permanecen ocultos. Los diferentes espacios expositivos superponen diversos momentos de su trayectoria para restaurar la complejidad temporal más allá de la idea de un progreso lineal: las obras se refieren unas a otras en un sentido cronopolítico, donde las piezas más antiguas puedan entenderse como comentarios o referencias para la construcción del sentido de las más recientes.
+ info: http://www.marcovigo.com/es/content/borrador-para-una-exposici-n-sin-t-tulo-cabellocarceller
Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.
Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición retrospectiva permitirá una revisión de su trayectoria, y situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.
Siguiendo la lógica del trabajo de Cabello/Carceller, la exposición está concebida como una infiltración, contaminando la institución con un tipo de discursos que normalmente permanecen ocultos. Los diferentes espacios expositivos superponen diversos momentos de su trayectoria para restaurar la complejidad temporal más allá de la idea de un progreso lineal: las obras se refieren unas a otras en un sentido cronopolítico, donde las piezas más antiguas puedan entenderse como comentarios o referencias para la construcción del sentido de las más recientes.
+ info: http://www.marcovigo.com/es/content/borrador-para-una-exposici-n-sin-t-tulo-cabellocarceller
Venue: Alte Post, Dominikanerbastei 11, 1010 Vienna Dates: 25 May to 19 June, daily 11 a.m. to 8 p.m. Free admission
Opening 24 May 7 p.m.: Performance Universal Anthem, Société Réaliste With: Clemes Salesny & Leo Riegler (musician) 8 p.m.: Perfomance The Winner Takes It All, Dante Buu With: Dante Buu (artist)
Artists Catherine Anyango, Zanny Begg, Anca Benera / Arnold Estefan, Songül Boyraz, Dante Buu, Nicos Charalambidis, Anetta Mona Chişa / Lucia Tkáčová, Mansour Ciss, András Cséfalvay, Anna Daučíková, Yevgeniy Fiks, Petra Gerschner, GLUKLYA / Natalya Pershina-Yakimanskaya, Núria Güell, Sanja Iveković, Gülsün Karamustafa, Szabolcs KissPál, Martin Krenn, Tomasz Kulka, Damian Le Bas, Delaine Le Bas, Lőrinc Borsos, Victor López González, Angela Melitopoulos, Marina Naprushkina, Csaba Nemes, Adrian Paci, Martin Piaček, Lisl Ponger, Tomáš Rafa, Société Réaliste / Ferenc Gróf, R.E.P. Group, Oliver Ressler, Mykola Ridnyi, Juri Schaden, Marika Schmiedt, Roland Sejko, Tim Sharp, Société Réaliste / Ferenc Gróf, Hito Steyerl, Toledo i Dertschei, Artur Żmijewski and others
The “Universal Hospitality” exhibition presents diverse artistic positions organised around topics relating to the current massive migration movements. The title of the exhibition refers to the humanist ideas of Enlightenment being stripped away, it seems, by the rise of a new nationalism, growing populism and increasing xenophobia. The artworks featured illuminate both the hidden foundations of an understanding of national identity based on exclusion and the political, social and economic order responsible for the status quo. Against this backdrop, artists try to open up new spaces of thought and action.
At a time when the values of humanism and emancipation, which Europe seems to take for granted, are shaking in the midst of people in motion, artists envision a world transgressing borders, walls and fences and create trans-national spaces for action and thinking.
The method of governing in which nationalism is closely intertwined with populism, though more virulent in the post-socialist countries, is no longer confined to behind the Iron Curtain. Borders are crossed and closed, throughout the continent. The genie of xenophobia is out of the bottle and looms also in affluent countries as a projection of fear of losing wealth and a comfortable life.
In response, artists from all around Europe strive for a re-entitlement of people, facilitating communication and connectedness through their virtual network, mobilizing the moral and artistic power of civic ideas. The Alte Post of Vienna, which once served as an agent of change curtailing feudal privileges in communication, provides a space for artists’ visions of an open and inclusive world to overcome nationalistic patterns of thinking and exclusion.
With three days of short and long-form presentations, small-group discussions, panel discussions, artist projects and keynote-addresses, the Open Forum provides continuous opportunities for conversation and networking from June 3 to 5.
Production Wiener Festwochen
With the support of Austrian Federal Chancellery, Arts and Culture Division
Venue: Alte Post, Dominikanerbastei 11, 1010 Vienna Dates: 25 May to 19 June, daily 11 a.m. to 8 p.m. Free admission
Opening 24 May 7 p.m.: Performance Universal Anthem, Société Réaliste With: Clemes Salesny & Leo Riegler (musician) 8 p.m.: Perfomance The Winner Takes It All, Dante Buu With: Dante Buu (artist)
Artists Catherine Anyango, Zanny Begg, Anca Benera / Arnold Estefan, Songül Boyraz, Dante Buu, Nicos Charalambidis, Anetta Mona Chişa / Lucia Tkáčová, Mansour Ciss, András Cséfalvay, Anna Daučíková, Yevgeniy Fiks, Petra Gerschner, GLUKLYA / Natalya Pershina-Yakimanskaya, Núria Güell, Sanja Iveković, Gülsün Karamustafa, Szabolcs KissPál, Martin Krenn, Tomasz Kulka, Damian Le Bas, Delaine Le Bas, Lőrinc Borsos, Victor López González, Angela Melitopoulos, Marina Naprushkina, Csaba Nemes, Adrian Paci, Martin Piaček, Lisl Ponger, Tomáš Rafa, Société Réaliste / Ferenc Gróf, R.E.P. Group, Oliver Ressler, Mykola Ridnyi, Juri Schaden, Marika Schmiedt, Roland Sejko, Tim Sharp, Société Réaliste / Ferenc Gróf, Hito Steyerl, Toledo i Dertschei, Artur Żmijewski and others
The “Universal Hospitality” exhibition presents diverse artistic positions organised around topics relating to the current massive migration movements. The title of the exhibition refers to the humanist ideas of Enlightenment being stripped away, it seems, by the rise of a new nationalism, growing populism and increasing xenophobia. The artworks featured illuminate both the hidden foundations of an understanding of national identity based on exclusion and the political, social and economic order responsible for the status quo. Against this backdrop, artists try to open up new spaces of thought and action.
At a time when the values of humanism and emancipation, which Europe seems to take for granted, are shaking in the midst of people in motion, artists envision a world transgressing borders, walls and fences and create trans-national spaces for action and thinking.
The method of governing in which nationalism is closely intertwined with populism, though more virulent in the post-socialist countries, is no longer confined to behind the Iron Curtain. Borders are crossed and closed, throughout the continent. The genie of xenophobia is out of the bottle and looms also in affluent countries as a projection of fear of losing wealth and a comfortable life.
In response, artists from all around Europe strive for a re-entitlement of people, facilitating communication and connectedness through their virtual network, mobilizing the moral and artistic power of civic ideas. The Alte Post of Vienna, which once served as an agent of change curtailing feudal privileges in communication, provides a space for artists’ visions of an open and inclusive world to overcome nationalistic patterns of thinking and exclusion.
With three days of short and long-form presentations, small-group discussions, panel discussions, artist projects and keynote-addresses, the Open Forum provides continuous opportunities for conversation and networking from June 3 to 5.
Production Wiener Festwochen
With the support of Austrian Federal Chancellery, Arts and Culture Division
Conceptual Art in Britain 1964–1979
12 April – 29 August 2016
In the 1960s artists began to abandon traditional approaches and made ideas the essence of their work. This fascinating exhibition explores this pivotal period in British history, which changed the way we think about art to this day.
It gathers together artists who took art beyond its traditional boundaries to suggest new ways of engaging with the realities of the world beyond the studio, which ultimately led to a questioning of the function and social purpose of art.
The radical and controversial work both scrutinised and consistently took inspiration from the real world. Asking what art is, as well as what it might be for, inevitably led some artists to create work that was often politically engaged with themes and issues ranging from feminism to the Troubles in Northern Ireland.
Seen within the context of its time, spanning Harold Wilson’s first Labour government to the election of Margaret Thatcher, this show reveals conceptual art’slasting legacy.
Artists featured within the show include, among others: Keith Arnatt, Art & Language, Conrad Atkinson, Victor Burgin, Michael Craig-Martin, Hamish Fulton, Margaret Harrison, Susan Hiller, John Hilliard, Mary Kelly, John Latham, Richard Long, Bruce McLean, David Tremlett and Stephen Willats.
+ info: http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/conceptual-art-britain-1964-1979
Conceptual Art in Britain 1964–1979
12 April – 29 August 2016
In the 1960s artists began to abandon traditional approaches and made ideas the essence of their work. This fascinating exhibition explores this pivotal period in British history, which changed the way we think about art to this day.
It gathers together artists who took art beyond its traditional boundaries to suggest new ways of engaging with the realities of the world beyond the studio, which ultimately led to a questioning of the function and social purpose of art.
The radical and controversial work both scrutinised and consistently took inspiration from the real world. Asking what art is, as well as what it might be for, inevitably led some artists to create work that was often politically engaged with themes and issues ranging from feminism to the Troubles in Northern Ireland.
Seen within the context of its time, spanning Harold Wilson’s first Labour government to the election of Margaret Thatcher, this show reveals conceptual art’slasting legacy.
Artists featured within the show include, among others: Keith Arnatt, Art & Language, Conrad Atkinson, Victor Burgin, Michael Craig-Martin, Hamish Fulton, Margaret Harrison, Susan Hiller, John Hilliard, Mary Kelly, John Latham, Richard Long, Bruce McLean, David Tremlett and Stephen Willats.
+ info: http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/conceptual-art-britain-1964-1979
Braco Dimitrijević
19 April – 04 June 2016
Exhibition
Selection of works by the early conceptual artist including "Picture of Passer-by and Post-historical device" (1989) and "Post-historicus landmark" (1979). Private view Wednesday 20th April 3pm - 8pm.
Tesla - Despite History (2006)
Film directed, written and narrated by Braco Dimitrijević (2006, 43 min.) The artist will join us for the screening at the Hotel Metropole on Friday, 22nd April (7pm).
Nikola Tesla together with Einstein was one of the most prominent scientists of the first half of the 20th century. They were also connected by a family link - Einstein’s first wife Mileva, herself a prominent scientist and professor of mathematics at Princeton University, was Tesla’s cousin. For Dimitrijevic the case of Tesla is a starting point for complex reflections on the relativity of criteria which shape the official version of history: why does it take centuries for some ideas to be accepted, why are certain ideas recorded while others fall into oblivion, why are some people glorified while others are forgotten. Filmed at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and Nikola Tesla’s Museum in Belgrade, the movie tries to provide answers to those questions from a personal artistic point of view, emphasising not only Tesla’s enormous influence in science but also a possible interaction between his inventiveness and that of 20th century avant-garde art movements.
Hotel Metropole, Einstein room, 31 Place De Brouckère, 1000 Brussels Please confirm your attendance by mail to info@garagecosmos.be
Braco Dimitrijević
19 April – 04 June 2016
Exhibition
Selection of works by the early conceptual artist including "Picture of Passer-by and Post-historical device" (1989) and "Post-historicus landmark" (1979). Private view Wednesday 20th April 3pm - 8pm.
Tesla - Despite History (2006)
Film directed, written and narrated by Braco Dimitrijević (2006, 43 min.) The artist will join us for the screening at the Hotel Metropole on Friday, 22nd April (7pm).
Nikola Tesla together with Einstein was one of the most prominent scientists of the first half of the 20th century. They were also connected by a family link - Einstein’s first wife Mileva, herself a prominent scientist and professor of mathematics at Princeton University, was Tesla’s cousin. For Dimitrijevic the case of Tesla is a starting point for complex reflections on the relativity of criteria which shape the official version of history: why does it take centuries for some ideas to be accepted, why are certain ideas recorded while others fall into oblivion, why are some people glorified while others are forgotten. Filmed at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and Nikola Tesla’s Museum in Belgrade, the movie tries to provide answers to those questions from a personal artistic point of view, emphasising not only Tesla’s enormous influence in science but also a possible interaction between his inventiveness and that of 20th century avant-garde art movements.
Hotel Metropole, Einstein room, 31 Place De Brouckère, 1000 Brussels Please confirm your attendance by mail to info@garagecosmos.be
a cura di Danilo Eccher
dal 16 marzo al 24 luglio 2016
La mostra dedicata a Braco Dimitrijević (Sarajevo 1948, vive e lavora a Parigi), a cura di Danilo Eccher, ripercorre le fasi principali della sua carriera artistica partendo dagli esordi con “The Casual Passers-by I Met”, l’opera che alla fine degli anni Sessanta lo rese celebre a livello internazionale, fino agli esiti più recenti della sua produzione. La ricerca di Dimitrijević abbraccia una complessità di tematiche con una visione a tratti ironica a tratti romantica, e mette in discussione i presupposti di veridicità della storia così come dell’arte e della cultura, lasciando aperti dubbi e interrogativi. Le prime azioni performative gettano le fondamenta del suo pensiero, che oggi si può identificare come un’anticipazione dell’arte relazionale, e affrontano il rapporto tra casualità e creatività attraverso grandi installazioni, fotografie, video, dipinti e sculture che minano e quasi dissacrano l’idea stessa di opera d’arte e il concetto di artista.
a cura di Danilo Eccher
dal 16 marzo al 24 luglio 2016
La mostra dedicata a Braco Dimitrijević (Sarajevo 1948, vive e lavora a Parigi), a cura di Danilo Eccher, ripercorre le fasi principali della sua carriera artistica partendo dagli esordi con “The Casual Passers-by I Met”, l’opera che alla fine degli anni Sessanta lo rese celebre a livello internazionale, fino agli esiti più recenti della sua produzione. La ricerca di Dimitrijević abbraccia una complessità di tematiche con una visione a tratti ironica a tratti romantica, e mette in discussione i presupposti di veridicità della storia così come dell’arte e della cultura, lasciando aperti dubbi e interrogativi. Le prime azioni performative gettano le fondamenta del suo pensiero, che oggi si può identificare come un’anticipazione dell’arte relazionale, e affrontano il rapporto tra casualità e creatività attraverso grandi installazioni, fotografie, video, dipinti e sculture che minano e quasi dissacrano l’idea stessa di opera d’arte e il concetto di artista.
Safaris/Safarix
Du 30 mars au 4 septembre 2016
Que serait la chasse sans les histoires de chasse ? La tradition orale prend en charge ce récit auto-promotionnel depuis la nuit des temps, avant d’être relayée par des écrits abondants au point d’en faire une forme de genre littéraire. La question de l’authenticité des faits relatés n’attend pas la publication des exploits cynégétiques de Tartarin de Tarascon pour se poser. La somme des glorieux et invérifiables récits de chasse publiés est déjà impressionnante quand le célèbre « tueur de lions » se décide à son tour à jouer la surenchère !
Safaris transpose à l’art contemporain l’ambivalence des histoires de chasse et les œuvres de Mark Beard, de Joan Fontcuberta ou encore de Christian Gonzenbach, rassemblées pour l’exposition, investissent le territoire des chasses fictionnelles… Mêlant les peintures aux documents, les photographies aux témoignages, les pièces réunies attestent de l’insatisfaction immémoriale du chasseur à se contenter de la réalité. Enjoliver ou ensauvager le plus banal des terrains de chasse, attribuer au gibier extrême rareté ou menaçant appétit, conférer à la traque d’impalpables élans héroïques ou mystiques, n’est-ce pas aussi la fonction des récits et des images cynégétiques ?
C’est ainsi qu’en convoquant pour leurs œuvres des styles et des techniques héritées du passé, certains des artistes réunis pour Safaris soulignent la tension entre réalité et fiction qui caractérise l’art cynégétique : entre reportage et propagande, chronique et décorum… une obsession à rendre compte qui ne saurait désenchanter.
+ info: http://www.chassenature.org/exposition-safaris/Safaris/Safarix
Du 30 mars au 4 septembre 2016
Que serait la chasse sans les histoires de chasse ? La tradition orale prend en charge ce récit auto-promotionnel depuis la nuit des temps, avant d’être relayée par des écrits abondants au point d’en faire une forme de genre littéraire. La question de l’authenticité des faits relatés n’attend pas la publication des exploits cynégétiques de Tartarin de Tarascon pour se poser. La somme des glorieux et invérifiables récits de chasse publiés est déjà impressionnante quand le célèbre « tueur de lions » se décide à son tour à jouer la surenchère !
Safaris transpose à l’art contemporain l’ambivalence des histoires de chasse et les œuvres de Mark Beard, de Joan Fontcuberta ou encore de Christian Gonzenbach, rassemblées pour l’exposition, investissent le territoire des chasses fictionnelles… Mêlant les peintures aux documents, les photographies aux témoignages, les pièces réunies attestent de l’insatisfaction immémoriale du chasseur à se contenter de la réalité. Enjoliver ou ensauvager le plus banal des terrains de chasse, attribuer au gibier extrême rareté ou menaçant appétit, conférer à la traque d’impalpables élans héroïques ou mystiques, n’est-ce pas aussi la fonction des récits et des images cynégétiques ?
C’est ainsi qu’en convoquant pour leurs œuvres des styles et des techniques héritées du passé, certains des artistes réunis pour Safaris soulignent la tension entre réalité et fiction qui caractérise l’art cynégétique : entre reportage et propagande, chronique et décorum… une obsession à rendre compte qui ne saurait désenchanter.
+ info: http://www.chassenature.org/exposition-safaris/NIL YALTER
FEBRUARY 05 – JUNE 05, 2016
Opening: Thursday, Feb 4 at 7 PM
On the occasion of the first French retrospective of the work by Nil Yalter, 49 Nord 6 Est invites you to discover around fifteen pieces by this firmly engaged artist of Turkish origin, most of which have never been shown on the national artistic scene!
A voluntary exile, Nil Yalter (1938, Cairo, Egypt), settled in Paris in 1965. She is a pioneering, spirited, and original artist motivated by social and political convictions. She creates hybrid works that combine video, painting, drawing, photography, collage, as well as performance and installation. Rooted in conceptual art, her work does not reject either form or materiality and, in its singular approach, eludes the contemporary artistic canons.
+ info: http://www.fraclorraine.org
NIL YALTER
FEBRUARY 05 – JUNE 05, 2016
Opening: Thursday, Feb 4 at 7 PM
On the occasion of the first French retrospective of the work by Nil Yalter, 49 Nord 6 Est invites you to discover around fifteen pieces by this firmly engaged artist of Turkish origin, most of which have never been shown on the national artistic scene!
A voluntary exile, Nil Yalter (1938, Cairo, Egypt), settled in Paris in 1965. She is a pioneering, spirited, and original artist motivated by social and political convictions. She creates hybrid works that combine video, painting, drawing, photography, collage, as well as performance and installation. Rooted in conceptual art, her work does not reject either form or materiality and, in its singular approach, eludes the contemporary artistic canons.
+ info: http://www.fraclorraine.org
ESTHER FERRER “Entre líneas y cosas”
Comisaria, Margarita Aizpuru
Centro de Arte Tomás y Valiente, Madrid – Del 4 de febrero al 17 de abril de 2016
Inauguración el 4 de febrero de 2016 a las 20 h
Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) Licenciada en Ciencias Sociales y Periodismo, estudió Arte en París, ciudad en la que reside y trabaja desde 1973. En su ciudad natal creó, junto con otros artistas, un taller de libre expresión. También, una escuela experimental en Elorrio. Ha impartido clases en las escuelas de Bellas Artes de Canadá, Francia, Italia o España, entre otras.
Fue, desde 1967, una de las principales integrantes del grupo Zaj, colectivo creado en 1964, por sus dos primero componentes, Juan Hidalgo y Walter Marchetti, y otros amigos más. Desde entonces y hasta fines de los años noventa los integrantes del colectivo desarrollaron paralelamente sus trayectorias por separado, como es el caso de la larga trayectoria individual de Esther Ferrer.
La artista es una de las creadoras españolas de más sólida trayectoria y de mayor reconocimiento nacional e internacional, a pesar de que durante décadas, esta magnífica artista experimental fue desarrollando, con absoluta coherencia, honestidad y brillantes sus trabajos artísticos sin reconocimiento institucional y dentro de los circuitos paralelos e independientes. Por fin en los últimos tiempos fue seleccionada para representar a España en la Bienal de Venecia, recibió el premio Nacional de Artes Plásticas por parte del Ministerio de Cultura y recientemente recibió el Premio Velázquez.
Artista polifacética, su obra ha recorrido el territorio de las performances, siendo enormemente reconocida a nivel internacional, aunque también es autora numerosas obras y proyectos de artes visuales o plásticas de instalaciones, objetos, series fotográficas y obras radiofónicas, habiendo efectuado a lo largo de los años numerosos proyectos visuales a nivel internacional.
“Entre líneas y cosas”. Esther Ferrer utiliza en sus acciones sus principales herramientas de trabajo como son su propio cuerpo y los objetos. Su cuerpo tendrá un papel protagónico esencial, como se aprecia en todas sus performances, desde las primeras hasta las de ahora mismo. Pero, también, la artista acciona con los objetos en el espacio en la mayoría de sus acciones, siendo muy habitual en ella que una performance se transforme luego en una obra plástica, bi o tridimensional, en una conferencia, una obra sonora y en un texto, o al revés que de estos se origine una performance.
Tanto en sus performances como en sus trabajos puramente plásticos visuales utiliza objetos ordinarios, que suele extraer de la vida cotidiana, como sillas, mesas, relojes, zapatos, hilos, cuerdas, mesas, etc. Muchos de ellos son objetos encontrados y descontextualizados de su función, integrándolos en otro ámbito y otorgándoles otros significados y cualidades, mostrando un interés por lo nimio y las cosas insignificantes o sin valor. Y ello procede del sentido que Marcel Duchamp daba a sus objetos cotidianos descontextualizados, sin transformarlos, sólo trasladándolos de lugar y contexto, otorgándoles una dimensión estética, introduciéndose el arte en el terreno de lo simbólico y afirmando que lo real no es uno sino plural y tiene una pluralidad de significados.
Como la propia Esther Ferrer expresa “…a muchos de estos proyectos los llamo “proyectos espaciales” , precisamente porque…. cuando los hago “mi materia prima” es el espacio….” Y más adelante dice “ Porque tanto la instalación como la performance tienen, en mi opinión tres elementos esenciales: tiempo, espacio y presencia. Aunque los percibamos de diferente manera son los mismos..”
El proyecto de exposición individual y publicación de la artista Esther Ferrer se concreta en una selección de trabajos objetuales y de instalaciones de la creadora, efectuada por la comisaria del proyecto, Margarita Aizpuru.
+ info: http://ceartfuenlabrada.esESTHER FERRER “Entre líneas y cosas”
Comisaria, Margarita Aizpuru
Centro de Arte Tomás y Valiente, Madrid – Del 4 de febrero al 17 de abril de 2016
Inauguración el 4 de febrero de 2016 a las 20 h
Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) Licenciada en Ciencias Sociales y Periodismo, estudió Arte en París, ciudad en la que reside y trabaja desde 1973. En su ciudad natal creó, junto con otros artistas, un taller de libre expresión. También, una escuela experimental en Elorrio. Ha impartido clases en las escuelas de Bellas Artes de Canadá, Francia, Italia o España, entre otras.
Fue, desde 1967, una de las principales integrantes del grupo Zaj, colectivo creado en 1964, por sus dos primero componentes, Juan Hidalgo y Walter Marchetti, y otros amigos más. Desde entonces y hasta fines de los años noventa los integrantes del colectivo desarrollaron paralelamente sus trayectorias por separado, como es el caso de la larga trayectoria individual de Esther Ferrer.
La artista es una de las creadoras españolas de más sólida trayectoria y de mayor reconocimiento nacional e internacional, a pesar de que durante décadas, esta magnífica artista experimental fue desarrollando, con absoluta coherencia, honestidad y brillantes sus trabajos artísticos sin reconocimiento institucional y dentro de los circuitos paralelos e independientes. Por fin en los últimos tiempos fue seleccionada para representar a España en la Bienal de Venecia, recibió el premio Nacional de Artes Plásticas por parte del Ministerio de Cultura y recientemente recibió el Premio Velázquez.
Artista polifacética, su obra ha recorrido el territorio de las performances, siendo enormemente reconocida a nivel internacional, aunque también es autora numerosas obras y proyectos de artes visuales o plásticas de instalaciones, objetos, series fotográficas y obras radiofónicas, habiendo efectuado a lo largo de los años numerosos proyectos visuales a nivel internacional.
“Entre líneas y cosas”. Esther Ferrer utiliza en sus acciones sus principales herramientas de trabajo como son su propio cuerpo y los objetos. Su cuerpo tendrá un papel protagónico esencial, como se aprecia en todas sus performances, desde las primeras hasta las de ahora mismo. Pero, también, la artista acciona con los objetos en el espacio en la mayoría de sus acciones, siendo muy habitual en ella que una performance se transforme luego en una obra plástica, bi o tridimensional, en una conferencia, una obra sonora y en un texto, o al revés que de estos se origine una performance.
Tanto en sus performances como en sus trabajos puramente plásticos visuales utiliza objetos ordinarios, que suele extraer de la vida cotidiana, como sillas, mesas, relojes, zapatos, hilos, cuerdas, mesas, etc. Muchos de ellos son objetos encontrados y descontextualizados de su función, integrándolos en otro ámbito y otorgándoles otros significados y cualidades, mostrando un interés por lo nimio y las cosas insignificantes o sin valor. Y ello procede del sentido que Marcel Duchamp daba a sus objetos cotidianos descontextualizados, sin transformarlos, sólo trasladándolos de lugar y contexto, otorgándoles una dimensión estética, introduciéndose el arte en el terreno de lo simbólico y afirmando que lo real no es uno sino plural y tiene una pluralidad de significados.
Como la propia Esther Ferrer expresa “…a muchos de estos proyectos los llamo “proyectos espaciales” , precisamente porque…. cuando los hago “mi materia prima” es el espacio….” Y más adelante dice “ Porque tanto la instalación como la performance tienen, en mi opinión tres elementos esenciales: tiempo, espacio y presencia. Aunque los percibamos de diferente manera son los mismos..”
El proyecto de exposición individual y publicación de la artista Esther Ferrer se concreta en una selección de trabajos objetuales y de instalaciones de la creadora, efectuada por la comisaria del proyecto, Margarita Aizpuru.
+ info: http://ceartfuenlabrada.es21.01.2016 - 28.02.2016 / SALA SEMPERE
Museo de la Universidad de Alicante
ANA TERESA ORTEGA CARTOGRAFÍAS SILENCIADAS
Cartografías Silenciadas documenta gráficamente los espacios más emblemáticos de la represión franquista durante la guerra civil y la posguerra: campos de concentración, colonias penitenciarias militarizadas y espacios donde hubo fusilamientos masivos. Cronológicamente abarca desde 1936-1962, fechas que coinciden con la apertura y cierre de estos espacios. En la actualidad estos lugares tienen otros usos y casi no quedan vestigios de lo que fueron, muchos de ellos han desaparecido y en pocos hay una placa que les haga memoria. El proyecto artístico de Ana Teresa Ortega se completa, a modo contextualización, con documentos de archivos relativos al funcionamiento de los campos: su reglamento, normativas, planos, mapas, fotografías de los prisioneros de guerra, etc.
Los campos de concentración fueron el primer eslabón de la cadena represiva del franquismo y tuvieron lugar durante y después de la contienda. El avance del Ejército Nacional fue generando un gran número de prisioneros de guerra republicanos. Abarrotadas las cárceles, habilitaron para ellos todo tipo de centros de detención, escuelas, conventos, iglesias, plazas de toros, barracones en espacios abiertos y otras edificaciones. Estos espacios de concentración tuvieron como finalidad la clasificación militar y político-social de los prisioneros, la depuración, la tortura y la explotación como esclavos para la reconstrucción del país.
El objetivo de toda esta maquinaria era aniquilar la cultura política y minar la moral de la España republicana, así como reeducar a los prisioneros mediante el ejercicio de la violencia física y psicológica. La existencia de esta férrea represión fue la tónica general que marcó la vida en las prisiones y en los centros de reclusión.
La verdadera dimensión de los crímenes de Franco todavía no es demasiado conocida en nuestro país. Sin embargo, a pesar de la mucha documentación expurgada y de los fondos documentales que todavía permanecen cerrados a la investigación, la tenacidad de algunos historiadores –a la que se suma el proyecto Cartografías Silenciadas– ha permitido empezar a conocer la enorme envergadura de estos crímenes y los mecanismos de un sistema represivo envuelto por una enorme burocracia.
+ info: www.mua.ua.es
21.01.2016 - 28.02.2016 / SALA SEMPERE
Museo de la Universidad de Alicante
ANA TERESA ORTEGA CARTOGRAFÍAS SILENCIADAS
Cartografías Silenciadas documenta gráficamente los espacios más emblemáticos de la represión franquista durante la guerra civil y la posguerra: campos de concentración, colonias penitenciarias militarizadas y espacios donde hubo fusilamientos masivos. Cronológicamente abarca desde 1936-1962, fechas que coinciden con la apertura y cierre de estos espacios. En la actualidad estos lugares tienen otros usos y casi no quedan vestigios de lo que fueron, muchos de ellos han desaparecido y en pocos hay una placa que les haga memoria. El proyecto artístico de Ana Teresa Ortega se completa, a modo contextualización, con documentos de archivos relativos al funcionamiento de los campos: su reglamento, normativas, planos, mapas, fotografías de los prisioneros de guerra, etc.
Los campos de concentración fueron el primer eslabón de la cadena represiva del franquismo y tuvieron lugar durante y después de la contienda. El avance del Ejército Nacional fue generando un gran número de prisioneros de guerra republicanos. Abarrotadas las cárceles, habilitaron para ellos todo tipo de centros de detención, escuelas, conventos, iglesias, plazas de toros, barracones en espacios abiertos y otras edificaciones. Estos espacios de concentración tuvieron como finalidad la clasificación militar y político-social de los prisioneros, la depuración, la tortura y la explotación como esclavos para la reconstrucción del país.
El objetivo de toda esta maquinaria era aniquilar la cultura política y minar la moral de la España republicana, así como reeducar a los prisioneros mediante el ejercicio de la violencia física y psicológica. La existencia de esta férrea represión fue la tónica general que marcó la vida en las prisiones y en los centros de reclusión.
La verdadera dimensión de los crímenes de Franco todavía no es demasiado conocida en nuestro país. Sin embargo, a pesar de la mucha documentación expurgada y de los fondos documentales que todavía permanecen cerrados a la investigación, la tenacidad de algunos historiadores –a la que se suma el proyecto Cartografías Silenciadas– ha permitido empezar a conocer la enorme envergadura de estos crímenes y los mecanismos de un sistema represivo envuelto por una enorme burocracia.
+ info: www.mua.ua.es
La muestra Joan Fontcuberta. Imago, ergo sum, recoge una amplia selección de algunos de los proyectos más significativos de Joan Fontcuberta, desarrollados entre 1984 y 2014: Herbarium, Sputnik, Securitas, Trepat o Milagros & Co, entre otros. La selección se ha realizado en torno a dos de sus grandes temas: la verosimilitud de las imágenes y los dispositivos de transmisión de ideas. La muestra se completa con dos intervenciones específicas llevadas a cabo en el Museo Nacional de Antropología (Serie Sirenas) y el Museo Nacional de Ciencias Naturales - CSIC (Serie Fauna). La muestra pretende constatar, a través de piezas en diferentes soportes: fotografías, libros, objetos y audiovisuales, la originalidad de Joan Fontcuberta y la asunción de la fotografía como un medio nuevo que, a diferencia de otros lenguajes heredados de las artes plásticas tradicionales, permite desarrollar líneas equivalentes de un mismo proyecto, unas ajustadas a un espacio expositivo y otras a las páginas de un volumen editorial. De ahí que en la exposición, tan importante como las fotografías, son los libros que a lo largo de su extensa carrera ha ido publicando. Como la práctica totalidad de sus ediciones están agotadas se exponen de manera interactiva en tabletas para consulta del público visitante.
Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es artista, comisario, ensayista y docente. Está considerado como uno de los fotógrafos actuales más relevantes de Europa y una de las voces más reconocidas y respetadas en el panorama internacional. Su extensa trayectoria supera ya las cuatro décadas; un largo recorrido que le ha permitido mostrar su trabajo durante estos años en los cinco continentes.
Ha recibido numerosos premios y reconocimientos. En 1994 fue distinguido Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura de Francia. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía, concedido por el Ministerio de Cultura de España y en 2011 el Premio Nacional de Ensayo. En 2013 se convirtió en el primer español que consiguió el Premio Hasselblad como reconocimiento al conjunto de su actividad fotográfica, uno de los galardones más prestigiosos en el mundo de la fotografía, que también han recibido figuras de primer orden como Ansel Adams, Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Richard Avedon, Josef Koudelka o Robert Frank.
Esta exposición se acompaña de un completo catálogo con textos del comisario, Sema D’Acosta, del propio Joan Fontcuberta y del pensador Josep Ramoneda. También se incluye una entrevista realizada al artista por Emmanuelle Waeckerle.
La muestra Joan Fontcuberta. Imago, ergo sum, recoge una amplia selección de algunos de los proyectos más significativos de Joan Fontcuberta, desarrollados entre 1984 y 2014: Herbarium, Sputnik, Securitas, Trepat o Milagros & Co, entre otros. La selección se ha realizado en torno a dos de sus grandes temas: la verosimilitud de las imágenes y los dispositivos de transmisión de ideas. La muestra se completa con dos intervenciones específicas llevadas a cabo en el Museo Nacional de Antropología (Serie Sirenas) y el Museo Nacional de Ciencias Naturales - CSIC (Serie Fauna). La muestra pretende constatar, a través de piezas en diferentes soportes: fotografías, libros, objetos y audiovisuales, la originalidad de Joan Fontcuberta y la asunción de la fotografía como un medio nuevo que, a diferencia de otros lenguajes heredados de las artes plásticas tradicionales, permite desarrollar líneas equivalentes de un mismo proyecto, unas ajustadas a un espacio expositivo y otras a las páginas de un volumen editorial. De ahí que en la exposición, tan importante como las fotografías, son los libros que a lo largo de su extensa carrera ha ido publicando. Como la práctica totalidad de sus ediciones están agotadas se exponen de manera interactiva en tabletas para consulta del público visitante.
Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es artista, comisario, ensayista y docente. Está considerado como uno de los fotógrafos actuales más relevantes de Europa y una de las voces más reconocidas y respetadas en el panorama internacional. Su extensa trayectoria supera ya las cuatro décadas; un largo recorrido que le ha permitido mostrar su trabajo durante estos años en los cinco continentes.
Ha recibido numerosos premios y reconocimientos. En 1994 fue distinguido Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura de Francia. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía, concedido por el Ministerio de Cultura de España y en 2011 el Premio Nacional de Ensayo. En 2013 se convirtió en el primer español que consiguió el Premio Hasselblad como reconocimiento al conjunto de su actividad fotográfica, uno de los galardones más prestigiosos en el mundo de la fotografía, que también han recibido figuras de primer orden como Ansel Adams, Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Richard Avedon, Josef Koudelka o Robert Frank.
Esta exposición se acompaña de un completo catálogo con textos del comisario, Sema D’Acosta, del propio Joan Fontcuberta y del pensador Josep Ramoneda. También se incluye una entrevista realizada al artista por Emmanuelle Waeckerle.
Desde mediados del siglo xx numerosos artistas trabajan con la autobiografía como una parte central de su trabajo, y en muchos casos esta autorreferencialidad es la única materia prima de sus obras artísticas. Estos trabajos no solo ponen de manifiesto la relevancia y la importancia del yo en la sociedad contemporánea, sino también nuestra relación con el otro.
La autobiografía va más allá del autorretrato, los selfies o el relato personal. Desde la primera persona necesitamos autorrepresentarnos, obsesivamente, para imaginar, relatar o inventar nuestra identidad, construyendo de esta forma nuestra propia historia. Somos lo que revelamos, pero en ese proceso, paradójicamente, acabamos revelando lo que no somos.
La exposición de ViSiONA 2015, con el título Yo, me, mí, contigo, reúne obras de once artistas nacionales e internacionales cuyo trabajo se centra en estas prácticas artísticas autobiográficas, haciendo de y con ellos mismos su propia creación, para lo que abordan desde diferentes campos y distintas aproximaciones el concepto contemporáneo del yo. Estos artistas (se) miran desde cuestiones de género, raza, cuerpo, identidad, memoria, familia, pérdida, olvido, enfermedad o paso del tiempo en una interminable búsqueda de su propia identidad, haciendo partícipe al espectador de ese proceso, siempre en construcción.
Cualquiera de los trabajos autobiográficos incluidos en esta exposición contiene elementos inventados, y cualquiera de las ficciones que se muestran es, hasta cierto punto, autobiográfica, lo que nos confunde como espectadores sobre qué es realidad y qué es ficción, desorientándonos sobre lo real de nuestras fantasías y lo ficticio de nuestras vivencias. Yo, me, mí, contigo incluye fotografías, vídeos e instalaciones de los artistas Elina Brotherus, Esther Ferrer, Sophie Calle, Claude Cahun, John Coplans, Guy Ben-Ner, Óscar Muñoz, Ana Mendieta, Miguel Ángel Rebollo, José Oltra y Faustino Villa.
Una parte de estos artistas entienden su trabajo como una prolongación de su propia vida y representan sus experiencias y sus vivencias cotidianas, transformando su obra en una especie de álbum público de sus vidas privadas. Otros, sin embargo, parten de la imaginación, de la construcción de sus autorrepresentaciones, y en el proceso inventan narraciones que las hacen funcionar como una especie de relatos de ficción. Estas dos posiciones tan dispares y antagónicas en sus discursos artísticos, la realidad y la ficción, acaban siendo una misma cosa, mezclándose, uniéndose y confundiéndose, y generando finalmente una nueva categoría estética propia de esta época. Los trabajos autobiográficos/ficcionados de los artistas incluidos en esta exposición se evidencian de alguna manera como una forma de desdoblamiento de los propias artistas, que se sitúan fuera de ellos mismos, contemplándose, haciéndonos contemplarlos, para que nos demos cuenta de que en realidad (nos) contemplamos a (nos)otros mismos.
Yo, me, mí, contigo cuenta también con una parte interactiva en la que el público podrá mandar y compartir sus selfies, que serán incluidos en la propia exposición, cuestionando si el selfie no es más que una versión tecnológica del autorretrato o si, por el contrario, se ha convertido por sí mismo en un nuevo estilo y un nuevo género de (auto)representación (#yoymiselfie).
Dentro de la sala de exposiciones existe un espacio dedicado a la documentación bibliográfica y videográfica sobre el uso y la importancia de las prácticas autobiográficas en el arte y el pensamiento contemporáneos. Este espacio cuenta con una extensión online. Por otra parte, con motivo de la muestra se ha diseñado un completo programa educativo que incluye visitas y talleres didácticos programados para diversos públicos, colectivos y grupos escolares. Asimismo se ha editado un catálogo que incluye, además de reproducciones de los trabajos expuestos, textos de Pedro Vicente, Nerea Ubieto, Gemma San Cornelio y Elena Zapata.
ESTHER FERRER
Autorretrato en el tiempo es el título de una de las instalaciones, probablemente, más conocidas de Esther Ferrer. Perteneciente a la serie El libro de las cabezas, iniciada en 1981, la obra posee un carácter procesual e inacabado. A partir de 1981 y sin una periodicidad fija —en general cada cinco años, si bien el intervalo para la primera fotografía fue de nueve—, la artista se hace una foto, un retrato que secciona por la mitad, y monta las dos mitades resultantes con todas las mitades correspondientes a la foto o retrato anterior. Este proceso o sistema lleva a que haya dos versiones del año 1989, seis de 1994, doce de 1999, y así sucesivamente hasta la actualidad. La obra, por lo tanto, posee cierto carácter seriado. El resultado no es sino una reflexión sobre la acción del tiempo en su propio cuerpo. Si bien se trata de imágenes estáticas, neutrales y hasta cierto punto asépticas, la acción propia de autorretratarse nos lleva a la acción, al hecho performativo de preparar un escenario neutro en el que situarse y enfrentarse al objetivo. La obra resultante bien podría ser considerada testigo y documentación del acto performativo, un acto al que la artista añade más ingredientes y constantes de su obra, como son la presencia humana, el tiempo y su paso, la repetición o el infinito —inherente al carácter inacabado y en curso del proceso de creación de la obra o a su previsible existencia más allá de la vida de su autora—.
© Helena López Camacho
Desde mediados del siglo xx numerosos artistas trabajan con la autobiografía como una parte central de su trabajo, y en muchos casos esta autorreferencialidad es la única materia prima de sus obras artísticas. Estos trabajos no solo ponen de manifiesto la relevancia y la importancia del yo en la sociedad contemporánea, sino también nuestra relación con el otro.
La autobiografía va más allá del autorretrato, los selfies o el relato personal. Desde la primera persona necesitamos autorrepresentarnos, obsesivamente, para imaginar, relatar o inventar nuestra identidad, construyendo de esta forma nuestra propia historia. Somos lo que revelamos, pero en ese proceso, paradójicamente, acabamos revelando lo que no somos.
La exposición de ViSiONA 2015, con el título Yo, me, mí, contigo, reúne obras de once artistas nacionales e internacionales cuyo trabajo se centra en estas prácticas artísticas autobiográficas, haciendo de y con ellos mismos su propia creación, para lo que abordan desde diferentes campos y distintas aproximaciones el concepto contemporáneo del yo. Estos artistas (se) miran desde cuestiones de género, raza, cuerpo, identidad, memoria, familia, pérdida, olvido, enfermedad o paso del tiempo en una interminable búsqueda de su propia identidad, haciendo partícipe al espectador de ese proceso, siempre en construcción.
Cualquiera de los trabajos autobiográficos incluidos en esta exposición contiene elementos inventados, y cualquiera de las ficciones que se muestran es, hasta cierto punto, autobiográfica, lo que nos confunde como espectadores sobre qué es realidad y qué es ficción, desorientándonos sobre lo real de nuestras fantasías y lo ficticio de nuestras vivencias. Yo, me, mí, contigo incluye fotografías, vídeos e instalaciones de los artistas Elina Brotherus, Esther Ferrer, Sophie Calle, Claude Cahun, John Coplans, Guy Ben-Ner, Óscar Muñoz, Ana Mendieta, Miguel Ángel Rebollo, José Oltra y Faustino Villa.
Una parte de estos artistas entienden su trabajo como una prolongación de su propia vida y representan sus experiencias y sus vivencias cotidianas, transformando su obra en una especie de álbum público de sus vidas privadas. Otros, sin embargo, parten de la imaginación, de la construcción de sus autorrepresentaciones, y en el proceso inventan narraciones que las hacen funcionar como una especie de relatos de ficción. Estas dos posiciones tan dispares y antagónicas en sus discursos artísticos, la realidad y la ficción, acaban siendo una misma cosa, mezclándose, uniéndose y confundiéndose, y generando finalmente una nueva categoría estética propia de esta época. Los trabajos autobiográficos/ficcionados de los artistas incluidos en esta exposición se evidencian de alguna manera como una forma de desdoblamiento de los propias artistas, que se sitúan fuera de ellos mismos, contemplándose, haciéndonos contemplarlos, para que nos demos cuenta de que en realidad (nos) contemplamos a (nos)otros mismos.
Yo, me, mí, contigo cuenta también con una parte interactiva en la que el público podrá mandar y compartir sus selfies, que serán incluidos en la propia exposición, cuestionando si el selfie no es más que una versión tecnológica del autorretrato o si, por el contrario, se ha convertido por sí mismo en un nuevo estilo y un nuevo género de (auto)representación (#yoymiselfie).
Dentro de la sala de exposiciones existe un espacio dedicado a la documentación bibliográfica y videográfica sobre el uso y la importancia de las prácticas autobiográficas en el arte y el pensamiento contemporáneos. Este espacio cuenta con una extensión online. Por otra parte, con motivo de la muestra se ha diseñado un completo programa educativo que incluye visitas y talleres didácticos programados para diversos públicos, colectivos y grupos escolares. Asimismo se ha editado un catálogo que incluye, además de reproducciones de los trabajos expuestos, textos de Pedro Vicente, Nerea Ubieto, Gemma San Cornelio y Elena Zapata.
ESTHER FERRER
Autorretrato en el tiempo es el título de una de las instalaciones, probablemente, más conocidas de Esther Ferrer. Perteneciente a la serie El libro de las cabezas, iniciada en 1981, la obra posee un carácter procesual e inacabado. A partir de 1981 y sin una periodicidad fija —en general cada cinco años, si bien el intervalo para la primera fotografía fue de nueve—, la artista se hace una foto, un retrato que secciona por la mitad, y monta las dos mitades resultantes con todas las mitades correspondientes a la foto o retrato anterior. Este proceso o sistema lleva a que haya dos versiones del año 1989, seis de 1994, doce de 1999, y así sucesivamente hasta la actualidad. La obra, por lo tanto, posee cierto carácter seriado. El resultado no es sino una reflexión sobre la acción del tiempo en su propio cuerpo. Si bien se trata de imágenes estáticas, neutrales y hasta cierto punto asépticas, la acción propia de autorretratarse nos lleva a la acción, al hecho performativo de preparar un escenario neutro en el que situarse y enfrentarse al objetivo. La obra resultante bien podría ser considerada testigo y documentación del acto performativo, un acto al que la artista añade más ingredientes y constantes de su obra, como son la presencia humana, el tiempo y su paso, la repetición o el infinito —inherente al carácter inacabado y en curso del proceso de creación de la obra o a su previsible existencia más allá de la vida de su autora—.
© Helena López Camacho
20 Noviembre, 20:00 H. Charla de ESTHER FERRER. Lugar: TEM / El musical
22 Noviembre, 12:30 H. Acción. Punto de salida: L'Escorxador, calle San Pedro, 27. Acción: Se hace camino al andar. Acción realizada por Plataforma Salvem el Cabanyal
La charla y la Acción de Esther Ferrer forman parte de Territorios compatibles / la vida en escena. Se trata de un proyecto de Paula Valero que se continuará durante toda la temporada en el teatro del Musical y que propone desplegar un campo de intervención e investigación sobre prácticas escénicas que se desbordan del propio teatro hacia la esfera pública. Se invitará a artistas, arquitectas/os, directoras/es de teatro, y teóricas/os de diferentes ámbitos para generar una actividad de encuentro con las/os vecinas/os del barrio y público en general.
20 Noviembre, 20:00 H. Charla de ESTHER FERRER. Lugar: TEM / El musical
22 Noviembre, 12:30 H. Acción. Punto de salida: L'Escorxador, calle San Pedro, 27. Acción: Se hace camino al andar. Acción realizada por Plataforma Salvem el Cabanyal
La charla y la Acción de Esther Ferrer forman parte de Territorios compatibles / la vida en escena. Se trata de un proyecto de Paula Valero que se continuará durante toda la temporada en el teatro del Musical y que propone desplegar un campo de intervención e investigación sobre prácticas escénicas que se desbordan del propio teatro hacia la esfera pública. Se invitará a artistas, arquitectas/os, directoras/es de teatro, y teóricas/os de diferentes ámbitos para generar una actividad de encuentro con las/os vecinas/os del barrio y público en general.
Nuestro querido artista Carlos Leppe (Chile, 1952), una de las figuras pioneras del contestatario panorama performativo chileno durante la década de los 70 y 80, falleció la noche del 16 de octubre.
Nos sentimos tristes por esta gran pérdida, pero afortunados de haber tenido la experiencia de convivir con él en marzo de 2011 con motivo de la exposición El cuerpo de Leppe / Chile en espaivisor.
Siempre nos quedará el recuerdo de su amistad, y su magnífica obra, su inmensa generosidad y confianza.
Nuestro querido artista Carlos Leppe (Chile, 1952), una de las figuras pioneras del contestatario panorama performativo chileno durante la década de los 70 y 80, falleció la noche del 16 de octubre.
Nos sentimos tristes por esta gran pérdida, pero afortunados de haber tenido la experiencia de convivir con él en marzo de 2011 con motivo de la exposición El cuerpo de Leppe / Chile en espaivisor.
Siempre nos quedará el recuerdo de su amistad, y su magnífica obra, su inmensa generosidad y confianza.
CARA A CARA
EL RETRATO EN LA COLECCIÓN
FOTO COLECTANIA
Inauguración: Martes 6 de octubre a las 20H.
06.10.15 - 13.02.16
FUNDACIÓN FOTO COLECTANIA
Julián Romero, 6
08006 Barcelona
T. 93 217 16 26
colectania@colectania.es
CARA A CARA
EL RETRATO EN LA COLECCIÓN
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Inauguración: Martes 6 de octubre a las 20H.
06.10.15 - 13.02.16
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Julián Romero, 6
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Daniel Garcias Andújar, Sanja Iveković and Mladen Stilinović in Kyiv Biennial 2015.
Sept. 8 - Nov. 1, 2015
Daniel Garcias Andújar, Sanja Iveković and Mladen Stilinović in Kyiv Biennial 2015.
Sept. 8 - Nov. 1, 2015
A story within a story...
September 12 - November 22 2015
espaivisor ha recibido el Premio a la Mejor Exposición, otorgado por la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte en Abierto Valencia 2015. Han valorado la labor continua realizada por la galería en los contenidos expositivos, y la promoción de sus artistas tanto en las exposiciones en Valencia como en sus proyectos en el exterior. Nos sentimos inmensamente agradecidos y contentos por este reconocimiento a nuestro trabajo.
espaivisor ha recibido el Premio a la Mejor Exposición, otorgado por la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte en Abierto Valencia 2015. Han valorado la labor continua realizada por la galería en los contenidos expositivos, y la promoción de sus artistas tanto en las exposiciones en Valencia como en sus proyectos en el exterior. Nos sentimos inmensamente agradecidos y contentos por este reconocimiento a nuestro trabajo.
ESPECIES DE ESPACIOS
16 jul. 2015 al 31 ene. 2016
Si nos preguntamos sobre el marco por el que transcurre nuestra vida, podríamos convenir que, para obtener una explicación de nuestro mundo, debemos referirnos tanto a su realidad temporal como a su realidad espacial. Es decir, tanto a la categoría que se desarrolla entre un comienzo y un final –y que está sometida a una mutación constante– como a aquella donde todo sucede porque todo lo abarca y donde todo tiene lugar. En consecuencia, junto a la posibilidad de entender nuestra vida como lo que somos entre el nacimiento y la muerte, también es posible acercarse a ella de modo fragmentario y sobre los cimientos de los espacios por los que se desarrolla y evoluciona.
Obviando que la linealidad de nuestra existencia depende de los dictados de un azar que, por mucho que nos apliquemos, nunca logramos dominar por completo, hemos establecido el punto de partida de nuestro proyecto basándonos en los lugares por los que transcurre. Es decir, en los espacios que nos pueden definir en función del uso que hacemos de ellos.
En el desarrollo de esta aventura, Georges Perec –conocido, entre otras cosas, por su tendencia obsesiva a listar lo que pasa cuando no pasa nada o lo que se nota y que nunca anotamos– se perfila a nuestro juicio como el guía más adecuado. Así, además de ser el autor del libro que da título a la exposición, Perec nos proporciona la pista de los espacios a los que queremos acceder, al margen de cualquier voluntad enciclopédica y abriendo interrogantes en torno a los significados que pudieran tener para cada uno de nosotros.
Concebida a la manera de un edificio fragmentado espacialmente según la tipología que Perec establece en su libro Especies de espacios (Montesinos, 1999), la exposición reúne una selección de obras escogidas por su capacidad de remitir a las áreas en las que actuamos, somos, nos movemos, pensamos y vivimos. Es decir, a unos espacios que, vistos a través de los ojos de un artista, nos aproximan al significado que pudieran tener para nosotros a través de producciones específicas, de obras pertenecientes a la Colección u otras que, por razones de diversa índole, se nos antojan como el contrapunto ideal para forzar a la imaginación a buscar lo que mejor defina el modo en que los usamos.
Más que una exposición de tesis, archivo o documentación, nuestra propuesta para Especies de espacios se debe entender como una interpretación libre de un libro en su deriva por algunos de los recovecos del espacio público y privado, la intimidad y la vida social, lo que somos y lo que ven de nosotros. En suma, como la deriva de la existencia humana, desde el espacio mínimo y acotado de una página hasta la imposibilidad de poner límites a una idea de espacio en general.
Ignasi Aballí, Lara Almarcegui, Serafín Álvarez, Martí Anson, Marcel Broodthaers, Luz Broto, stanley brouwn, Victor Burgin, Luis Camnitzer, Azahara Cerezo/Mario Santamaria, Joan Colom, Jordi Colomer, Guy Debord, Pep Duran, Andrés Fernández, León Ferrari, Lucio Fontana, Dora García, Gego, Joan Hernández Pijuan, Francisco Ibáñez, Marla Jacarilla, Adrià Julià, Emma Kay, Guillermo Kuitca, Manolo Laguillo, MAIO, Gordon Matta-Clark, Ester Partegàs, Lois Patiño, Gerhard Richter, Humberto Rivas, Pedro G. Romero, Gino Rubert, Francesc Ruiz, Edward Ruscha, Daniel Steegmann Mangrané, Saul Steinberg y Ignacio Uriarte.
Comisario: Frederic Montornés Producción: Museu d'Art Contemporani de Barcelona
ESPECIES DE ESPACIOS
16 jul. 2015 al 31 ene. 2016
Si nos preguntamos sobre el marco por el que transcurre nuestra vida, podríamos convenir que, para obtener una explicación de nuestro mundo, debemos referirnos tanto a su realidad temporal como a su realidad espacial. Es decir, tanto a la categoría que se desarrolla entre un comienzo y un final –y que está sometida a una mutación constante– como a aquella donde todo sucede porque todo lo abarca y donde todo tiene lugar. En consecuencia, junto a la posibilidad de entender nuestra vida como lo que somos entre el nacimiento y la muerte, también es posible acercarse a ella de modo fragmentario y sobre los cimientos de los espacios por los que se desarrolla y evoluciona.
Obviando que la linealidad de nuestra existencia depende de los dictados de un azar que, por mucho que nos apliquemos, nunca logramos dominar por completo, hemos establecido el punto de partida de nuestro proyecto basándonos en los lugares por los que transcurre. Es decir, en los espacios que nos pueden definir en función del uso que hacemos de ellos.
En el desarrollo de esta aventura, Georges Perec –conocido, entre otras cosas, por su tendencia obsesiva a listar lo que pasa cuando no pasa nada o lo que se nota y que nunca anotamos– se perfila a nuestro juicio como el guía más adecuado. Así, además de ser el autor del libro que da título a la exposición, Perec nos proporciona la pista de los espacios a los que queremos acceder, al margen de cualquier voluntad enciclopédica y abriendo interrogantes en torno a los significados que pudieran tener para cada uno de nosotros.
Concebida a la manera de un edificio fragmentado espacialmente según la tipología que Perec establece en su libro Especies de espacios (Montesinos, 1999), la exposición reúne una selección de obras escogidas por su capacidad de remitir a las áreas en las que actuamos, somos, nos movemos, pensamos y vivimos. Es decir, a unos espacios que, vistos a través de los ojos de un artista, nos aproximan al significado que pudieran tener para nosotros a través de producciones específicas, de obras pertenecientes a la Colección u otras que, por razones de diversa índole, se nos antojan como el contrapunto ideal para forzar a la imaginación a buscar lo que mejor defina el modo en que los usamos.
Más que una exposición de tesis, archivo o documentación, nuestra propuesta para Especies de espacios se debe entender como una interpretación libre de un libro en su deriva por algunos de los recovecos del espacio público y privado, la intimidad y la vida social, lo que somos y lo que ven de nosotros. En suma, como la deriva de la existencia humana, desde el espacio mínimo y acotado de una página hasta la imposibilidad de poner límites a una idea de espacio en general.
Ignasi Aballí, Lara Almarcegui, Serafín Álvarez, Martí Anson, Marcel Broodthaers, Luz Broto, stanley brouwn, Victor Burgin, Luis Camnitzer, Azahara Cerezo/Mario Santamaria, Joan Colom, Jordi Colomer, Guy Debord, Pep Duran, Andrés Fernández, León Ferrari, Lucio Fontana, Dora García, Gego, Joan Hernández Pijuan, Francisco Ibáñez, Marla Jacarilla, Adrià Julià, Emma Kay, Guillermo Kuitca, Manolo Laguillo, MAIO, Gordon Matta-Clark, Ester Partegàs, Lois Patiño, Gerhard Richter, Humberto Rivas, Pedro G. Romero, Gino Rubert, Francesc Ruiz, Edward Ruscha, Daniel Steegmann Mangrané, Saul Steinberg y Ignacio Uriarte.
Comisario: Frederic Montornés Producción: Museu d'Art Contemporani de Barcelona
Mon, 2015-06-08 - Sun, 2015-09-27
8. 6., 18:00 the lecture: Olivier Hadouchi, 19:00 Opening and guided tour with curator
The exhibition "Ma'aminim the believers" takes the context of the Seine-Saint-Denis department as a fulcrum of the political and social struggles that have agitated France during the last century. Articulating various private and public collections as well as other heterogeneous objects, this exhibition is haunted by this context rather than attempting to illustrate it. It unfolds a loose poetic montage of movies, posters, artworks as well as militant devices discovered along the path of our research, ranging between idealist impulses and crepuscular visions.
The “believers” here are political believers, those who struggle for an ideal and aim at changing the world through collective action. Those who, generation after generation, dare to take the risk to confront reality through the creation of forms. Those who dream the future by inventing critical objects that directly echo back to their present.
Curated by Guillaume Désanges, assisted by Marine Eric and Cybèle Mavrokordopoulou
TRANZITDISPLA · Dittrichova 9/337 · 120 00 Praha 2 CZ · www.tranzitdisplay.cz · info@tranzitdisplay.cz
+420 222 516 982 (Tue - Sun 12 noon - 6 p.m.) · OPENING HOURS Tue - Sun 12 noon - 6 p.m. · FREE ENTRY
Mon, 2015-06-08 - Sun, 2015-09-27
8. 6., 18:00 the lecture: Olivier Hadouchi, 19:00 Opening and guided tour with curator
The exhibition "Ma'aminim the believers" takes the context of the Seine-Saint-Denis department as a fulcrum of the political and social struggles that have agitated France during the last century. Articulating various private and public collections as well as other heterogeneous objects, this exhibition is haunted by this context rather than attempting to illustrate it. It unfolds a loose poetic montage of movies, posters, artworks as well as militant devices discovered along the path of our research, ranging between idealist impulses and crepuscular visions.
The “believers” here are political believers, those who struggle for an ideal and aim at changing the world through collective action. Those who, generation after generation, dare to take the risk to confront reality through the creation of forms. Those who dream the future by inventing critical objects that directly echo back to their present.
Curated by Guillaume Désanges, assisted by Marine Eric and Cybèle Mavrokordopoulou
TRANZITDISPLA · Dittrichova 9/337 · 120 00 Praha 2 CZ · www.tranzitdisplay.cz · info@tranzitdisplay.cz
+420 222 516 982 (Tue - Sun 12 noon - 6 p.m.) · OPENING HOURS Tue - Sun 12 noon - 6 p.m. · FREE ENTRY
duration: 17.09.2015 - 15.11.2015 Opening: 16.09.2015, 19:00
In his works, Spanish artist Daniel G. Andújar deals with political and social issues and reflects on the relationship between reality and its representation in digital worlds. He starts off with collections of various found media that he uses for his video and Internet projects, as well as arrangements of objects, prints and photographs.
Key themes are the power structures in dominant, hierarchical social systems and the role of technology as an instrument of state control. Andújar uses the representation strategies of media in an ironic and critical manner, asking whether information and communication technologies truly uphold their stated commitment to democratic and egalitarian values. He thus points out the discrepancy between the utopian idea of the Internet as a democratic space, and its actual capabilities and limitations. Andújar thus keeps returning to subversive tactics of occupation and civil disobedience – tactics that use social networks and the Internet to reframe the concept of freedom.
With “Zones of Conflict“ the HeK presents the artist’s first solo exhibition in Switzerland. The exhibition includes works created between 1998 and 2015 on themes related to conflicts, protest movements and geo-political crises. All invite the visitor to take a critical look at today’s communication media and technologies.
Daniel G. Andújar:
Daniel G. Andújar (b. 1966 in Almoradi, Spain) lives and works in Barcelona. He created his first artistic works in the late 1980s, mostly working with video. Early on, he experimented with the creative possibilities of the Internet. In 1996 he founded the fictitious company "Technologies To The People." In this context, he also promoted various collective projects on the Internet, such as art-net-dortmund, e-barcelona.org, e-valencia.org, eseoul.org, e-sevilla.org, e-stuttgart.org, postcapital.org, e-madrid.org, etc. Andujar has taught in several countries and conducted workshops for artists and social collectives. His works have been shown in numerous exhibitions worldwide; the Spanish National Museum Reina Sofia in Madrid hosted a comprehensive, one-man show from January to April 2015.
More info: http://www.hek.ch/en/program/events-en/event/daniel-g-andujar.html
duration: 17.09.2015 - 15.11.2015 Opening: 16.09.2015, 19:00
In his works, Spanish artist Daniel G. Andújar deals with political and social issues and reflects on the relationship between reality and its representation in digital worlds. He starts off with collections of various found media that he uses for his video and Internet projects, as well as arrangements of objects, prints and photographs.
Key themes are the power structures in dominant, hierarchical social systems and the role of technology as an instrument of state control. Andújar uses the representation strategies of media in an ironic and critical manner, asking whether information and communication technologies truly uphold their stated commitment to democratic and egalitarian values. He thus points out the discrepancy between the utopian idea of the Internet as a democratic space, and its actual capabilities and limitations. Andújar thus keeps returning to subversive tactics of occupation and civil disobedience – tactics that use social networks and the Internet to reframe the concept of freedom.
With “Zones of Conflict“ the HeK presents the artist’s first solo exhibition in Switzerland. The exhibition includes works created between 1998 and 2015 on themes related to conflicts, protest movements and geo-political crises. All invite the visitor to take a critical look at today’s communication media and technologies.
Daniel G. Andújar:
Daniel G. Andújar (b. 1966 in Almoradi, Spain) lives and works in Barcelona. He created his first artistic works in the late 1980s, mostly working with video. Early on, he experimented with the creative possibilities of the Internet. In 1996 he founded the fictitious company "Technologies To The People." In this context, he also promoted various collective projects on the Internet, such as art-net-dortmund, e-barcelona.org, e-valencia.org, eseoul.org, e-sevilla.org, e-stuttgart.org, postcapital.org, e-madrid.org, etc. Andujar has taught in several countries and conducted workshops for artists and social collectives. His works have been shown in numerous exhibitions worldwide; the Spanish National Museum Reina Sofia in Madrid hosted a comprehensive, one-man show from January to April 2015.
More info: http://www.hek.ch/en/program/events-en/event/daniel-g-andujar.html
17 September 2015 – 24 January 2016
The Eyal Ofer Galleries, Level 3
Whaaam! Pop! Kapow! This is pop art, but not as you know it. Tate Modern is ready to tell a global story of pop art, breaking new ground along the way, and revealing a different side to the artistic and cultural phenomenon. From Latin America to Asia, and from Europe to the Middle East, this explosive exhibition connects the dots between art produced around the world during the 1960s and 1970s, showing how different cultures and countries responded to the movement. Politics, the body, domestic revolution, consumption, public protest, and folk – all will be explored and laid bare in eye-popping Technicolor and across many media, from canvas to car bonnets and pinball machines. The exhibition will reveal how pop was never just a celebration of western consumer culture, but was often a subversive international language of protest – a language that is more relevant today than ever.
Artist interview: Sanja Iveković
Was ‘pop art’ a term used by yourself or colleagues or was there a different terminology that referred to a new figurative art movement in the 1960s and early 1970s?
Pop art, minimal art, body art, conceptual art, arte povera … all these terms were in use in the art circles in Yugoslavia in the 1960s and 1970s.
Did you ever consider yourself (now or in the past) a pop artist?
No, I would not consider myself a pop artist. I belong to the generation who came onto the art scene at the beginning of the 1970s. We were commonly known as the ‘conceptualists’. As young artists we were eager to react to the work of the generation before us. We wanted to break with the modernist tradition, which was accepted in socialist Yugoslavia of the 1960s as ‘official art’. Our main concern was the political critique of the high, elite, institutional culture. We questioned the nature and function of art itself, the ‘autonomy’ of the gallery-museum context, the influence of the market logic on the production of the artwork, the social and political role of artists … We shared the opinion that pop art was not radically different from abstract expressionism: the content had changed but everything else stayed the same: the artists were exhibiting in the commercial galleries, their works were quickly accepted by the market … pop art seemed to be just another product of a capitalist mainstream culture. At the time we still believed that the alternative was possible.
I was preoccupied with the question of gender identity and gender roles in society so the politics of the representation of femininity in the mass media was my favourite subject; pop art seemed to be an almost exclusively male movement so it wasn’t inspiring for me.
Did your work engage with current events in the 1960s and early 1970s?
As a woman and as an artist I was formed by the contentious spirit of 1968. I was following the student demonstrations in Yugoslavia but at the Zagreb Fine Art Academy where I was studying I wasn’t generally able to produce works that engaged with the movement. Only on one occasion, for an etching project, did I use a photograph of a well-known female politician who was the president of the Croatian Communist Party. It was my comment on the current political event called the ‘Croatian Spring’. It wasn’t well received by my professors.
How did you choose the subject matter for your work included in The World Goes Pop?
The Yugoslavian socialist government practised a Communist ideology combined with consumerist elements. The subject of this early video, Sweet Violence, is a good example of this. I wanted to deal with the manipulative power of the media, which is a subject that I am still interested in working with. The video consists of the commercials that were part of the economic propaganda programme broadcast on Zagreb television. By placing vertical strips of black tape over the television screen I wanted to create a visual reference to the passive viewer’s captivity at the hands of the system. In this way I could symbolically disconnect viewers from the ‘sweet violence’, violence committed in a tender, endearing and efficient way, and thus even more damaging in its effects.
Where did you get your imagery from (what, if any, sources did you use)?
Since I didn’t have any access to television archives the only way was to record the television programmes.
Were you aware of pop art in other parts of the world?
The information about pop art in other parts of the world was scarce. The Anglo-American media dominance was global.
Was commercial art an influence on your work or the way in which it was made?
In the 1970s I was working as a graphic designer at a large publishing house in Zagreb. Later I started a collaboration with a number of Croatian non-government women’s organisations designing their press material and creating the promotional videos for the television. The knowledge I gained as a graphic designer definitely influenced the way I deal with my artworks.
Was there a feeling at the time that you doing something important and new, making a change…
Yes, the 1970s were heroic in the sense that we felt we are making a change … it was a good feeling.
Was there an audience for the work at the time – and if so what was their reaction to it?
The audience was small but dedicated and enthusiastic.
Looking back at these works, what you do think about them now?
I am pleased to see that young artists find some of my work still inspiring.
September 2015
+ info
http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/ey-exhibition-world-goes-pop
17 September 2015 – 24 January 2016
The Eyal Ofer Galleries, Level 3
Whaaam! Pop! Kapow! This is pop art, but not as you know it. Tate Modern is ready to tell a global story of pop art, breaking new ground along the way, and revealing a different side to the artistic and cultural phenomenon. From Latin America to Asia, and from Europe to the Middle East, this explosive exhibition connects the dots between art produced around the world during the 1960s and 1970s, showing how different cultures and countries responded to the movement. Politics, the body, domestic revolution, consumption, public protest, and folk – all will be explored and laid bare in eye-popping Technicolor and across many media, from canvas to car bonnets and pinball machines. The exhibition will reveal how pop was never just a celebration of western consumer culture, but was often a subversive international language of protest – a language that is more relevant today than ever.
Artist interview: Sanja Iveković
Was ‘pop art’ a term used by yourself or colleagues or was there a different terminology that referred to a new figurative art movement in the 1960s and early 1970s?
Pop art, minimal art, body art, conceptual art, arte povera … all these terms were in use in the art circles in Yugoslavia in the 1960s and 1970s.
Did you ever consider yourself (now or in the past) a pop artist?
No, I would not consider myself a pop artist. I belong to the generation who came onto the art scene at the beginning of the 1970s. We were commonly known as the ‘conceptualists’. As young artists we were eager to react to the work of the generation before us. We wanted to break with the modernist tradition, which was accepted in socialist Yugoslavia of the 1960s as ‘official art’. Our main concern was the political critique of the high, elite, institutional culture. We questioned the nature and function of art itself, the ‘autonomy’ of the gallery-museum context, the influence of the market logic on the production of the artwork, the social and political role of artists … We shared the opinion that pop art was not radically different from abstract expressionism: the content had changed but everything else stayed the same: the artists were exhibiting in the commercial galleries, their works were quickly accepted by the market … pop art seemed to be just another product of a capitalist mainstream culture. At the time we still believed that the alternative was possible.
I was preoccupied with the question of gender identity and gender roles in society so the politics of the representation of femininity in the mass media was my favourite subject; pop art seemed to be an almost exclusively male movement so it wasn’t inspiring for me.
Did your work engage with current events in the 1960s and early 1970s?
As a woman and as an artist I was formed by the contentious spirit of 1968. I was following the student demonstrations in Yugoslavia but at the Zagreb Fine Art Academy where I was studying I wasn’t generally able to produce works that engaged with the movement. Only on one occasion, for an etching project, did I use a photograph of a well-known female politician who was the president of the Croatian Communist Party. It was my comment on the current political event called the ‘Croatian Spring’. It wasn’t well received by my professors.
How did you choose the subject matter for your work included in The World Goes Pop?
The Yugoslavian socialist government practised a Communist ideology combined with consumerist elements. The subject of this early video, Sweet Violence, is a good example of this. I wanted to deal with the manipulative power of the media, which is a subject that I am still interested in working with. The video consists of the commercials that were part of the economic propaganda programme broadcast on Zagreb television. By placing vertical strips of black tape over the television screen I wanted to create a visual reference to the passive viewer’s captivity at the hands of the system. In this way I could symbolically disconnect viewers from the ‘sweet violence’, violence committed in a tender, endearing and efficient way, and thus even more damaging in its effects.
Where did you get your imagery from (what, if any, sources did you use)?
Since I didn’t have any access to television archives the only way was to record the television programmes.
Were you aware of pop art in other parts of the world?
The information about pop art in other parts of the world was scarce. The Anglo-American media dominance was global.
Was commercial art an influence on your work or the way in which it was made?
In the 1970s I was working as a graphic designer at a large publishing house in Zagreb. Later I started a collaboration with a number of Croatian non-government women’s organisations designing their press material and creating the promotional videos for the television. The knowledge I gained as a graphic designer definitely influenced the way I deal with my artworks.
Was there a feeling at the time that you doing something important and new, making a change…
Yes, the 1970s were heroic in the sense that we felt we are making a change … it was a good feeling.
Was there an audience for the work at the time – and if so what was their reaction to it?
The audience was small but dedicated and enthusiastic.
Looking back at these works, what you do think about them now?
I am pleased to see that young artists find some of my work still inspiring.
September 2015
+ info
http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/ey-exhibition-world-goes-pop
https://news.artnet.com/art-world/europes-top-galleries-know-part-2-313286
Europe's cities offer a wealth of contemporary art galleries, making the continent an important destination for art lovers across the world. Those looking to admire both established and leading artists, as well as seek out new and emerging talent, flock both to the obvious choices such as London, Berlin, and Paris—not to mention Basel—but also to lesser-known hot-spots like Istanbul, Budapest, and Athens.
While London may be the dominant center, offering a one-stop-shop option for traveling Middle Eastern, Russian, and Asian collectors, in addition to home-grown ones, the European art markets continue to thrive and excite. What's more, Europe's galleries are usually “must-go" destinations if you are following an emerging European talent.
But the European market is eclectic, scattered, and in constant flux. Berlin is still a hotspot, but other hubs are on the rise. Selecting the continent's top commercial galleries can be a tricky task. artnet News has picked 55 contemporary galleries from all across Europe that you need to know. The carefully selected group combines well-known galleries that enjoy widespread recognition, listed by location, as well as smaller spaces that deserve to be in the spotlight.
https://news.artnet.com/art-world/europes-top-galleries-know-part-2-313286
Europe's cities offer a wealth of contemporary art galleries, making the continent an important destination for art lovers across the world. Those looking to admire both established and leading artists, as well as seek out new and emerging talent, flock both to the obvious choices such as London, Berlin, and Paris—not to mention Basel—but also to lesser-known hot-spots like Istanbul, Budapest, and Athens.
While London may be the dominant center, offering a one-stop-shop option for traveling Middle Eastern, Russian, and Asian collectors, in addition to home-grown ones, the European art markets continue to thrive and excite. What's more, Europe's galleries are usually “must-go" destinations if you are following an emerging European talent.
But the European market is eclectic, scattered, and in constant flux. Berlin is still a hotspot, but other hubs are on the rise. Selecting the continent's top commercial galleries can be a tricky task. artnet News has picked 55 contemporary galleries from all across Europe that you need to know. The carefully selected group combines well-known galleries that enjoy widespread recognition, listed by location, as well as smaller spaces that deserve to be in the spotlight.
Construction to Transmission: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960–1980.
September 5, 2015–January 3, 2016.
The Joan and Preston Robert Tisch Exhibition Gallery, sixth floor.
Construction to Transmission: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960–1980.
September 5, 2015–January 3, 2016.
The Joan and Preston Robert Tisch Exhibition Gallery, sixth floor.
Lenbachhaus presents the first retrospective exhibition dedicated to Argentine-French artist Lea Lublin (1929 Brest, Poland – 1999 Paris). Having begun her career as a painter in Buenos Aires, Lublin radically changed course in the mid-1960s to create art that would offer the greatest possible agency and participation for its audience. Lublin belonged to a generation of such artists as Lygia Clark and Allan Kaprow, committed to overcoming the boundaries separating ‘art and life’. Seeking dialogue and confrontation, Lublin’s approach was at once sensual and didactic, challenging yet egalitarian. Her work closely engaged with currents in critical theory, philosophy, and art of her time, and brings them alive for us today. Though familiar to her artistic peers and a younger generation of scholars in France and Argentina, Lublin’s work is still largely unfamiliar to a broader international audience. Spanning three decades, the exhibition at Lenbachhaus focuses on several essential chapters in the artist’s trajectory: the abandonment of painting in favour of environments and actions, the use of dialogue as an art form, the deconstruction of art historical imagery from a psychoanalytical and feminist standpoint, and the inquiry into Marcel Duchamp’s sojourn in Buenos Aires. In addition to photographs, drawings, wall installations, and videos, the exhibition will feature a reconstruction of Lublin’s most ambitious environment “Fluvio Subtunal“ (1969).
On the occasion of the exhibition, Lenbachhaus has restored and preserved a large body of key works from the artist’s estate. Many works are on view for the first time in 20 years. International loans from The Museum of Modern Art in New York, the Centre national des arts plastiques, the Fonds régional d’art contemporain Alsace, and the Bibliothèque nationale de France complete the presentation.
A copiously illustrated catalogue will be published in conjunction with the exhibition featuring contributions by Stephanie Weber, Thibault Boulvain, Catherine Francblin, Teresa Riccardi, Monika Bayer-Wermuth, Isabel Plante, and Pierre Restany. The publication features Lublin’s most important writing and, for the first time, translations of her texts into English and German.
Städtische Galerie im Lenbachhaus. Luisenstraße 33. D-80333 Munich.
Lenbachhaus presents the first retrospective exhibition dedicated to Argentine-French artist Lea Lublin (1929 Brest, Poland – 1999 Paris). Having begun her career as a painter in Buenos Aires, Lublin radically changed course in the mid-1960s to create art that would offer the greatest possible agency and participation for its audience. Lublin belonged to a generation of such artists as Lygia Clark and Allan Kaprow, committed to overcoming the boundaries separating ‘art and life’. Seeking dialogue and confrontation, Lublin’s approach was at once sensual and didactic, challenging yet egalitarian. Her work closely engaged with currents in critical theory, philosophy, and art of her time, and brings them alive for us today. Though familiar to her artistic peers and a younger generation of scholars in France and Argentina, Lublin’s work is still largely unfamiliar to a broader international audience. Spanning three decades, the exhibition at Lenbachhaus focuses on several essential chapters in the artist’s trajectory: the abandonment of painting in favour of environments and actions, the use of dialogue as an art form, the deconstruction of art historical imagery from a psychoanalytical and feminist standpoint, and the inquiry into Marcel Duchamp’s sojourn in Buenos Aires. In addition to photographs, drawings, wall installations, and videos, the exhibition will feature a reconstruction of Lublin’s most ambitious environment “Fluvio Subtunal“ (1969).
On the occasion of the exhibition, Lenbachhaus has restored and preserved a large body of key works from the artist’s estate. Many works are on view for the first time in 20 years. International loans from The Museum of Modern Art in New York, the Centre national des arts plastiques, the Fonds régional d’art contemporain Alsace, and the Bibliothèque nationale de France complete the presentation.
A copiously illustrated catalogue will be published in conjunction with the exhibition featuring contributions by Stephanie Weber, Thibault Boulvain, Catherine Francblin, Teresa Riccardi, Monika Bayer-Wermuth, Isabel Plante, and Pierre Restany. The publication features Lublin’s most important writing and, for the first time, translations of her texts into English and German.
Städtische Galerie im Lenbachhaus. Luisenstraße 33. D-80333 Munich.
Sanja Iveković has been conceiving and executing projects for the public sphere since the 1970s. A recurrent theme of her work involves the forms and context of the official culture of memory. With her proposal to reconstruct Ludwig Mies van der Rohe’s monument for Rosa Luxemburg, Karl Liebknecht, and the revolutionaries of the workers’ movement from today’s vantage point, Iveković challenges the dominant politics of remembrance and harks back to the monument’s heavily-contested history, echoes of which could be heard long after the monument was destroyed in 1933.
In the exhibition “Ich war, ich bin, ich werde sein!” (“I was, I am, I shall be!”), Iveković presents the conceptual foundation of the historic “Monument to the November Revolution” by Mies van der Rohe as a research object within the context of left-wing revolutions. She uses the original monument as well as her own proposal as a vehicle to examine and shed light on latent conflicts and contradictions.
The central question of the accompanying symposium, “Memorial For(u)ms – Histories of Possibility” which will take place in HAU on 3–4 July, 2015 is: what kind of discursive and aesthetic form can be attached to a (failed/ unfinished) revolution and what would a reconstruction of the monument stand for today? Rosa Luxemburg’s canonical question ‘Reform or Revolution?’, together with contradictions surrounding the November Revolution of 1918/19 will serve as points of departure for an inquiry into the contradictory nature of revolutionary memory and its form, which merges martyrdom and heroism, optimism and melancholia.
///
Sanja Iveković. Ich war, ich bin, ich werde sein! 6. Juni–1. August 2015.
Eröffnung Freitag, 5. Juni 2015, 19–21 Uhr.
///
daadgalerie.
Zimmerstraße 90.
10117 Berlin.
www.daadgalerie.de Mo–Sa 11–18 Uhr.
///
Memorial For(u)ms – Histories of Possibility. Symposium mit Mikkel Bolt Rasmussen,Boris Buden, Ekaterina Degot, Jodi Dean, Gal Kirn, Bojana Pejić, Gerald Raunig, Milica Tomić, Jelena Vesić, Siegbert Wolf, Ross Wolfe u.a. kuratiert von Antonia Majaca.
///
Eine Produktion des Berliner Künstlerprogramms des DAAD in Zusammenarbeit mit dem HAU Hebbel am Ufer.
3.–4. Juli 2015, 16–21 Uhr.
HAU 1.
Ticketpreis pro Tag: € 8 (ermäßigt € 5).
HAU 1.
Stresemannstraße 29.
10963 Berlin.
Sanja Iveković has been conceiving and executing projects for the public sphere since the 1970s. A recurrent theme of her work involves the forms and context of the official culture of memory. With her proposal to reconstruct Ludwig Mies van der Rohe’s monument for Rosa Luxemburg, Karl Liebknecht, and the revolutionaries of the workers’ movement from today’s vantage point, Iveković challenges the dominant politics of remembrance and harks back to the monument’s heavily-contested history, echoes of which could be heard long after the monument was destroyed in 1933.
In the exhibition “Ich war, ich bin, ich werde sein!” (“I was, I am, I shall be!”), Iveković presents the conceptual foundation of the historic “Monument to the November Revolution” by Mies van der Rohe as a research object within the context of left-wing revolutions. She uses the original monument as well as her own proposal as a vehicle to examine and shed light on latent conflicts and contradictions.
The central question of the accompanying symposium, “Memorial For(u)ms – Histories of Possibility” which will take place in HAU on 3–4 July, 2015 is: what kind of discursive and aesthetic form can be attached to a (failed/ unfinished) revolution and what would a reconstruction of the monument stand for today? Rosa Luxemburg’s canonical question ‘Reform or Revolution?’, together with contradictions surrounding the November Revolution of 1918/19 will serve as points of departure for an inquiry into the contradictory nature of revolutionary memory and its form, which merges martyrdom and heroism, optimism and melancholia.
///
Sanja Iveković. Ich war, ich bin, ich werde sein! 6. Juni–1. August 2015.
Eröffnung Freitag, 5. Juni 2015, 19–21 Uhr.
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daadgalerie.
Zimmerstraße 90.
10117 Berlin.
www.daadgalerie.de Mo–Sa 11–18 Uhr.
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Memorial For(u)ms – Histories of Possibility. Symposium mit Mikkel Bolt Rasmussen,Boris Buden, Ekaterina Degot, Jodi Dean, Gal Kirn, Bojana Pejić, Gerald Raunig, Milica Tomić, Jelena Vesić, Siegbert Wolf, Ross Wolfe u.a. kuratiert von Antonia Majaca.
///
Eine Produktion des Berliner Künstlerprogramms des DAAD in Zusammenarbeit mit dem HAU Hebbel am Ufer.
3.–4. Juli 2015, 16–21 Uhr.
HAU 1.
Ticketpreis pro Tag: € 8 (ermäßigt € 5).
HAU 1.
Stresemannstraße 29.
10963 Berlin.